МОУ "Гимназия № 139"
Яркий представитель символизма и модерна
в русском изобразительном искусстве
(Михаил Александрович Врубель)
РЕФЕРАТ ПО МИРОВОЙ ХУДОЖЕСТВЕННОЙ КУЛЬТУРЕ
Выполнила: ученица 11"б" класса
Глоба Александра
Руководитель: учитель МХК
Сазонова Ирина Борисовна
Омск - 2007
ПЛАН
Введение. 3
Биография Врубеля М.А. (1856-1910) 4
Киевский период. 7
Мамонтовский период. 8
"Пан"(1899) 13
"Царевна-Лебедь"(1900) 14
"К ночи"(1900) 16
Тема Демона. 17
Поздний период творчества Врубеля. 19
Влияние художника на мастеров 20 века. 23
Заключение. 25
Библиография.. 27
Приложение 1. 28
Приложение 2. 33
Введение
Как поразительна неповторимость биографии каждого творца! Их оригинальность видения мира, их безотчетная преданность своей теме и, главное, их борьба за свои приверженности, с причудами рока каждый раз заставляют изумляться невероятным хитросплетениям бытия, преградам и козням, расставляемым перед художниками, и как вопреки всем этим препонам живописец все же создает свои полотна, в которых с единственной и потрясающей ясностью выражает свою душу, свои привязанности, любовь.
Большой художник, как бы преломив сквозь сердце свет своего времени, выражает век, в котором ему довелось родиться и творить. Часто эти связи живописца с окружающей его сферой очень неоднозначны, а характер таланта и картины, создаваемые им, сложны и никак впрямую не выражают будни бытия; но при прохождении достаточного времени, а чаще всего уже после кончины художника, со всей грандиозностью предстают величие его творческого искания, неповторимость и несметное богатство духовного мира, который он оставил людям. И только тогда можно уверенно понять всю силу того страстного влечения к красоте и правде, к раскрытию единственной и никем еще не рассказанной темы, которая владела им всю жизнь, озаряя судьбу. Как бы коротка ни была биография того или иного крупного живописца, но полотна, оставленные им, позволяют как бы знавать его не похожий ни на кого лик.
Мы невольно ощущаем скрытую от нас внутреннюю напряженную работу художника, и чем больше талант, чем неповторимей и ярче горит звезда его дара, тем острее и отчетливее мы чувствуем неодолимую, притягательную мощь творческой устремленности живописца, отдавшего всего себя выражению своей мечты о прекрасном. Таким был Врубель.
| Врубель М.А. Автопортрет |
Биография Врубеля М.А. (1856-1910)
Врубель Михаил Александрович – один из замечательнейших русских художников – родился 5 марта 1856 года в Омске, где его отец (впоследствии генерал) служил по военно-юридическому ведомству. Вследствие частых перемещений его отца, знаменитый русский живописец и декоратор, яркий представитель символизма и модерна в русском изобразительном искусстве с детства испытал много новых впечатлений, живя попеременно в Омске, Астрахани, Петербурге, Саратове и опять в Петербурге.
В сложной, многогранной судьбе Врубеля не было с самого года рождения безмятежного благополучия: он рано потерял мать, много скитался, переезжая с семьей из одного города в другой.
Пятилетним ребенком он начал рисовать и не бросал карандаша и кисти в продолжение гимназических и университетских лет. Будучи семилетним ребенком, он посещал в Петербурге школу Общества поощрения художеств. В следующем году, живя с семьей в Саратове, маленький Врубель брал уроки рисования у преподавателя местной гимназии, затем посещал Одесскую школу рисования. Окончив в 1874 году гимназию, в том же году осенью поступил на юридический факультет Петербургского университета, посещая вечерние классы Академии художеств. Университет был окончен в 1879 году, а в 1880 году Врубель поступил в Академию, где его учителями стали такие выдающиеся люди, как И.Е. Репин и П.П. Чистяков. Последний был наиболее близок Врубелю. Он так высоко ценил своего учителя, что испытывал удовольствие, копируя его этюды. Общение с мастером не ограничивалось академическими классами. Он часто бывал в семье учителя, принимал там участие в концертах и спектаклях. И всякий раз, когда Врубель чувствовал необходимость опоры, он ехал к Павлу Петровичу Чистякову за критикой и советами.
Академические годы – это преимущественно аналитический период творчества Врубеля, время углубленного, беззаветного, фанатического исследования натуры как формы. Молодой художник, по его словам, всей душой предан объединяющему чистяковцев "культу глубокой натуры". Он "жадно всматривается в ее бесконечные изгибы", с любовью "утопает в созерцании тонкости, разнообразия и гармонии", находит "целый мир гармонирующих деталей", рисуя по 12-14 часов в день. Эта суровая школа воспитывает твердую руку, поразительную зрительную память, безукоризненное знание анатомии, от которого художник охотно отступает в последующие годы во время экспрессии формы.
Не довольствуясь копированием натуры, художник ищет "призму", с помощью которой она превратится в художественную форму. Его ранние графические композиции обнаруживают влияние идеализирующего академизма, воспринятого через высокие образцы, такие как искусства Рафаэля.
Но в некоторых рисунках и акварелях намечается выход к собственному осмыслению формы, он проявляется в интересе к орнаменту. Позже Врубель находит свой индивидуальный стиль, заключающийся в передаче структуры предмета путем последовательного выделения планов, первоначально самых общих, крупных, затем всё более мелких, которыми форма словно "гранится", на промежуточном этапе обретая кристаллическую угловатость, которую художник на следующем этапе работы закрепляли эстетизировал, словно выращивая на плоскости причудливый кристалл. Эта кристаллизация форм позже позволила считать Врубеля предшественником русского кубизма.
Осенью 1883 года Врубель снимает мастерскую для самостоятельной работы с натуры. Здесь он пишет акварель "Натурщица в обстановке Ренессанса" (Гос. музеи русского искусства, Киев), которая свидетельствует об умении художника передать разнообразие материальных форм, богатство оттенков цвет. Уже в Академии художеств Врубеля начинают интересовать темы общечеловеческие, философские, его влекут личности сильные, мятежные, часто - трагические. Не случайно первая картина Врубеля связана с трагедией Шекспира: это "Гамлет и Офелия" (1884, ГРМ).
В этой картине впервые в творчестве Врубеля возникает характерное для художника соотнесение себя и своего поколения с вечными образами мировой литературы.
В неоконченной акварели "Пирующие римляне" (1883, Русский музей) при некоторой театральности всей сцены и увлечении аксессуарами, несомненно намерение художника передать жизнь конкретного исторического периода. Выразителен образ пожилого римлянина, погруженного в тяжелую дремоту. В его характерной голове есть сходство с римскими портретами, вероятно, известными художнику по слепкам или репродукциям. Показательно, что Врубеля привлекала не Греция, а Рим времени его упадка. Видимо, в этом художник ощущал нечто созвучное своим настроениям и своей эпохе.
В Академии художник пробыл 4 года, в течение которых его работы были отмечены несколькими медалями. Но широкой публике его работы стали известны гораздо позднее. Лишь после демонстрации в 1896 году больших панно "Принцесса Греза" и "Микула Селянинович" врубелевские полотна оказались в центре общественного внимания, причем внимания пристрастного.
1896 год, когда вечный скиталец, неустроенный и бездомный живописец обретает свою пристань. Сбылась его мечта. Он полюбил. Надежда Ивановна Забела - известная певица внесла во внутренний мир Врубеля обаяние женской прелести и душевный покой. В наступающей тьме безумия художник верил в возвращение света, в новую зарю творчества.
Только тяжкий недуг - плод невыносимого нервного напряжения, нечеловеческого труда и многолетнего непризнания оборвал блистательный поток картин, чарующих нас дивной красотой, совершенством языка, первичностью ощущения прекрасного.
Врубель умер 1 апреля 910 года в Санкт-Петербурге. Его торжественно хоронила Академия художеств, речь над могилой произнес Александр Блок: "... у Врубеля брезжит иное, как у всех гениев, ибо они не только художники, но уже и пророки. Врубель потрясает нас, ибо в его творчестве мы видим, как синяя ночь медлит и колеблется побеждать, предчувствуя, может быть, свое грядущее поражение". Этими вещими словами Россия прощалась с Врубелем, а вместе и с уходящей эпохой 19 столетия.
Врубель оставил более 200 произведений. Среди них - портреты, картины, декоративные панно, иллюстрации, эскизы театральных занавесей, скульптурные произведения, проекты зданий, поражающие по размаху и широте творческого диапазона. Его искусство и сегодня продолжает "будить душу от мелочей будничного величавыми образами".
Киевский период
В Киеве, куда Врубель приехал в 1884 году по приглашению известного историка искусствоведа и археолога Адриана Викторовича Прахова для участия в реставрации Кирилловской церкви 12 века, художник погружается в новую для него стихию монументальной церковной живописи. Он создаёт несколько самостоятельных росписей, где соединил средневековый канон с острым психологизмом нового времени. Взамен утраченных, реставрирует купол Святой Софии. Для изучения византийского монументального искусства он отправляется в Венецию, где пишет 4 иконы для иконостаса Кирилловской церкви.
По возвращении из Венеции в киев Врубель оказывается в самом центре поисков большого национального стиля.
Окончив работу в Кирилловской церкви, он сразу стал готовиться к новому, еще большему подвигу, к росписи Владимирского собора, которой тоже заведовал Адриан Прахов. В этих эскизах еще острее и необычайнее отразилась прозорливая фантазия Врубеля, роскошь красочного замысла и линейного ритма сочетались с неизъяснимо-страдальческим эзотеризмом: преображенная плоть, сияние радуг надмирных, лучи и нимбы запредельного света, струящиеся складки легких риз и взоры, грозные жуткие, узревшие несказанное... Но был один недостаток в проекте Врубеля: гениальность. С этим недостатком не могли примириться ни Прахов, ни его покровители из сановного духовенства. Заказ был передан Васнецову, которым тогда начали восторгаться. Врубелю поручили только украсить орнаментом часть пилонов. Он вдохновенно выполнял и эту задачу (в конце 8о-х годов), превратив мотивы византийского и древнерусского узоров в какую-то прихотливую сказку-симфонию растительно-суставчатых форм и научив многому Васнецова, который умело использовал и врубелевский орнамент, и его реставрацию Кирилловских фресок, использовал именно так, как требовалось, чтобы толпа "приняла". Современники не позволили Врубелю слагать молитвы в доме Божием, и уязвленная гордость его стала все чаще обращаться к тому Духу тьмы и ненависти, который, в конце концов, испепелил его воображение, довел до безумия и смерти. Творческое равновесие было утрачено, заветная цель отодвинулась куда-то, начались и житейские невзгоды, борьба за кусок хлеба и, главное, сознание своей непонятости, беспросветного, обидного одиночества.
Кульминация киевского периода – эскизы росписей Владимирского собора (1887, акварель и графитный карандаш, преимущественно Киевский музей русского искусства); со времен древней иконописи русская живопись не знала цветовых гамм такой силы обобщения и воздействия. Не только вера и озарение, но и мучительные сомнения проступили тут с исповедальной искренностью, – неудивительно, что эскизы смутили официальную церковь и остались неосуществленными в большом масштабе, на стене.
Мамонтовский период
В 1889 году Врубель уезжает в Москву, где познакомился с С.И. Мамонтовым и членами его кружка, в который входили известные художники В.А. Серов, И.И. Левитан, К.И. Коровий, В.М. Васнецов. В этот период жизни он создал значительное число произведений, исполнил иллюстрации к произведениям М.Ю. Лермонтова. Им было создано 13 рисунков, из которых большая часть относилась к "Демону". Эта тема прошла через все творчество Врубеля. Самой природой своего дарования Врубель был подготовлен к созданию этого образа. Демон жил где-то в сокровенных тайниках его души еще до того, как художник получил заказ на иллюстрации к поэме Лермонтова.
Начинается новый и самый плодотворный период его творчества. Художник получает ряд заказов на декоративные панно. Одно из них - "Венеция" (1893, ГРМ) - создано по впечатлениям от поездки в Италию (1891-1892). Перед зрителем возникает город эпохи Возрождения во всем праздничном великолепии пышного карнавального шествия.
Содержание картины "Испания" (1894, ГТГ), возможно, навеяно оперой "Кармен", которую Врубель очень любил и считал "эпохой в музыке". Взволнованность персонажей, напряженность цвета, поток лучей знойного солнца вызывают ощущение конфликта, драмы. Живой предстает страна, в которой кипят пылкие чувства, сильны и любовь, и ненависть. В этой картине три действующих лица. Но две мужские фигуры – стаффаж, призванный оттенить горделивую красоту героини, стройность которой подчеркнута узким форматом холста.
В некоторой близости к этой картине - "Гадалка" (1895, ГТГ), произведение глубоко психологическое. Среди лилово-розового мерцания ковра и шелковых тканей Врубель мастерски выделяет лицо. Властно влечет пристальный взгляд горящих глаз, словно перед женщиной раскрылась страшная тайна будущего. Она, прекрасная и загадочная, раскладывает карты, угадывая чью-то судьбу. Но важен не рассказ, а ощущение тайны, переданное не только инфернальной внешностью героини, но и движением имматериальных и светоносных пятен цвета.
Страстная любовь к природе помогает художнику передать ее красоту. Пышные гроздья врубелевской "Сирени" (1900, ГТГ), вспыхивая лиловым огнем, живут, дышат, оживают в сиянии звездной ночи.
Прохладой, свежестью веет от этого большого холста. Кисть мастера предельно раскованна, каждый ее удар точен. Колера сиреневые и глубокие зеленые создают удивительное настроение спокойствия, умиротворенности.
Наиболее плодотворными в творчестве Врубеля были 90-е годы. Он работал как скульптор, монументалист, театральный декоратор, добился больших успехов в книжной иллюстрации.
В 1891 году к юбилейному изданию сочинений Лермонтова под редакцией Кончаловского Врубель выполнил иллюстрации, из тридцати - половина относилась к "Демону". Эти иллюстрации, по существу, представляют самостоятельные произведения, значительные и истории русской книжной графики, и свидетельствуют о глубоком понимании Врубелем лермонтовской поэзии. Особенно примечательна акварель "Голова Демона". Она подлинно монументальна. На фоне каменистых заснеженных вершин - голова с шапкой черных кудрей. Бледное лицо, запекшиеся, словно опаленные внутренним огнем, губы, горящие глаза с пронизывающим взглядом, с выражением нестерпимой муки. В этом взгляде - жажда "познанья и свободы", мятежный дух сомнения. После окончания иллюстраций к сочинениям Лермонтова Врубель, измученный Демоном, освобождается от его чар и от его гнета и в течение почти 10 лет не возвращается к изображению этого "злого господина". Десять лет, свободные от Демона, стали, возможно, самой счастливой порой всей его жизни. Это годы счастливой супружеской любви, подъема творческих сил, более прочного, чем прежде, успеха у заказчиков.
И вот, спустя время, Врубель пишет "Демона летящего" (1899, ГРМ). Образ пронизан предчувствием гибели, обреченности. Это последний, отчаянный полет над горами. Демон почти задевает вершины своим телом. Колорит картины мрачен. В декабре 1901 года картина была закончена. Но вскоре он опять стал переписывать свое полотно, не прекращая работы даже на выставках в Москве и особенно в Петербурге, где картина была в феврале – марте 1902 года. Александр Бенуа рассказывает: "Каждое утро, до 12-ти, публика могла видеть, как Врубель "дописывал" свою картину. В этой последней борьбе (2 месяца спустя художник уже находился в лечебнице) было что-то ужасное и чудовищное. Каждый день мы находили новые и новые изменения. Лицо Демона становилось все страшнее и страшнее, мучительнее и мучительнее; его поза, его сложение имели в себе что-то пыточно-вывернутое, что-то до последней степени странное и болезненное, общий колорит наоборот становится все более и более фееричным, блестящим. Целый фейерверк звенящих павлиньих красок рассыпался по крыльям Демона, горы позади зажглись странным торжественным заревом, голова и грудь Демона украсились самоцветными камнями и царственным золотом. В этом виде картина была и безобразна и безумно прельстительна. Но или художник сам испугался ее, или модель коварно переменила лик свой, спутав изображение мастера и натолкнув его на совершенно иное. Произошел переворот, и с тех пор картина стала тускнеть, чернеть, поза стала естественнее, голова красивее, как-то благоразумнее, а демоническая прелесть почти совершенно исчезла. Врубель и совершенно изменил бы картину, если бы его не умолили товарищи, хоть на выставке, не касаться своего произведения".
Тяга художника к монументальному искусству, выходящему за рамки станковой картины, с годами усиливается; мощным выплеском этой тяги явились гигантские панно "Микула Селянинович" и "Принцесса Греза" (1896), заказанные Мамонтовым для специального павильона Нижегородской ярмарки (второе панно ныне хранится в Третьяковской галерее). Однако именно станковая живопись, пусть и обретающая характер панно, осталась магистральным руслом его поисков.
Колористическая роскошь таких полотен, как "Девочка на фоне персидского ковра" (1886, Киевский музей русского искусства), не заслоняет таящейся за внешним великолепием тревоги.
Иной раз зияние темного хаоса умеряется фольклорной стихией: в картинах "Пан" (1899), "Царевна-Лебедь", "К ночи" (обе 1900; все три – Третьяковская галерея) мифологические темы неотделимы от поэзии родной природы.
Лирическое откровение пейзажа, как бы обволакивающего зрителя своим красочным маревом, особенно впечатляет в "Сирени" (1900, там же). Более аналитичны и нервно-напряженны врубелевские портреты (К.Д. и М.И. Арцыбушевых, а также С.И. Мамонтова; все три – 1897, там же).
Давняя любовь к музыке приводит Врубеля в частную оперу Мамонтова, где он сближается с Н.А. Римским-Корсаковым и принимает участие в оформлении опер "Царская невеста" и "Сказка о царе Султане". Затем он занят архитектурными проектами, из которых был осуществлен лишь один - пристройка к дому Мамонтова в Москве. В Абрамцеве Врубель возглавляет керамическую мастерскую, создает серию своеобразных скульптур-майолик на сказочные темы: "Лель", "Волхова", "Купава".
С Абрамцевым связаны многие творческие искания Врубеля.
Врубель пленён поэзией национального духа, национальной нотой, которая слышится ему в Абрамцеве. Художник легко включается во все затеи абрамцевских жителей. Он поет и играет на сцене, пишет декорации для домашних спектаклей, а позже и для Русской частной оперы, чертит проект флигеля для пристройки к московскому дому Мамонтова, рисует эскизы каминов и печей для дома в Абрамцеве. Мамонтов ставит его во главе Абрамцевской гончарной мастерской, где он работает вместе с мастером Петром Кузьмичом Ваулиным.
Врубель пленён поэзией национального духа, национальной нотой, которая слышится ему в Абрамцеве. Художник легко включается во все затеи абрамцевских жителей. Он поет и играет на сцене, пишет декорации для домашних спектаклей, а позже и для Русской частной оперы, чертит проект флигеля для пристройки к московскому дому Мамонтова, рисует эскизы каминов и печей для дома в Абрамцеве. Мамонтов ставит его во главе Абрамцевской гончарной мастерской, где он работает вместе с мастером Петром Кузьмичом Ваулиным.
Глубокое постижение керамики как материала, обладающего своими собственными художественными возможностями, приводит его к ряду открытий, имеющих выдающееся значение. По словам специалиста в области декоративно-прикладного искусства Александра Салтыкова, Врубель создал культуру сказочной восстановительной майолики в скульптуре и культуру монументальной керамической живописи в архитектуре. Глина, обогащенная окисями металлов, при обжиге уподоблялась драгоценному камню блеском и переливами, глубиной и прозрачностью цвета – в этом суть открытия Врубеля. Фантастическая игра лилового и фисташкового цвета, сияние золота усложняют пластику скульптуры, наделяют её собственной таинственной жизнью в духе символизма. (Снегурочка и Садко)
Вслед за Виктором Васнецовым Врубель избирает темами своих произведений русские сказки.
"Пан"(1899)
Низкий, над самым горизонтом стоящий полумесяц с его неясными очертаниями, каким он действительно бывает только в летний период, прячась за кустами и случайно показываясь где-нибудь из-за большого пня или кочки – одно из "открытий" Врубеля.
Только после появления "Пана" мы стали замечать в полумесяце его тяжелую рыхлую фактуру и то, что он не дает никакого света, тяготеет к земле, меланхолически стремясь скрыться за горизонт. В таких болотистых местах по вечерам человеком овладевает беспричинная тоска, и душу полнит приток той безысходной грусти, которая сквозит в выцветших старческих остекленевших глазах Пана… Он сидит, согнувшись, около кривой березки, и все тело его срослось с землей, слилось с влажным воздухом, и нет никакой возможности мыслить ни Пана отдельно от этих топких болотистых мест, ни слепого косматого полумесяца без козлоногого старого фавна.
Фактура его сильного тела сливается в одно органическое целое с землей, травами, воздухом и водой. Здесь и изобразительно-поэтическое олицетворение образа эллинской мифологии и его необычайная русификация. Это козлоногое существо с цевницей в руке – бог природы, но природы северной. Он никогда не сидел на зноем выжженных холмах Аттики, и его не мог видеть ни один из жителей Аркадии или Арголиды. Мшистая фактура его тела приспособлена к влажным низинам, звуки его цевницы сливаются со скрипучим криком дергача и теми шорохами, что наполняют северный вечер. Его многие встречали в перелесках, принимая за сучковатый вековой пень, его мохнатая шкура мелькала тусклым цветом серебра меж стволов отдаленных берез, обрывки его звуков слышались, как какие-то неясные и странные голоса в сумерках надвигающейся ночи.
Знаменитый "Пан" был куплен всего за двести рублей - цена ужина в столичном ресторане, а немного позже некий предприимчивый владелец предложил его Третьяковской галерее за пять тысяч!
"Царевна-Лебедь"(1900)
Гармоническое соединение фантастического и реального видим и в картине "Царевна-Лебедь" (1900, ГТГ). "Царевна-Лебедь" - один из самых пленительных, задушенных женских образов, созданных художником. Эта картина, по сути, сценический портрет его жены, Забелы надежды Ивановны. Но сценическая условность преображена натиском врубелевской кисти, претворена в сказочную. На глазах зрителя совершается чудо превращения морского прибоя в крылья Царевны-Лебедь. Неверный свет заката трансформирует реальность, делает ее зыбкой и многозначительной. Перламутровый колорит картины словно порожден музыкой. "Царевна-Лебедь". Глубокий смысл заложен всего в двух словах. Очарование родной природы, гордая и нежная душевность сказочной девушки-птицы.
Тайные чары все же покоренного злого колдовства.
Верность и твердость истинной любви. Могущество и вечная сила добра.
Все эти черты соединены в чудесный образ, дивный своей немеркнущей свежестью и той особенной величавой красотою, свойственной народным сказам.
Каким надо было обладать даром, чтобы воплотить этот чистый и целомудренный облик в картину!
"Царевна-Лебедь". В самую глубину твоей души заглядывают широко открытые чарующие очи царевны. Она словно все видит.
Поэтому, может быть, так печально и чуть-чуть удивленно приподняты собольи брови, сомкнуты губы. Кажется, она готова что-то сказать, но молчит.
Мерцают бирюзовые, голубые, изумрудные самоцветные камни узорчатого венца-кокошника, и мнится, что это трепетное сияние сливается с отблеском зари на гребнях морских волн и своим призрачным светом словно окутывает тонкие черты бледного лица, заставляет оживать шелестящие складки полувоздушной белой фаты, придерживаемой от дуновения ветра девичьей рукой.
Перламутровый, жемчужный свет излучают огромные белоснежные, но теплые крылья. За спиной Царевны-Лебедь волнуется море. Мы почти слышим мерный шум прибоя о скалы чудо-острова, сияющего багровыми, алыми приветливыми волшебными огнями.
Далеко-далеко, у самого края моря, где оно встречается с небом, лучи солнца пробили сизые тучи и зажгли розовую кромку вечерней зари...
Вот это колдовское мерцание жемчугов и драгоценных камней, трепета зари и бликов пламени огней острова и создает ту сказочную атмосферу, которой пронизана картина, дает возможность почувствовать гармонию высокой поэзии, звучащей в народной легенде. Невероятная благость разлита в холсте.
Может, порою только легкий шорох крыльев да плеск волн нарушают безмолвие. Но сколько скрытой песенности в этом молчании. В картине нет действия, жеста. Царит покой.
Все как будто заколдовано. Но вы слышите, слышите живое биение сердца русской сказки, вы будто пленены взором царевны и готовы бесконечно глядеть в ее печальные добрые очи, любоваться ее обаятельным, милым лицом, прекрасным и загадочным.
Художник пленил нас магией своей волшебной музы.
"К ночи"(1900)
Редчайший дар колориста проявил Михаил Александрович в своей картине "К ночи", созданной в 1900 году. Надо было обладать поистине феноменальной зрительной памятью, чтобы запечатлеть сложнейшую гамму задуманного полотна. Приближается ночь. Веет прохладой от темных просторов древней скифской степи, где гуляет ветер.
Но земля, кони, одинокая фигура будто напоены жаром ушедшего дня. Багровые цветы чертополоха, рыжий конь - все будто несет следы ушедшего солнца. Отчизна пращуров.
Бродят лошади на фоне сумрачного неба, бескрайние дали тают во мгле, царит атмосфера первозданности, природы.
И как воплощение ее души - не то сказочный пастух, не то бородатый леший с огромной гривой волос, с могучим, словно кованным из меди, торсом.
Еле мерцает серп молодого месяца, гулкая тишина объемлет степные просторы, только храп коней да печальный крик ночной птицы нарушают безмолвие сумерек...
"К ночи" мифологические темы неотделимы от поэзии родной природы. Лирическое откровение пейзажа, как бы обволакивающего зрителя своим красочным маревом.
Картина "К ночи" - симфония тревоги, той тревоги, которую Врубель подмечал не однажды, выражая её в глазах Анны Карениной, богоматери из "Надгробного плача", Демона, Валькирии, пророка и в автопортретах. И так же, как в "Пане" грусть, так в картине к "К ночи" тревога объективизирована в художественный образ и при всей исключительной оригинальности трактовки поднята над утлой ладьей личных переживаний. Скорбь и тревога – вот два мотива, уловленных Врубелем и выраженных в цветовой гармонии. "Чистый" пейзаж отсутствует у художника, он всегда наполнен у него живым присутствием человека.
Совершенно исключительна по живописной мягкости и технической простоте фактура "К ночи". Картина написана жидким слоем краски на крупном зернистом холсте, благодаря чему достигнуто ощущение бархатистой поверхности, как бы ковра. Такая обработка органически вяжется с живописными качествами произведения. "К ночи" в творчестве мастера – одно из живописнейших полотен. Пластик формы, колорист, завороженный музыкой цветовых сочетаний, в полотне “К ночи” Врубель и декоративен по пятнам, и четок по рисунку.
Тема Демона
Особое место в творчестве художника занимает образ Демона, навеянный лермонтовской поэзией.
Врубель пытался как можно более полно объять демоническую тему, воплощая её в скульптуре, графике и живописи (к сожалению, ранние опыты не сохранились). Мощные цветовые контрасты и пластическая напряженность форм достигают кульминации именно в этой теме. Первая дошедшая до нас на эту тему картина Демон (сидящий) (1890). В картине художник отказывается от конкретных реали
Мозаичная система письма в соединении с широким четким мазком стала характерной особенностью художника.
Нечеловеческие, не дружные с естеством земным образы манили и терзали Врубеля, и язык красок, которым он воплощал эти образы, - сверкание волшебных минералов, переливы огненной стихии, затвердевшей в драгоценном камне.
Художник недаром в юности увлекался минералогией, делал модели из гипса, а с возрастом подолгу изучал игру граней драгоценных камней.
Он продолжал работать над образом Демона и в 1899, создавая картину "Демон летящий" (оставшуюся незавершенной). А полотно "Демон поверженный" как бы заканчивает тему борьбы добра и зла.
В 1902 году Врубель создает самое трагическое свое произведение "Демон поверженный". Как изменился герой картины 1890 года! Всего двенадцать лет отделяют того цветущего, полного сил юношу от этого смятенного, истерзанного облика.
Разбитое, деформированное тело Демона с изломанными крыльями распростерто и ущелье, гневом горят глаза. Мир погружается в сумрак, последний луч вспыхивает на венце Демона, на вершинах гор. Мятежный дух низвергнут.
Лишь в глазах Демона сохранилась с тех лет та же тоска, сила прозрения. Но страшнее сведены брови. Глубокие морщины прорезали лоб.
С невероятной высоты упал Демон. Бессильно распластаны крылья. В безумной тоске заломлены руки. И если в раннем холсте мы ощущаем хаос рождения, в котором живет надежда, то в поверженном Демоне царит крушение. Никакое богатство красок, никакие узоры орнаментов не скрывают трагедии сломленной личности, его изломанная фигура, сорвавшаяся с заоблачных высот, уже зримо агонизирует, заражая весь мир вокруг себя фосфоресцирующей красотой последнего заката.
Думается, оба Демона - и 1890, и 1902 годов - глубоко автобиографичны. Мастер, как никто, знавший объем своего дарования, свою творческую силу, не исполнил до конца грандиозных замыслов, которыми была полна его душа.
И если в "Демоне сидящем" тридцатитрехлетний художник, испытавший непомерное разочарование в осуществлении многих надежд, еще полон сил, то сорокашестилетний Врубель мужественно и невероятно ясно ощутил грядущий финал своей бесконечно тяжелой и полной разочарований судьбы. В 1901 году у Врубеля началась тяжелая душевная болезнь, а в 1906 году он ослеп. Все силы художника напряжены в этом полотне до предела. Он десятки раз переписывает огромный холст.
Поздний период творчества Врубеля
Необыкновенна плодовитость Врубеля в эту пору жизни, т.е. с 90-го года, когда он переехал в Москву, и до страшного приступа душевной болезни.
Врубель, изысканно деликатный, с печатью истинной одухотворенности на лице - Врубель в период расцвета был очень далёк от Врубеля последних лет. Он был человеком увлекающимся и в своих увлечениях теряющим меру. Неуравновешенностью художник отличался всегда. Профессор Прахов уже о раннем киевском периоде, то есть когда мастеру было всего тридцать лет, рассказывал, что системы и равновесия в работе у Врубеля и тогда не было. Он то с необычайным напряжением работал, поражая быстротой и неутомимостью, то впадал в прострацию, целыми неделями ничего не делал. В Москве эти черты только усилились. Уже в Киеве он жаловался на головные боли, а позднее, в Москве, периоды депрессии становятся частыми.
Болезнь подползала медленно, и катастрофа 1902 года отнюдь не была неожиданной. Уже летом 1898 года художник начал постоянно жаловаться на головные боли, обычная незлобивость сменяется высокомерием, нетерпеливостью, раздражительностью, часто молчит. Но работа идет энергично. Этот, 1898 год, видимо, и надо считать началом болезни, "неврастеническим" периодом заболевания. В 1902 году преобладает возбужденное состояние. Обычно сдержанный, Врубель начинает говорить без умолку.
В том же году радостное событие его семейной жизни – рождение сына – было омрачено тем, что ребенок родился с "заячьей губой". Это глубоко поражает Врубеля, он начинает испытывать состояние тревоги, которое он выразил в своём шедевре начала 1902 года Портрет сына.
Портрет сына, исключительная вещь в смысле мощи передачи в детском лице какого-то вещего страха и ужаса. Испуганное и скорбное лицо крохотного существа, промелькнувшего метеором в этом мире, полно необычайной выразительности и какой-то недетской мудрости. В его глазах как будто пророчески запечатлена вся трагическая судьба его недолговечности. Из всех портретов художника этот, вероятно, наиболее автопортретен. В недетски осмысленных глазах младенца сквозит скорбь и тревога – те две главные ноты, которые неизменно присутствуют во всех автопортретах художника.
В это же время наступает переход от депрессии к маниакальному возбуждению. Консилиум врачей 25 марта 1902 года потребовал отъезда из Москвы, абсолютного покоя, прекращения работы. Врубеля раздражало, что врачи не понимали его психики – психики художника – и применяли к нему обычную мерку. Однако вскоре маниакальная экзальтация, осложненная бредовыми идеями, достигает такой степени, что художника помещают в психиатрическую лечебницу. Прерываются на полгода свидания даже с самыми близкими людьми: женой и сестрой.
В университетской психиатрической клинике Врубель поступает под наблюдение профессоров В.П. Сербского и Ф.Е. Рыбакова. Летом клиника закрылась, и Врубеля поместили в лечебницу доктора Ф.А. Усольцева. С осени он снова в университетской клинике. Весной 1903 года наступает значительное улучшение. Это первая ремиссия, продолжавшаяся несколько месяцев и прерванная большой психологической травмой: в Киеве, по дороге в имение В.В. Мекк, куда направлялся Врубель с семьей, заболевает его сын и через два дня умирает от менингита. Это очень сильно потрясает художника. Больного отправляют в Ригу и помещают в городскую лечебницу. Наступает депрессивный период, продолжавшийся и в клинике Московского университета, куда больного перевозят осенью. Тем не менее, он начинает работать. Весной 1904 года положение художника осложняется ревматическими болями, которые его изнуряют. К лету 1904 года наступает вторая ремиссия. Врубель покидает клинику. Осенью он чувствует себя настолько окрепшим, что переезжает в Петербург с женой, получившей приглашение в состав Мариинской оперы. В это время Врубель очень много работает. Все значительные произведения 1904 и начала 1905 годов созданы были за зиму. В эти же годы Врубель создает один из самых нежных, хрупких образов - "Портрет Н.И. Забелы на фоне березок" (1904, ГРМ).
С марта 1905 года вновь наступает ухудшение болезни. С этого года художник находится в лечебнице постоянно, но продолжает работать, проявляя себя как блестящий рисовальщик. Он рисует сцены больничного быта, портреты врачей, пейзажи. Рисунки, выполненные в разной манере, отличаются меткой наблюдательностью, большой эмоциональностью. Доктор Усольцев, лечивший Врубеля, пишет: "Это был художник-творец всем своим существом, до самых глубоких тайников психической личности. Он творил всегда, можно сказать, непрерывно, и творчество было для него так же легко и так же необходимо, как дыхание. Пока жив человек, он все дышит, пока дышал Врубель - он все творил".
За несколько лет до смерти Врубель начал работать над портретом В. Брюсова (1906. ГРМ). Некоторое время спустя Брюсов писал, что всю жизнь старался быть похожим на этот портрет. Врубель не успел завершить эту работу, в 1906 году художник ослеп. Чтение вслух и музыка являются единственным утешением для художника в последние годы его жизни. Вся его жизнь отошла в прошлое. Искусство, которому он служил и восторженно поклонялся, стало для него недоступно. Мир форм и красок безвозвратно погрузился в небытие. Прогрессирующая болезнь смирила художника. он ушел в себя. Стал тих, покорен, безропотен.
Лишь изредка его охватывало беспокойство. Оно было результатом ретроспективной оценки своего творческого пути. Мучила мысль, что он дурно, грешно прожил свою жизнь. Как будто сам дьявол мстит ему, издеваясь над его картинами. Врубелю представляется, что его "Жемчужина" с изображением обнаженных женских тел может произвести на зрителя нежелательное художнику сексуальное впечатление. "Я, не будучи достоин, писал Богоматерь и Христа" говорит художник в эти годы. Наблюдавшие за ним в поздний период его пребывания в петербургской лечебнице рассказывали о слезах Врубеля, которыми сопровождались моменты депрессии, и о том, что иногда он простаивал целые ночи, считая это искуплением за грехи.
Так медленно, без внешних событий, но с депрессивным переосмыслением прошлого протекали для ослепшего художника четыре года страданий. Под конец Врубель стал тяготиться самим собой. И, если допустить правильность догадкам сестры, умышленно простудился, стоя под форточкой. В феврале 1910 года началось воспаление легких, перешедшее в скоротечную чахотку, и 1 апреля художника не стало.
Влияние художника на мастеров 20 века
Сильное и устойчивое воздействие Врубеля испытали почти все крупные русские художники XX века. Его манера писать "разноцветными кубиками" (по словам Ф.И. Шаляпина) иной раз трактовалась как преддверие кубизма. Однако Врубель, доказавший своим творчеством, что глубинное постижение натуры закономерно предполагает переход по ту сторону ее внешних видимостей, стоит у истоков не одного какого-то направления, а практически всех авангардных поисков русского искусства XX века.
Наиболее значительный и самобытный выразитель тенденций символизма и модерна в русской живописи и графике. Произведения отмечены драматической напряженностью колорита, "кристаллической" четкостью, конструктивностью рисунка, тяготением к символико-философской обобщенности образов, нередко принимающих трагическую окраску.
Сильное и устойчивое воздействие Врубеля испытали почти все крупные русские художники ХХ в. Его манера писать "разноцветными кубиками" (по словам Ф.И. Шаляпина) иной раз трактовалась как преддверие кубизма.
Однако Врубель, доказавший своим творчеством, что глубинное постижение натуры закономерно предполагает переход по ту сторону ее внешних видимостей, стоит у истоков не одного какого-то направления, а практически всех авангардных поисков русского искусства ХХ века.
Искусство Врубеля завершило целый этап поисков монументальности на рубеже двух столетий и открыло пути для художников нового поколения: К. Петрова-Водкина, М. Сарьяна, П. Кузнецова.
Творчество художника было страстным протестом против зла. Создавая трагические образы, он воплощал в них светлое благородное начало. Борьба света и тьмы - вот содержание большинства работ Врубеля. Об этом поэтически сказал А. Блок над могилой художника: "Врубель пришел к нам как вестник, что в лиловую ночь вкраплено золото ясного вечера. Он оставил нам своих Демонов, как заклинателей против мирового зла, против ночи. Перед тем, что Врубель и ему подобные приоткрывают человечеству раз в столетие, я умею лишь трепетать".
Врубель должен быть причислен к классикам русского искусства – значение его в истории русской живописи очень велико. Он замечателен не только как автор прекрасных картин, но и как один из первых, указавших путь современной монументальной живописи. Произведения его находятся в музее Александра III, в Третьяковской галерее, в музее Академии Художеств и во многих частных собраниях.
Заключение
Наследие Михаила Врубеля давно уже стало драгоценным достоянием русской культуры. Однако немного найдется художников, творчество которых рождало бы столь противоположные, а на первый взгляд – взаимно исключающие оценки. Его называли великим исследователем и аналитиком предметной формы, – и визионером, творцом искусства близкого по природе к ночным сновидениям. Ценили в нем приверженца освобождения живописи от подражания методам литературы – и зато, что он "проявляет жадность к полноте рассказа". За его индивидуализм – с одной стороны, а с другой – за совершенное выражение мироощущения эпохи, создание большого декоративного стиля времени (русского модерна). За приравнивание произведения искусства к обиходной вещи – и за отношение к искусству как к духовной силе, преобразующей мир. Врубеля поднимали на щит как великого борца со всей мировой пошлостью – и отворачивались от него, как от проводника салонности и банальности.
Творчество Врубеля может быть уподоблено взволнованной исповеди. И дело не только в том, что он говорит о себе во множестве портретов и изображений, носящих автопортретный характер. Едва ли не любая его композиция – выражение "громадного личного мира художника", по словам Александра Блока.
В представлении эпохи символизма Врубель становится олицетворением поэта-пророка, тайновидца, а жизнь его – воплощенным символом, ознаменованием, живым подобием легенды о Фаусте. В ХХ веке она приобретает особенную актуальность, содержанием ее стал вопрос о возможностях и последствиях сделки художника со злом. Факт создания легенды о Врубеле означает прежде всего насущную потребность эпохи в освобождении от позитивизма с его плоской правдой, прозой, приземленной пользой, рационализмом. На почве мятежа против позитивизма выросло и неоромантическое, по сути, искусство Врубеля.
Символистская эпоха акцентировала в жизни Врубеля "печать безумия и рока" (Блок) – одержимость образом Демона. Он на протяжении всей жизни художника преследует мастера, манит неуловимостью облика, заставляет возвращаться к себе вновь и вновь, избирать все новые материалы и техники для своего воплощения. Как водится, в награду художник получает неограниченные творческие возможности. Но расплата неизбежна – его постигает страшная болезнь, смерть ребенка, безумие, гибель.
Место художника в русском искусстве определяется не только выражением идей символизма и модерна. На основе вечных, непреходящих образов русского и мирового искусства Врубель творит свой миф, величественный и трагический. Художник возвеличивает тайны человеческого духа. Духовная жизнь выступает в его произведениях как высшая ценность. Использование Врубелем стереотипных образов модерна не превращает его произведения в продукт массовой культуры. От этого спасает содержательность формы.
Врубель - весь сверкающий, изломанный, мятущийся в поисках неутомимых, в грезах вихревых, в любви, взыскующей чуда, в созерцании зыбкости форм и красочных трепетов, весь в напряженном движении, зоркий, тончайший, ослепительный.
Великое мастерство, трагизм, величие духа и великий декоративный дар делают Врубеля художником на все времена.
Библиография
1. Аксенова М.Д., "ЭНЦИКЛОПЕДИЯ ДЛЯ ДЕТЕЙ. ТОМ 7. ИСКУССТВО. ЧАСТЬ 2. АРХИТЕКТУРА, ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОЕ И ДЕКОРАТИВНО-ПРИКЛАДНОЕ ИСКУССТВО 12-20 ВЕКОВ", Москва, издательский центр "Аванта+", 1999, стр.482-485.
2. Алленова, Андреева, Ардашникова, Гофман, Зингер и др., "ГОСУДАРСТВЕННАЯ ТРЕТЬЯКОВСКАЯ ГАЛЕРЕЯ. ПУТЕВОДИТЕЛЬ", Москва, издательство "Авангард", 1997, стр.168-171.
3. Гусарова А.П., "МИХАИЛ ВРУБЕЛЬ. АЛЬБОМ", второе издание, Москва, издательство "Трилистник", 2000, стр.3-43.
4. Материалы из папки МХК_помощь.
5. Рапацкая Л.А., РУССКАЯ ХУДОЖЕСТВЕННАЯ КУЛЬТУРА, Москва "Гуманитарный издательский центр ВЛАДОС", 1997, стр.474-476.
6. Тарабукин Н.М., "Врубель", Москва, издательство "Искусство", 1974, стр.16-17,58-61, 68-70, 76-77, 108-109, 142, 146-148, 150-151, 160.
7. http: // www. silverage. ru/paint/vrubel/vrubel_bio. html
8. http: // www. wroubel. ru/
| Приложение 1
|
||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||
| М.А. Врубель. | ||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||
|
Приложение 2
| Хроника жизни и творчества | ||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||
|