Содержание
Введение
Глава 1
1.1 Понятие «искусство»
1.2 Самое молодое искусство
1.3 Синтез искусств
1.4 Образ, художественный образ, кинообраз
Глава 2
2.1 История мирового кинематографа
2.2 Киноязык
2.3 Цвет
2.4 Свет
2.5 Кинокадр
2.6 Звук и музыка к кино
2.7 Монтаж
2.8 Драматургическая основа и создание сценария
2.9 Кино как синтетический вид искусства
Заключение
Введение
Актуальность обозначенной проблемы очевидна. Кинематограф на сегодняшний день является самой массовой разновидностью искусств. Искусство кино благодаря синтезу разнообразных элементов имеет самые широкие возможности воздействия. Тем важнее вопросы, касающиеся методов и границ сотрудничества этих разнородных элементов кинофильма в целом. Эта проблема до сих пор не исследовалась на познавательно-теоретической основе ни в отношении кино как синтетического искусства, ни в отношении других видов синтетических искусств - оперы, балета и т. д. Частично эти вопросы обсуждаются в статьях В. Зурбах, Н. Кладо, 3. Лиссы.
В работе рассмотрены понятия, касающиеся основной темы, изучен кинематограф – как вид искусства. Разобраны выразительные средства, используемые в кинематографе. Приведены яркие показательные примеры.
В работе не ставилась цель – определить кино как искусство. Задача работы выяснить какие компоненты классических видов искусств перенял кинематограф и определить его как уникальный продукт современности.
В работе использованы как теоретические труды, так и практические, а так же собственный опыт.
Глава 1
1.1 Понятие «искусство»
Чтобы вести разговор о кино – как о виде искусства, необходимо разобраться, что мы вкладываем в эти понятия. Современный толковый словарь определяет искусство - как художественное творчество в целом - литература, архитектура, скульптура, живопись, графика, декоративное искусство, музыка, танец, театр, кино и др. В истории эстетики сущность искусства истолковывалась как подражание (мимесис), чувственное выражение сверхчувственного, художественно-образное освоение мира и т.п. В узком смысле - изобразительное искусство, либо высокая степень умения, мастерства в любой сфере деятельности. Понятие «вид искусства» — основной структурный элемент системы художественной культуры. Изобразительное искусство раскрывает многообразие мира с помощью пластических и колористических материалов.
Литература включает все оттенки творчества, реализуемые в слове. Музыка имеет дело не только со звучанием человеческого голоса, но и с разнообразными тембра созданными природными и техническими приспособлениями (речь идет о музыкальных инструментах). Архитектура и декоративно-прикладное искусство - через существующие в пространстве материальные конструкции и вещи, удовлетворяющие практические и духовные нужды людей - сложно и многообразно выражают свою видовую определенность. Каждый из видов искусств имеет свои особые роды и жанры (то есть внутренние разновидности). Виды искусства — это звенья единого общественного явления, каждый из них относится к искусству в целом, как частное к общему.[1]
Попытки изучить строение мира искусств были предприняты в глубокой древности. Без сомнения первой из них является мифологическая классификация видов искусств, которая включала как однопорядковые формы творчества — трагедию, комедию, так и первые группы, получившие название «мусические искусства» (поэзия, музыка, танец) и технические искусства (архитектура, медицина, геометрия). В своей «Поэтике» Аристотель сформулировал трехслойное - видовое, жанровое, родовое - деление форм художественной деятельности которое стало основополагающим в морфологии искусства и значительным завоеванием античной эстетики в целом.
В эпоху Возрождения системный анализ искусства был ограничен, хотя в «Книге о живописи» Леонардо да Винчи и в знаменитом «Лаокооне» Г. Лессинга было произведено исследование различий между изобразительным искусством и поэзией. Процесс самоопределения эстетики как науки совпал по времени с появлением практически первого глубокого анализа искусства. Речь идет о трактате Ш. Батте «Изящные искусства, сведенные к единому принципу» (1746), в котором автор не только рассмотрел всю сферу художественно-творческой деятельности, но и сумел найти в ней место каждому искусству. Однако только в начале 19 в. Гегель в структуру своей грандиозной эстетической концепции заложил взаимоотношения между пятью главными видами искусств — архитектурой, скульптурой, живописью, музыкой и поэзией.
Начиная с 19 в. мировая эстетическая мысль трудами Гегеля, Шеллинга, Вагнера, Скрябина и многих других доказывала принципиальную равноценность и необходимость существования и развития всех видов искусств. В ходе функционирования мировой художественной культуры система видов искусств постоянно изменялась, проявляя при этом различные, порой взаимоисключающие тенденции: из древнего синкретического искусства произошла дифференциация всех его видов; в процессе исторического развития образовались синтетические виды искусств (театр и архитектура), а влияние научно-технического прогресса стимулировало появление новых видов искусств (кинематограф, телевидение).[2]
В процессе теоретического осмысления искусства предпринимались попытки противопоставления одних видов искусств другим, и их деление на ведущие и второстепенные. Такая постановка вопроса была связана с тем, что действительно в процессе исторического развития отдельные виды искусств получают доминирующее звучание. Так, в классической русской художественной культуре 19 в. литература являлась не просто стержневым видом искусства, и философия, и изобразительное искусство, и музыка в значительной степени были пронизаны литературными сюжетами и образами.
В эстетической и искусствоведческой литературе сложились определенные схемы и системы классификации искусств, хотя единой до сих пор нет и все они относительны.
1.2 Самое молодое искусство
Самое молодое искусство - кино настойчиво стремится определить свое место в человеческом обществе и в семье других искусств. Ощущая себя детищем двадцатого века, эпохи неслыханных технических достижений, кино осознает и свои неразрывные связи со всей многовековой художественной культурой, стремится унаследовать опыт и традиции литературы и других искусств, заявляет себя их продолжателем, наследником, а порою даже и заместителем в духовном мире человечества.
За три четверти века своего существования кино прошло сказочно плодотворный путь. От забавного феномена движущейся фотографии до синтетического - звукового, цветового, объемного, широкоэкранного зрелища, от робких попыток фиксировать внешнее движение до дерзкого проникновения в глубины человеческих характеров, в сущность исторических событий, в сложность социальных процессов. Развитие и обогащение выразительных возможностей кино еще далеко от завершения: стереоскопичность еще ждет своего технического усовершенствования, экран готовится менять свои очертания по воле художника, телевидение несет киноискусству и свою безграничную массовость и еще неизведанные творческие возможности. Поэтому кино непрерывно выдвигает новые и новые задачи как перед художниками, создающими произведения искусства, так и перед теоретиками, осмысляющими их сущность, специфику, значение, перспективы.[3]
Кинематограф неразрывно связан как с искусством, так и с наукой. Изначально вобрав в себя все основные принципы творческой деятельности сейчас он совершенствуется благодаря научным достижениям. Что делает производство экранного продукта невероятно дорогостоящим и, отчасти, уводит его в коммерцию. Несмотря на это, кинематограф прочно закрепил за собой звание - «искусство», используя все основные его догмы, кинематограф стал самым мощным синтетическим продуктом современности.
1.3 Синтез искусств
Искусство можно классифицировать по разным основаниям, следуя различным принципам классификации. Рассматривая материальное бытие художественной формы, различают искусство пространственные (живопись, графика, скульптура, декоративное искусство, архитектура), временные (музыка, словесное искусство) и синтетические, пространственно-временные (театр, кино, танец).
Под синтезом искусств понимается добровольное соединение, сочетание, органический союз равноправных, окончательно сформировавшихся, самостоятельных видов искусства. Синтез искусств – это результат взаимодействия противоположных начал, которые, вступая в конфликт между собой, преодолевают его и сочетаются в новую художественно-синтетическую реальность. Всеобщей закономерностью синтеза искусств является противоречие, конфликт, преодоление.[4]
Принципиальным основанием синтеза искусств как художественного творчества стало всеохватывающее освоение и преобразование мира. Синтез искусств необходимо понимать в двух смыслах:
1) как историческую категорию, отражающую содержание художественных целостностей сложившихся на определенном этапе развития искусства в результате постоянного процесса интеграции (наряду с процессом дифференциации);
2) как вполне определенную целостность, доступную созерцанию и анализу.
Синтез искусств осуществляется под эгидой одного вида искусства и опирается на свойственную ему образность. Отсюда типологически синтезы различаются на пластический, театральный и кинематографический.
В основу пластического синтеза искусств заложено архитектурное сооружение (здание, архитектурный комплекс), Оно дополняется скульптурой (статуи, рельефы, лепной декорацией и т. д.), живописью (фрески, панно, мозаики, витражи, орнаменты и т. д.), а также произведениями декоративно-прикладного искусства (народные промыслы и промышленный дизайн), которые развивают и конкретизируют собственно архитектурный образ. Примерами удачного синтеза искусств могут служить: средневековые соборы, современные культурно - спортивные сооружения, станции метро и т. д.
Наиболее яркими синтетическими видами искусства являются театр и кино.
Главным элементом театрального зрелища является сценическое действие, осуществляемое творческим коллективом.
Театральный синтез искусств включает авторское содержание, режиссерское прочтение, актерское исполнение, с участием музыки, хореографии, художественного оформления.
Театр объединяет самые различные жанры сценического искусства - будь то драма или балет, опера или пантомима.
В 20 в. театральная практика пополнилась множеством экспериментальных форм: появился театр абсурда, театр камерный, театр политический, театр улицы и т. д.
Специфика кинематографического синтеза искусств тесно связана с особенностями кинообраза, включающего в себя пластическое воспроизведение реальных событий с помощью таких выразительных средств, как киноизображение и монтаж.
Исторически в кинематографе сложилось три жанра: игровой (художественный), неигровой (документальный и научно—популярный) и мультипликационный. В игровом кино художественный образ создается на основе сценария, оригинального или написанного по мотивам литературного произведения. При этом с помощью специфических художественных средств игрового фильма воспроизведение жизненного материала на пленке формирует иллюзию безусловной реальности экранного действия. Следует добавить и то, что, отражая жизнь через призму фабульного сюжета, игровое кино черпает их в древних архетипических структурах. Все используемые в современном киноискусстве сюжеты были уже, так или иначе, использованы на протяжении многих тысячелетий в общечеловеческой культуре.
Все жанры кино взаимодействуют между собой, используя различные монтажные, звуковые и цветовые приемы. Происходит взаимопроникновение и взаимообогащение жанров. Современный кинематограф в этом смысле достаточно полифоничен.[5]
Синтетическим можно назвать искусство, в котором произведение построено на органическом взаимодействии средств различных, самостоятельно существующих видов искусства. Так, музыкальные произведения и драмы существуют самостоятельно; но музыка и драма соединяются в оперную постановку, это образует новый тип произведения, специфика которого и состоит именно во взаимодействии музыки и сценического искусства. То же относится и к другим синтетическим видам, как балет пли формы вокальной музыки. Поэзия и музыка также существуют автономно, независимо друг от друга, но в песне, в вокальной музыке они действуют сообща и вместе образуют целостность нового, высшего порядка.
В синтетическом искусстве средства каждого из действующих совместно искусств поддерживают и дополняют друг друга. Это касается и кино, где объединяются средства выразительности разных видов искусства: зрительных - живопись и графика, театр и фотография (также архитектура) - и звуковых - прежде всего музыка, а также некоторые жанры литературы, в первую очередь драматические формы. В фильме сюда привходит еще красота природы, которая до сих пор служила скорее объектом искусства. Она могла быть предметом изображения в живописи или темой для произведения программной музыки, объектом описания в поэзии. В архитектуре элемент красоты природы имеет значение только как активный впечатляющий фон. В фильме впервые красота природы средствами фотографии вовлекается в общий синтез. Отдельные виды искусства пользуются только своими собственными средствами выражения: в кинофильме эти средства действуют либо параллельно, либо скрещиваясь, либо в контрапункте. В различные моменты отдельные выразительные средства, принадлежащие к отдельным, здесь взаимодействующим видам искусства, берут на себя основную нагрузку, выдвигаясь на первый план, в то время как остальные несколько отступают назад. Правда, зритель всегда воспринимает фильм как целостность, но более глубокий анализ позволяет нам выделить из этой целостности то, что в данную минуту представляет главный драматургический фактор. Синтез различных видов искусства возможен на том основании, что все искусства - каждое с другой стороны, другим способом и другими средствами - изображают человека и его отношение к миру, к своему окружению, к действительности. Если каждый автономный вид искусства показывает человека и его отношение к действительности только с одной стороны, то синтетические искусства - одновременно со многих сторон.
1.4 Образ, художественный образ, кинообраз
кинематограф синтез искусство сценарий
Образ,
как его обычно определяют, это чувственное содержание литературного произведения. <...> Еще совсем недавно было принято считать, что образы вызывают картины, и когда-то считалось, что образы не литературны, а проистекают из образности языка. Но сегодня утвердилось мнение, согласно которому образы включают в себя все чувственно воспринимаемое. И подлинные чувственные объекты в произведении - это образы.[6]
«...не само представление
как таковое, но только художественная фантазия
делает то или иное содержание поэтическим, постигая его таким способом, что оно стоит перед нами как архитектурный, скульптурно-пластический или живописный образ...
...в поэзии само внутреннее представление составляет как содержание, так и материал. Но если представление уже за пределами искусства есть обычнейшая форма сознания, то мы в первую очередь должны отделить поэтическое
представление от прозаического
».[7]
Гегель употребляет термин «художественная фантазия», благодаря которому возможно наиболее точно объяснить понятие «образ». Вообще определение Гегеля, несмотря на определенную трудность понимания, наиболее ёмко и точно отражает суть понятия. Если опустить условности, то образ – это наше представление о чем-либо. А если к этому представлению добавить поэтики, то мы получим не что иное, как художественный образ
. Но художественный образ
– это еще более многогранное и сложное понятии, с трудом поддающееся описанию словами. Можно назвать его формой мышления в искусстве, определить как отражения объективной действительности, взаимодействующее единство объективного и субъективного и т.д. Наиболее интересное толкование художественного образа
предлагает древнеиндийское искусство. Согласно Анандавардхане (9в.), образная мысль (дхвани) имела три основных типа: поэтическую фигуру (аламкара-дхвани), смысл (васту-дхвани), настроение (раса-дхвани). Каждый из этих типов образной мысли строился по законам художественного сопряжения, сопоставления разных явлений. Вот как, например, выражает поэт Калидаса дхвани настроения в «Сакунтале». Обращаясь к пчеле, которая кружится у лица его любимой, царь Душьянта восклицает: «Ты то и дело касаешься ее трепещущих глаз с их подвижными уголками, ты нежно жужжишь над ее ухом, как бы рассказывая ей секрет, хотя она и отмахивается рукой, ты пьешь нектар ее губ - средоточия наслаждения. О пчела, поистине ты достигла цели, а я блуждаю в поисках истины». Здесь, прямо не называя чувство, овладевшее Душьянтой, поэт передает читателю настроение любви. Достигается это путем искусного сопоставления мечтающего о поцелуе влюбленного с пчелой, летающей вокруг девушки. На мой взгляд, это очень удачный пример использования художественного образа. А древнеиндийская типизация хорошо передает основные принципы, именно, кинообраза. Поэтической фигурой будет являться предмет или объект, смысл появится благодаря драматургической основе, а с помощью разнообразных приемов (световых, звуковых, колористических и др.) создается настроение, что в совокупности и являет собой кинообраз.
Существует еще интересный подход к осмыслению кинообраза.
В двухтомнике «Кино» Делёз предлагает логически выстроенную концепцию кинематографа как «образа-движения» (т.1) и «образа-времени» (т.2). Опираясь в своем исследовании на основные положения интуитивизма
А. Бергсона,
он мыслит кинематографический образ как единство двух реальностей - физической (образ-движение) и психической (образ-время). Такое единство достижимо благодаря бергсоновской длительности - впечатлению непрерывности движения в любой момент времени, как это происходит в анимации. Исходя из анализа специфики кинематографического кадра, плана, монтажа, монтажного листа у таких мастеров как Д. Гриффит, С. Эйзенштейн,
В. Пудовкин, А. Довженко, Д.. Вертов,Ф. Мурнау, Ф. Ланг, Делёз рассматривает три вида образа-движения - это образ-восприятие, образ-эмоция и образ-действие - в классическом (довоенном) и современном (послевоенном) кино. Делёзовская концепция образа-эмоции строится на анализе лица и крупного плана в кинематографе. Выявляются два лицевых полюса — интенсивный, выражающий силу (подвижность, желание), и рефлексивный, отражающий чистое качество (неподвижность, чувство). Рассматривается их специфика в творчестве Гриффита и Эйзенштейна, немецком экспрессионизме, лирической киноабстракции (свет, белизна, отражение). Вводится понятие иконы как единства выраженного и выражения (по аналогии с означаемым и означающим). Крупный план связывается с утратой трех классических функций лица — индивидуации, социализации, коммуникации, его расчеловечиванием. Крупный план обнаженного, фантомного, вампирического лица вызывает страх, провоцирует главную тему кинематографического творчества И. Бергмана — «лицо и ничто».[8]
Из этого можно сделать вывод, что «кинообраз» - это фундаментальная, основная составляющая любого кинематографического произведения. Кинообраз – это механизм, вызывающий эмоции, понимая сознанием фантастичность происходящего, эмоционально зритель относится к нему как к подлинному событию, что делает его соучастником любого, даже самого ирреального действа.
Глава 2
2.1 История мирового кинематографа
Кинематограф как техническое изобретение, еще не ставшее искусством, в первую очередь, был движущейся фотографией. Возможность запечатлеть движение в еще большей мере увеличила доверие к документальной достоверности фильмов. Данные психологии доказывают, что переход от неподвижной фотографии к подвижному фильму воспринимается как внесение объемности в изображение. Точность воспроизведения жизни, казалось, достигла предела.
Следует, однако, подчеркнуть, что речь идет не столько о безусловной верности воспроизведения объекта, сколько об эмоциональном доверии зрителя, убеждении его в подлинности того, что он видит собственными глазами. Все мы знаем, как непохожи, искажающи бывают фотографии. Чем ближе мы знаем человека, тем больше несходства обнаруживаем в фотографиях. Для каждого человека, лицо которого нам действительно знакомо, мы предпочтем портрет хорошего художника равной ему по мастерству фотографии. В нем мы найдем больше сходства. Но если нам предоставят портрет и фотографию неизвестного нам человека и попросят выбрать более достоверное, мы не колеблясь остановимся на фотографии, - таково обаяние "документальности" этого вида текста.
Казалось бы, напрашивается вывод о том, что документальность и достоверность кинематографа предоставляют ему такие изначальные выгоды, которые, просто в силу технических особенностей данного искусства, обеспечивают ему большую реалистичность, чем та, которой довольствуются другие виды художественного творчества. К сожалению, дело обстоит не столь просто: кино медленно и мучительно становилось искусством, и отмеченные выше его свойства были и союзниками, и препятствиями на этом пути.
В идеологическом отношении "достоверность", с одной стороны, делала кино чрезвычайно информативным искусством и обеспечивала ему массовую аудиторию. Но, с другой стороны, именно это же чувство подлинности зрелища активизировало у первых посетителей кинематографа те, бесспорно, низшего порядка эмоции, которые свойственны пассивному наблюдателю подлинных катастроф, … Для того, чтобы превратить достоверность кинематографа в средство познания, потребовался длительный и нелегкий путь.[9]
Киноискусство - род искусства, произведения которого создаются с помощью киносъёмки реальных, специально инсценированных или воссозданных событий действительности.
История развития кино условно делится на 4 периода. Первый период охватывает время от изобретения кинематографа братьями Люмьер (1895) до окончания 1-й мировой войны 1914—18. Уже в этот период кинематография получает распространение во всём мире. Возникнув как технический аттракцион, «живая фотография», она вскоре разделяется на художественную, хроникальную и научно-популярную кинематографию (главным образом видовые фильмы). В самых ранних фильмах (примерно до 1908) действие, запечатлеваемое на плёнке, снималось большими кусками, соединявшимися друг с другом надписями, которые его объясняли. Киноаппарат, как правило, снимал с одной точки, рисуя изображение в общесредних планах, охватывающих пространство, приблизительно равное сценической площадке. Актёры пользовались техникой театрального исполнения, пытаясь, однако, восполнить отсутствие звучащего слова подчёркнутой мимической игрой.
Во второй половине этого периода (1908—18) началось освоение собственных средств кинематографа: режиссёры стали свободнее размещать действие в пространстве кадра, искать возможности изложения содержания фильмов при помощи выбора планов и монтажа, актёры начали овладевать специфической техникой игры перед киноаппаратом. От плоских рисованных декораций художники перешли к объёмным, оформляющим реальное пространство действия. Была усовершенствована техника комбинированных съёмок.
Второй период развития кино — 20-е гг., когда «немое» кино сформировалось как самостоятельное искусство. Решающий вклад в исследование и освоение собственных возможностей, выразительных и изобразительных средств кино принадлежит советской кинематографии. Великая Октябрьская социалистическая революция, освободив кино от подчинения коммерческим расчётам предпринимателей, создала условия для углублённых творческих поисков деятелей советского кино. Стремление отразить и осмыслить новую революционную действительность определило главное направление развития советского кино. На практике стало осуществляться указание В. И. Ленина о том, что производство собственных фильмов в Советской стране должно начинаться с хроники. От хроникальной съёмки событий советское кино переходило к образно-публицистическому их истолкованию в поэтических документальных фильмах Д. Вертова и монтажных историко-революционных фильмах Э. И. Шуб. Влияние кинодокументализма отчётливо сказалось и на историко-революционных киноэпопеях С. М. Эйзенштейна, В. И. Пудовкина, А. П. Довженко, Н. М. Шенгелая и др.
Господствующее место на экранах капиталистических стран оказалось у
кинопромышленности США. Голливудские фильмы, демонстрировавшиеся на экранах почти всего мира. Острые социальные противоречия в жизни США получили отражение в отдельных фильмах ведущих кинорежиссёров - Ч. Чаплина, комическим гротеском подчёркивавшего трагедию жизни «маленького человека»; Э. Штрогейма, обличавшего власть денег («Алчность», 1923); К. У. Видора, поставившего один из лучших антивоенных «немых» фильмов («Большой парад», 1925), и др. В этих фильмах получили выражение демократические тенденции американской культуры.
Английский кинематографический рынок уже в 20-е гг. был почти полностью во власти Голливуда. Наиболее значительное явление английского кино конца 20-х гг. - возникновение национальной школы документальных фильмов во главе с Дж. Грирсоном, на творчество которого оказали сильное влияние теоретические взгляды С. М. Эйзенштейна.
Третий период охватывает 30е и 1-ю половину 40-х гг. Освоение звукового кино в начале 30-х гг. обусловило изменение художественной природы кинематографа. Звучащее слово сблизило киноискусство с литературой и театром, создало условия для более глубокого исследования человеческих характеров средствами кино, изменило изобразительное и монтажное решение фильмов.
В США переход к звуковому кино обусловил выпуск большого количества стандартных коммерческих фильмов-ревю, гангстерских кинокартин, экранизаций бродвейских оперетт, эстрадных представлений; популярность приобрела мультипликация, в развитии которой важную роль сыграло творчество Уолта Диснея. Вместе с тем под влиянием экономического кризиса в лучших фильмах американского кино получили правдивое отражение судьбы рядовых тружеников.
Четвёртый, современный период развития кино в разных странах, начавшийся во 2-й половине 40х и 1-й половине 50-х гг., характеризуется успехами национальной кинематографии, первыми достижениями кино в ряде государств Африки и Азии, обретших самостоятельность, и в странах Латинской Америки. Сложные процессы идеологической борьбы нашли отражение в кино капиталистических государств Западной Европы и США. Резко возросло влияние революционного советского кино на творчество прогрессивных кинематографистов всего мира. В кино капиталистических стран получила яркое отражение борьба двух идеологий. Распространение нового средства массовой информации — телевидения стимулировало освоение техники цветного, широкоэкранного и широкоформатного кино, но в большинстве капиталистических стран привело к уменьшению производства фильмов, резкому сокращению киносети.[10]
2.2 Киноязык
Несомненно, кино - это самое распространенное и самое могущественное в мире средство коммуникации. Правильно созданный фильм предоставляет широкое пространство для эмоций: японская публика должна реагировать в те же моменты, что и индийская. Фильм обходит весь мир, и его образ остается неприкосновенным, даже при посредственном качестве воспроизведения.
Это происходит потому, что каждый фильм в соответствии с феноменологией наших систем коммуникации отображает кинематический комплекс человеческого бессознательного
.[11]
Такое, довольно непростое, перегруженное специализированными терминами, понятие дает А. Менегетти, некоему образу, воздействующему на зрительское бессознательное. Мы же назовем это немного проще – киноязык. Он, действительно, интернационален, не подвластен времени, охватывает массы и по степени воздействия превосходствует над другими видами искусства.
Зрители связаны друг с другом необратимым отношением к зрелищу, которое лишь поддерживает их взаимную изоляцию. Фильм объединяет разобщенное, которое, однако, таковым при этом и остается.[12]
Что же представляет из себя этот удивительный способ воздействия на публику? Уже давно существуют все правила грамматики кинематографии. Их используют режиссеры далекие друг от друга, как по стилю, так и географически.
Эти способы воздействия на зрителя отразил Даниэль Арижон в учебно-методическом пособии «Грамматика киноязыка». В своей работе он на практических примерах объясняет как и почему необходимо действовать во время съемочного и монтажного процесса. Например:
ВАЖНОСТЬ ПОЗИЦИИ ГОЛОВЫ
Когда два актера стоят лицом друг к другу или сидят друг против друга, то очень просто начертить линию интереса, которая образуется между ними. Но когда актеры находятся в положении лежа, параллельно друг к другу или в противоположном направлении, это становится более сложным. Достаточно вспомнить, что прицельная съемочная точка в ходе диалога двух актеров это их головы.
Они притягивают в этот момент наше внимание, без учета положения фигур, так как голова является источником человеческой речи, а глаза -самыми мощными стрелами направления, которыми может обладать человек, чтобы привлекать внимание и направлять его. Положение фигур, таким образом, не берется в расчет, положение головы важнее. Даже при ситуации, когда один актер поворачивается спиной к другому, линия интереса проходит между их головами. Во всех снимаемых сценах линия интереса должна соединять головы главных действующих лиц.[13]
Но в работе Д. Арижона рассмотрены лишь некоторые монтажные приемы и разнообразные способы съемки. Что, далеко не в полной мере раскрывает все богатство киноязыка.
2.3 Цвет
«Только начав работать с цветом, я понял ностальгию моего учителя П. С. Когана по ч/б пленке – отсутствие цвета само по себе придает картинке на экране внебытовое «звучание», перебрасывает ее в художественную систему».[14]
Действие закона цветового контраста хорошо известно многим по опыту, когда в повседневной жизни они оценивают те или иные сочетания цветов. Взаимодействие различных цветов учитывают и при выборе цвета тканей для одежды. При этом говорят, что в одном случае кому-то идет розовый цвет, кому-то синий, кого-то бледнит желтый и т. п. Переводя это на язык цветоведения, можно сказать, что, например, желтый цвет вызывает на соседнем участке кожи лиловатые оттенки и может придавать ей мертвенный, неприятный для глаз оттенок. Подобный эффект вызывает ярко-красный цвет, придающий лицу зеленоватые оттенки, и т. п. Совершенно так же, подбирая цвет обоев к цвету драпировок или цвет галстука к цвету костюма и рубашки, мы все время имеем дело с явлением и законами одновременного, последовательного и смешанного цветного контраста.
Явление это вызывается цветовым утомлением глаза долгим созерцанием одного цвета, вследствие которого в глазу возникает кажущийся образ цвета, дополнительный к наблюдаемому. Так, например, белая бумага, на которой лежит желтый лимон, кажется нам лиловатой, а та же самая бумага, если мы положим на нее красное яблоко, покажется нам зеленоватой, гипсовая фигура на фоне зеленой стены будет казаться розоватой с зелеными тенями. Практический вывод из этого закона следующий: одни из взаимодополняющих цветов, находящихся рядом, подчеркивает насыщенность другого. Лимон на синей или лиловой скатерти кажется еще более желтым, а синяя материя от находящегося рядом лимона - более синей. Все эти явления цветового восприятия легко проверить в повседневной жизни.[15]
Помимо того, что сочетание цветов может вызвать неожиданно-неприятный эффект, нельзя забывать о том, что цвет, прежде всего создает атмосферу и настроение. Концепция цвета была выработана Гетте: все темные цвета успокаивают, светлые возбуждают. Из тьмы выходит первым синий цвет, из света - желтый. Это основные цвета, из них идут остальные. Цвета могут оказывать физическое (очень мимолетное) и психическое (при долгом взгляде на определенный предмет) воздействие.
Цвета воспринимаются через ассоциацию, например - синий - холодный. От зрения восприятие цвета идет на органы и доходит до тактильных ощущений.
Цвет оказывает влияние на кровяное давление – оно повышается от синего к зеленому, к желтому и красному (в совокупности и по отдельности), обратный процесс при обратном предъявлении.
Надо обращать внимание на форму – одни цвета поглощают форму (желтый, белый), другие ею поглощаются (синий черный). Все цвета делятся по типу движения:
Эксцентрические (желтый)
Концентрические (синий квадрат вызывает тревогу).
Цветовое решение кадра может стать как продолжением характера героя, так и мгновенно разрушить так тщательно созданную атмосферу. Возьмем, например, известную картину «Подсолнухи» Ван Гога (1888) изображающую букет оранжево-желтых подсолнухов в таком же оранжево-желтом кувшине, на фоне зеленоватой стены, на желтом столе (цвета обозначены условно). Теперь посмотрим характеристику желтого цвета - распространяется во все стороны, олицетворяет ум. Он самый гибкий, везде проникает, помогает преодолеть трудности, способствует концентрации внимания. В мифологии желтый олицетворяет собой Солнце, тепло, весну и цветы.
Если не углубляться в оттенки, то можно сказать, что картина выдержанна именно в этой цветовой гамме. Соответственно общая атмосфера картины вполне позитивная. Но стоит только убрать цвет, сделать картины черно-белой, как получается фантастический эффект. Холст выглядит угрюмо и даже немного зловеще. Невозможно себе представить, что эти странные цветы могут радовать и восхищать. Такой неожиданный эффект возможен и на экране при невнимательном отношении к колористическому решению кадра.
Фильм «Апокалипсис сегодня» был первым фильмом Стораро снятым в Голливуде, положившей начало совместной работе с Фрэнсисом Фордом Копполой. В начальных кадрах этой эпической ленты о вьетнамской войне цвета очень бледные, почти монохромны. С продвижением конфликта глубже в джунгли, Стораро начинает противопоставлять искусственный (красный) и естественный (синий) цвета, чтобы визуально отразить нарастание конфликта. К концу фильма использование цвета достигает эффекта сюрреалистического полотна.
За этот фильм выдающийся кинооператор Витторио Стораро получил первый (из трех) Оскар в 1979г.
2.4 Свет
Свет – важнейшая составляющая художественного образа. При бытовом освещении самое прекрасное лицо будет выглядеть плоско и «бездушно». Правильное же освещение способно создать неповторимый образ, передать мыль и настроение не только отдельного предмета, но и целой композиции. Создание кино немыслимо без освещения. Разрушаются основные принципы, исчезает поэтика, появляется обыденность и серость.
Любое кинематографическое изображение можно построить при помощи двух основных видов освещения (или их совокупности), дающих различную характеристику снимаемо
1) свет концентрированный, направленный, резко выявляющий форму предметов; создавая глубокие тени, он четко обрисовывает контур освещенного объекта;
2) свет рассеянный (заливающий), создающий в основном мягкую, пластически моделирующую полутень.
В зависимости от примененного вида освещения находятся и тональные соотношения на обрабатываемых светом предметах.
В черно-белом киноизображении оператор располагает только ахроматическими тонами, которые переходами от черного к белому образуют тональную гамму той или иной широты. Эта гамма тем шире, чем больше в ней ступеней, различных полутонов серого цвета. Применением рассеянного освещения достигается широкая тональная гамма; свет направленный, концентрированный создает изображение с узкой тональной гаммой. Выбрав тот или иной вид освещения изображения, и определив желаемое направление света, мы тем самым распределяем на поверхности снимаемого предмета светотеневые и тональные пятна.[16]
Выше приведено описание освещения предмета либо объекта. А выбор того или иного вида освещения зависит от замысла. Установить ли свет так, чтобы все объекты и предметы в кадре были достаточно и эстетично освещены, не делая акцентов. Либо, исходя из главной мысли кадра, нарисовать светом зловещую тень, или наоборот осветить объект так, чтоб показать его чистоту и одухотворенность…
«С самого начала своей карьеры Стораро всегда искал совершенного способа управления искусственным освещением. Большой шаг в этом направлении ему удалось сделать на съемках фильма Ф.Ф. Копполы "От всего сердца" в 1981г; в этом претенциозном проекте он первым попытался адаптировать театральную светоустановку для съемок кино. Стораро развил эту технологию в 1986г., когда снимал сериал "Пётр Великий" в Советском Союзе. Использую переменный ток, вместо более распространенного в киноиндустрии постоянного, ему удалось создать сравнительно более компактный пульт управления (названный им "электронный стол") который управлялся одним человеком. Это позволило Стораро дирижировать цветами, насыщенность и направлением света с большей точностью по отношению к актерам и камерам для создания неявных или, наоборот, очевидных изменений времени или настроения. Эта техника работы сейчас широко распространена и сделала съемки фильма похожей на хореографию, плавно соединяя свет, цвета, движение и время. Это может быть использовано не только для сложных сцен, но и вообще для всего фильма. К примеру, в «Последнем императоре» есть сцена, когда японские захватчики удерживают Пу И в маленьком конференц-зале. И по мере нарастания противостояния Стораро создает движения времени мягко манипулируя цветом, углом падения и качеством солнечного света падающего из окна за спиной императора».[17]
2.5 Кинокадр
Кинокадр - снимок на киноплёнке, на котором зафиксирована одна из фаз движения или статического положения объектов съёмки. Линейное и пространственное построение, тональное и колористическое решения, характер оптического рисунка кадра, а также границы пространства, отображаемого в нём, подчинены раскрытию идеи и содержания снимаемой сцены. При построении кадра учитываются особенности динамической композиции, связанные с внутрикадровым движением снимаемых объектов, сочетающимся зачастую с перемещением самого кадра при съёмке движущейся кинокамерой. Формат кадра, его расположение на киноплёнке определяются размерами и расположением кадрового окна съёмочного аппарата.[18]
С технической точки зрения именно такое толкование уместно для раскрытия данного понятия. Кадр неразрывно связан с понятием композиции.
Композиция - это совокупность всех элементов кадра, их взаимное расположение и сочетание, а также применение различных изобразительных и технических методов, которые позволяют с предельной выразительностью показать замысел создателя фильма.
Конечно, постановочный сценарий накладывает определенные ограничения, однако, основными вопросами линейной композиции, на которые следует ответить перед началом съемки - это то, с какой точки лучше всего вести съемку, в какой части должна быть расположена линия горизонта, как должны быть расположены актеры и декорации, как передать пространство. Так как главная задача создателей фильма заключается в наиболее выразительной передаче замысла автора.
Если говорить о классическом построении композиции, здесь необходимо учитывать все, от колористического и светового решения, до расстановки предметов, актеров и декораций на съемочной площадке. Подсказки о выборе точки съемки, дальности плана и прочим нюансам можно найти в уже упомянутой работе Даниэля Арижона «Грамматика киноязыка». Истинную же творческую работу кинооператора можно наблюдать в работах Д. Вертова. Будучи одновременно и режиссером и автором замысла Вертов находил своим «киноглазом» совершенно удивительные вещи…
«В то время из Москвы в Одессу прикатил поруганный в столице кинорежиссер товарищ Крайних Взглядов, великий борец за идею кино факта. Местная киноорганизация, подавленная полным провалом своих исторических фильмов из древнеримской жизни, пригласила товарища Крайних Взглядова под свою стеклянную сень. — Долой павильоны! — сказал Крайних Взглядов, входя на фабрику. — Долой актеров, этих апологетов мещанства! Долой бутафорию! Долой декорации! Долой надуманную жизнь, гниющую под светом юпитеров! Я буду обыгрывать вещи! Мне нужна жизнь, как она есть! К работе порывистый Крайних Взглядов приступил на другой же день. Розовым утром, когда человечество еще спало, новый режиссер выехал на Соборную площадь, вылез из автомобиля, лег животом на мостовую и с аппаратом в руках осторожно, словно боясь спугнуть птицу, стал подползать к урне из окурков. Он установил аппарат у подножия урны и снял ее с таким расчетом, чтобы на экране она как можно больше походила на гигантскую сторожевую башню. После этого Крайних Взглядов постучался в частную квартиру и, разбудив насмерть перепуганных жильцов, проник на балкон второго этажа. Отсюда он снова снимал ту же самую урну, правильно рассчитывая, что на пленке она приобретет вид жерла сорокадвухсантиметрового орудия. Засим, немного отдохнув, Крайних Взглядов сел в машину и принялся снимать урну сходу. Он стремительно наезжал на нее, застигал ее врасплох и крутил ручку аппарата, наклоненного под углом в сорок пять градусов. Борис Древлянин, которого прикомандировали к новому режиссеру, с восхищением следил за обработкой урны. Ему и самому тоже удалось принять участие в съемке. Засняв тлеющий окурок папиросы в упор, отчего она приняла вид пароходной трубы, извергающей дым и пламя, Крайних Взглядов обратился к живой натуре. Он снова лег на тротуар, на этот раз на спину, и велел Древлянину шагать через него взад и вперед. В таком положении ему удалось прекрасно заснять подошвы башмаков Древлянина. При этом он достиг того, что каждый гвоздик подошвы походил на донышко бутылки. Впоследствии этот кадр, вошедший в картину „Беспристрастный объектив“, назывался „Поступь миллионов“. Однако все это было мелко по сравнению с кинематографическими эксцессами, которые Крайних Взглядов учинил на железной дороге. Он считал своей специальностью съемки под колесами поезда. Этим он на несколько часов расстроил работу железнодорожного узла. Завидев тощую фигуру режиссера, лежащего между рельсами в излюбленной позе — на спине, машинисты бледнели от страха и судорожно хватались за тормозные рычаги. Но Крайних Взглядов подбодрял их криками, приглашая прокатиться над ним. Сам же он медленно вертел ручку аппарата, снимая высокие колеса, проносящиеся по обе стороны его тела. Товарищ Крайних Взглядов странно понимал свое назначение на земле. Жизнь, как она есть, представлялась ему в виде падающих зданий, накренившихся на бок трамвайных вагонов, приплюснутых или растянутых объективом предметов обихода и совершенно перекореженных на экране людей. Жизнь, которую он так жадно стремился запечатлеть, выходила из его рук настолько помятой, что отказывалась узнаваться в крайне взглядовском экране. Тем не менее у странного режиссера были поклонники, и он очень этим гордился, забывая, что нет на земле человека, у которого не было поклонников».[19]
Практика Вертова подвела к созданию синхронного портретного кинематографа и овладению всеми подступами к съемке действующего и не подчиняющегося никаким сценариям «живого человека»... Использование звука и подлинной речи людей рассматривалось режиссером как средство дальнейшего образного исследования жизни и проникновения во внутренний мир героя.[20]
2.6 Звук и музыка
Первый звуковой фильм был ровесником лент Л. Люмьера. Однажды, когда Т. Эдисон вернулся к себе в лабораторию, ему был преподнес сюрприз. В ответ на приветствие мэтра с маленького экрана ему голосом синхронно ответил его помощник и снял шляпу. Изобретение Т. Эдисона было запатентовано и даже куплено одной из американских фирм. Но, несмотря на все предпосылки и техническое решение синхронизации звука, кино пошло по "безголосому" пути развития. Эффект движущихся картинок был настолько сногсшибательным, что изумленная публика простила кинематографу беззвучие. Изобретение великого американца так и осталось не реализованным.
Но создатели фильмов быстро обнаружили, что сидеть в темном зале и смотреть на экран в гробовой тишине совершенно невозможно – это действует угнетающе, нужно занять каким-то делом зрительские уши. И вскоре во всех залах появились таперы. Даже молодой С. Рахманинов сопровождал немые фильмы своими импровизациями на рояле.
Шли годы. Во многих странах мира были созданы подлинные шедевры киноискусства, безголосый ребенок вырос, возмужал и превратился в Великого немого.
Появление звука в кино связывают с разными причинами, кто-то говорит о невероятном успехе первого звукового фильма «Певец джаза» (1927), кто-то о непримиримой борьбе конкурирующих электротехнических компаний и т.д. Причины могут быть разными, результат остается неизменен и Великий немой уходит в прошлое.
С. Эйзенштейн говорил, что к тому моменту у зрителей и у кинематографистов появились новые потребности в усложнении и углублении содержания фильмов. Как ни изощрялся С. Эйзенштейн, чтобы передать с помощью монтажа кадров политические лозунги, – не получилось. Сам признал невозможность передачи абстрактных понятий средствами сопоставления изображений. Кинематограф в ту пору, можно сказать, в какой-то мере исчерпал возможности углубления анализа жизненных явлений. За литературой и театром ему было уже трудно угнаться – а он претендовал на лидерство.
Чтобы говорить о звуке в кино необходимо помнить о том, что существуют «странности» слухового восприятия, что оказывает решающее значение на построение звуков в экранном произведении. Приведу несколько примеров:
1. Слуховая избирательность (слуховое внимание)
. В процессе слухового восприятия человек обычно целенаправленно выбирает интересующий его звук из числа доходящих до его уха. Наше слуховое восприятие обладает достаточно четко работающей избирательной способностью, и относительно легко настраивается на интересующий нас источник звука.
2. Один канал для восприятия логического сообщения.
У человека так устроена система восприятия, обработки, распознавания и осознания слуховой информации, что мы не можем одновременно воспринимать два речевых сообщения, или одновременно читать одно сообщение, а слушать совершенно другое. Лишь на какое-то мгновение, пока кратковременная память сохраняет следы того или другого сообщения, мы способны переключить сознание на другой источник. Но через три-пять секунд неизбежно произойдет выпадение смысла сообщения другого источника из нашего сознания, а человек при этом испытает раздражение и дискомфорт. Если слуховое внимание направлено на первое сообщение, то второе "проскакивает мимо ушей".
3. Переключение слухового внимания.
Нам дано управлять своим активным слуховым вниманием, и по необходимости переключать его с одного источника звука на другой или третий.[21]
Это далеко не полный список «странностей» слухового восприятия, от которого следует отталкиваться при работе со звуком.
Музыка в кино
. В той же степени, в какой клише о создании кино в монтажных неверно - слова "все улучшится с добавлением музыки" истинны. Практически каждый фильм улучшается хорошим музыкальным сопровождением. Начать с того, что музыка оказывает непосредственное эмоциональное воздействие на зрителя. За десятилетия сформировались определенные музыкальные стереотипы, аудитория многие события предугадывает по музыкальным фразам. Обычно такая ситуация говорит о неудачном музыкальном оформлении, но и неудачное музыкальное оформление срабатывает.
«Когда музыка дублирует изобразительный ряд, когда каждый такт можно предсказать заранее, мы называем такое оформление "миккимаусным", имея в виду музыку к мультяшкам, которая повторяет все, что происходит на экране, вплоть до ударов, которыми обмениваются Том и Джерри. Обычно подобные ленты музыка не портит. Шансы два к одному, что они сняты по тем же стереотипным законам».[22]
Музыка в кино является выразительным средством, усиливающим восприятие, создающим атмосферу, а иногда и становится ключевой составляющей в реализации замысла.
«Во время съемки актерам категорически запрещается смотреть в объектив. Это профессиональная заповедь. Актер не должен смотреть прямо в зал, это слишком страшно для аудитории. Второй запрет — тишина. С годами я начал задумываться: а почему, собственно? Почему не разрешить исполнителю глядеть, не мигая, в объектив и почему не впустить тишину на звуковую дорожку? Про «аудионоль», как я уже говорил, мне объяснили, что техника так устроена — она его предоставить не может: какой-то фон непременно должен присутствовать. По-моему, это глупость. В Голливуде я ставил большие фильмы, где у нас была «шумная тишина». А вот когда делаешь глупый малобюджетный фильм, когда на звук есть баксов десять… Звук для «Покидая Лас-Вегас» мы микшировали в маленькой комнатке в центре Сохо. В послесъемочный период я не пользовался услугами студий. Каждые два дня мы ходили в кинотеатр, крутили там фильм и слушали, что же у нас получается на звуковой дорожке, пытались понять, как все будет звучать в большом зале. Ощущение потрясающее. Я решил, что пробил мой час и теперь я могу позволить себе настоящую тишину: все движки на микшере установить на ноль и полностью исключить звук. В эпизоде, о котором я особенно пекся, Ник пьет из бутылки что-то спиртное, а потом валится на пол от сердечного приступа и ударяется головой о стойку. Затем наступает полная тишина.
Позже я понял, почему кинематографические правила рекомендуют так не делать. Понял я, кстати, и то, почему актерам нельзя смотреть в объектив, если, конечно, это не фильм ужасов, где режиссеру в такой момент важно напугать вас и вы знаете, что за этим взглядом в упор последует смерть. Взгляд в камеру обескураживает зрителя, потому что он настроен, запрограммирован на отсутствие прямого противостояния с фильмом.
Предваряя выход на экраны картины «Покидая Лас-Вегас», я повез ее по колледжам Америки. Тогда я и убедился, что в любом кинотеатре с хорошей системой подачи звука этот эпизод очень сильно смущает зрителя, заставляет его напрячься. В зале вдруг становится так тихо, что слышно даже дыхание. Зритель лишается защитного «звукового одеяла» из шумов, которые мы привыкли слышать на звуковой дорожке. Мне это очень понравилось, именно этого эффекта я и добивался, но результат превзошел все ожидания. Ощущение было такое, будто вы ведете оживленный разговор, как вдруг все замолкают и вы осознаете, что говорите слишком громко. Для меня в «Покидая Лас-Вегас» то, что я впервые впустил в фильм настоящую тишину, имеет огромное значение».[23]
2.7 Монтаж
Был период в кино, когда монтаж провозглашался «всем», вслед за ним наступил период, когда ценность монтажа утратилась. Необходимо понять какое место занимает монтаж в производстве экранного продукта. Почему мы вообще монтируем? Даже самые ярые противники монтажа согласятся: не только потому, что мы не располагаем пленкой бесконечной длины и, будучи обречены на конечную длину пленки, вынуждены от времени до времени склеивать один ее кусок с другим.
Огромный вклад в понимание монтажа внес С. Эйзенштейн, как своими практическими работами, так и теоретическими трудами. Но, не переоценил ли Эйзенштейн значение монтажа…
«Трудно согласиться с весьма распространенным заблуждением, согласно которому монтаж является главным формообразующим элементом фильма. Что фильм якобы создается за монтажным столом. Любое искусство требует монтажа, сборки, подгонки частей, кусков. Мы же говорим не о том, что сближает кино с другими жанрами искусства, а о том, что делает его непохожим на них. Мы хотим понять специфику кинематографа… Монтаж в конечном счете лишь идеальный вариант склейки планов. Но этот идеальный вариант уже заложен внутри снятого на пленку киноматериала. Правильно, грамотно смонтировать картину, найти идеальный вариант монтажа — это значит не мешать соединению отдельных сцен, ибо они уже как бы заранее монтируются сами по себе… «Зеркало» монтировалось с огромным трудом: существовало около двадцати с лишним вариантов монтажа картины. Я говорю не об изменении отдельных склеек, но о кардинальных переменах в конструкции, в самом чередовании эпизодов. Моментами казалось, что фильм уже вовсе не смонтируется, а это означало бы, что при съемках были допущены непростительные просчеты. Картина не держалась, не желала вставать на ноги, рассыпалась на глазах, в ней не было никакой целостности, никакой внутренней связи, обязательности, никакой логики. И вдруг в один прекрасный день, когда мы нашли возможность сделать еще одну, последнюю отчаянную перестановку,- картина возникла. Материал ожил, части фильма начали функционировать взаимосвязанно, словно соединенные единой кровеносной системой,- картина рождалась на наших глазах во время просмотра этого окончательного монтажного варианта. Я еще долго не мог поверить, что чудо свершилось, что картина наконец склеилась. Это была серьезная проверка правильности того, что мы делали на съемочной площадке. Было ясно, что соединение частей зависело от внутреннего состояния материала. И если состояние это появилось в нем еще во время съемок, если мы не обманывались в том, что оно все-таки в нем возникло, то картина не могла не склеиться — это было бы просто противоестественно».[24]
Монтаж – выразительное средство к которому относиться можно по разному, например, как к исключительно техническому процессу, следуя уже давно открытым законам и правилам, возможно отвести ему одну из главных ролей, что часто можно увидеть во время производства музыкальных клипов. Можно сделать его доминирующим событием в создании экранного продукта, главное его нельзя недооценивать.
2.8 Драматургическая основа и создание сценария
«Какой фильм производит самый сильный эффект?
Тот, который выглядит как единое целое. Схватил вас и с самого начала до самого конца тащит, туда, куда ему нужно». (А. Митта)
Самое важное в работе над любым экранным произведением – это выбор темы. Фильм должен раскрыть что-то новое, важное, волнующее или интригующее, при чем, мысли, изложенные в фильме, должны быть показаны лаконично, достаточно ясно и понятно. Такой фильм принесет удовлетворение как лично Вам, так и Вашим зрителям. Создание сценария всегда начинается с выбора темы. Выбирайте только ту, которая Вас по настоящему интересует, так как именно наличие личной заинтересованности является одним из главных факторов, определяющих итоговое качество снятого фильма.
Разработка сюжета фильма позволяет построить подробный план чередования событий, которые должны быть в нем отображены.
В большинстве случаев, объем монтажных работ предопределяется качеством отснятого материала. Поэтому, крайне важно, заранее, то есть задолго до проведения съемок конкретных кадров, тщательно продумать порядок чередования сцен и декораций, яркостные и цветовые переходы между отдельными кадрами, учесть направление входа и выхода актеров, их взаимное расположение в сценах, жесты и позы, учесть тональность и громкость звукового сопровождения, а также длительность отдельных кадров и сцен, соблюсти единство темпа движения во всех кадрах конкретной сцены.
Успешный массовый фильм не может быть просто историей внука и дедушки или двух влюбленных. Это должна быть история о том, как терпение приносит вознаграждение, или как люди находят счастье в семье, или как человек достигает того, о чем мечтал. Основная идея имеет дело с каким-то чувством или чувствами (чем меньше смешано чувств в основной идее - тем чище интонация - тем лучше). На эту основную идею или тему уже навешиваются атрибуты. Из того, что есть, из окружающей социальной среды.
16 правил написания сценария:
Правило 1. Только не натюрморты
Не предавайтесь долгим описаниям вещей или интерьера. Дизайн все равно будут делать художники, а у читателя есть воображение. Чаще всего фразы "Спальня Мити, утро" вполне достаточно. Ваша работа - описать действия героев.
Правило 2. Деталь
Иногда нужно дать деталь. Например, "Спальня Мити, утро. На полу разбросано женское нижнее белье". Или "Спальня Мити, утро. На стене залитая солнцем пастельная акварель". Обратите внимание, что эти детали делают характер персонажа. Это два разных Мити!
Правило 3. Прятать описание
Описание можно спрятать в действие. "Спальня Мити, утро. Митя спускает ноги с низкой советских времен кушетки и наступает на белый шелковый лифчик". Читатель сконцентрирован на Мите, и ему не скучно читать "спрятанные" описания кушетки и лифчика.
Правило 4. Экономичное письмо
"Экономичное письмо" одновременно описывает действие, интерьер и персонажей, как это было показано в предыдущем совете. Писать экономично - это квалификация сценариста. Для прочувствования представьте, что вы будете посылать сценарий телеграммой, и каждое слово стоит 2 доллара.
Правило 5. Фильтруйте слова
Первый вариант сценария можно писать методом мозгового штурма. При брейн-сторме на бумагу выплескиваются все слова, которые пришли на ум, но затем сценарий переписывается и отбирается одно из, может быть, пяти. Читателю подается только отфильтрованный вариант.
Правило 6. Более конкретный синоним
Постарайтесь в каждой сцене заменить часто встречающиеся общие глаголы или существительные (идет, говорит, смотрит, дом, женщина) их более конкретными синонимами.
Правило 7. Но мне нужно описать это место!
Хорошо, если художники будут решать, как это будет выглядеть, то сценарист вправе описать, как это чувствуют
персонажи
Правило 8. Тропы
Все поэтические тропы в вашем распоряжении. Метафоры, сравнения, синекдохи, ономатопоэтики. Только не увлекайтесь. Тропы должны работать на сценарий, то есть в конечном итоге на эскейпизм читателя, а не демонстрировать вашу оригинальность.
Правило 9. Правило четырех строк
Никакое действие не должно занимать в сценарии больше четырех строк. Если сцена занимает не меньше страницы, разбейте ее пустыми строками. Четыре строки - пробел, четыре строки - пробел. Это называется "избавляться от черноты".
Правило 10. Осторожней!
Другой способ разбить длинную сцену - вставить на страницу хотя бы одну реплику персонажа, даже если это будет выкрик "осторожней!" или "черт!".
Правило 11. Еще быстрей
Оживите описания смешными словами или звуками, например, ШТРЯФК! или КЛАЦ! Используйте односложные предложения типа ВЫСТРЕЛ.
Располагайте одно предложение в абзаце.
Правило 12. Описание персонажа
Придумайте персонажам короткие емкие описания. Например, "крашеная брюнетка, секретарша в непонятной конторе ".
Правило 13. Еще быстрей
Употребляйте энергичные описания действий. Не "Митя пытается погладить ее, и ему, кажется, удается", а "Митя кладет руку ей на грудь". Поменьше запятых. Побольше точек. Пишите уверенно, вы должны поставить читателя перед фактом - он читает сценарий человека, знающего о чем он говорит.
Правило 14. Переворачиватели страниц
Лаурисио подкрадывается и: (тут надо перевернуть страницу). Мартел говорит, что специально добавлял пустые строки или убирал что-то, чтобы момент саспенса приходился на конец страницы. Можно специально напустить саспенсу в конце страницы. Например, "Митя входит. Никого нет. Вдруг он слышит шаги" - переворачивается страница - "Из кухни выходит мама". Переворот страницы - как переход между программами на телеканале, очень ответственный момент.
Правило 16.Режьте
Убирайте слова. Убирайте прилагательные и наречия. Безжалостно. А уж сколько "и" и "но" можно вычеркнуть без ущерба для сценария:. Вычеркивайте предложения, несмотря на то, что их написали вы
. Сценарий должен быть стройным. Конечно, жалко. А не жалко, если читатель бросит читать на второй странице?[25]
2.9 Кино как синтетический вид искусства
Родителями кинематографа называют театр и фотографию. Но, если разобраться, то и эти виды искусства синтетичны. Кинематограф вобрал в себя абсолютно все искусства, переработал их и трансформировал. Можно даже сказать «собрал лучшее» и приумножил.
От литературы кинематографу достался сюжет, герои с их непростыми характерами, поэтичности и образность. Живопись научила кино обращаться с цветами и их сочетанием, работать с перспективой и композицией. От скульптуры заимствована филигранная работа со светом и объемом. Музыка научила создавать настроение и гармонию… все виды искусств разделили лучшие свои традиции с кинематографом. Чтобы он, - как когда-то полотна Рембрандта, скульптуры Фидия и Поликлета – помогал нам видеть истинную красоту.
«Кино — прежде всего искусство, но драматизм ситуации заключается в том, что оно еще, кроме того, и продукция фабричного заводского производства. Это, пожалуй, единственное из искусств, находящееся в таком сложнейшем, я бы сказал, в каком-то смысле — в безысходном положении. То есть кино живет как бы в двух ипостасях — мы вынуждены смотреть на него, с одной стороны, как на искусство, а с другой стороны, как на промышленное производство. И многие сложности проистекают из-за этой двойственности в нашей жизни и в наших творческих буднях. А это влечет за собой, в свою очередь, огромные трудности и сложности — и в производстве, и в организации его, и в творческой работе. Дело в том, что, оценивая кино как искусство, мы обязаны стоять на уровне требований, давным-давно выработанных для старых «добрых» искусств. К сожалению, мы не часто рассматриваем нашу деятельность с позиций этих высоких требований.
Я верю в наше кино, верю в наше искусство и не верю ни в какие кризисы, которые якобы потрясают искусство. По существу искусство всегда потрясается, но не кризисами, а развитием. Это очень сложный процесс. И этот процесс, хотим мы этого или нет, отражает нашу действительность.
Традиции нашего кинематографа берут начало не только от пионеров советского кинематографа, а также от великой русской литературы, поэзии, культуры. Об этом тоже не следует забывать, когда мы говорим о кинематографии. Есть смысл вспомнить, что истоки ее таятся в глубинных пластах русской национальной культуры, которая имеет глубокие корни, очень древние и мощные традиции.
Кино — это искусство, способное создать нетленные шедевры, подобные тем, которые уже были созданы в свое время, на которые следует равняться. Есть смысл создавать шедевры, мне думается».
(А. Тарковский)
Заключение
Синтез различных видов искусства возможен на том основании, что все искусства - каждое с другой стороны, другим способом и другими средствами - изображают человека и его отношение к миру, к своему окружению, к действительности. Если каждый автономный вид искусства показывает человека и его отношение к действительности только с одной стороны, то синтетические искусства - одновременно со многих сторон. Кинофильм делает это более разносторонне, нежели другие синтетические искусства, ибо он показывает явления, во-первых, в пространстве, во-вторых, во времени, в-третьих, в движении и развитии, в-четвертых, показывает человека во взаимодействии с предметами и другими людьми, а главное, в-пятых, раскрывает внутреннюю жизнь человека со всеми его поступками и переживаниями, его реакцию на окружающий мир, его ощущение действительности.
Таким образом, кино показывает человека более многосторонне, при помощи всех тех художественных форм выражения, которые оно унаследовало от автономных видов искусства. Следовательно, оно по-новому отображает действительность.
Итак, фильм показывает человека с внешней стороны и его внутренний мир, его поведение, его реакцию на явления жизни, его поступки и одновременно его духовную жизнь. Кино дает это наглядно, прямо, недвусмысленно, литература — только через словесный текст, через значение слов, живопись передает все только косвенно, через одно схваченное и закрепленное выражение лица, а музыка - многозначно, поскольку она может выразить только образность. Кино объединяет выразительные средства всех этих видов искусства, а потому оно может более конкретно показать духовную жизнь человека путем изменения его мимики, характера его движений, через его поступки (действия) и вместе с тем однозначно, ибо к его услугам - слово, уточняющее ситуации и переживания; кино может с помощью музыки комментировать эмоциональные состояния, всегда опираясь на наглядное изображение человека в кадре, на ситуации, — и все это в движении, а не статично.
Задний план, на фоне которого действуют показываемые люди, здесь не условен, как в театральной декорации, и не неподвижен, как например в живописи.
Синтетический характер кино ныне выдвигает ряд новых проблем, которые необходимо разрешить, чтобы осмыслить специфику кино и принципы взаимодействия различных видов входящих в него искусств.
Традиции других видов искусств, имеющих многовековую историю, создали столь же старые теории этих искусств, теории, которые, разумеется, так же подвержены непрерывным изменениям, как и сами искусства, к которым они относятся. Звуковое кино, хотя имеет пока очень короткую историю, тем не менее, также нуждается в собственной теории. Теоретические положения, выработанные на почве эстетики других, а именно автономных искусств, оказались несостоятельными там, где взаимодействие различных искусств составляет сущность жанра. Таким образом, теория кино, и в частности должна стать теорией взаимодействия между различными факторами синтетического целого, называемого «кинематографом».
Библиографический список
1. Эстетика. Под ред. Радугина А.А., М., 2002
2. Бореев Ю.Б. Эстетика. М.,1988
3. Зигфрид Кракауэр. Природа фильма. Реабилитация физической реальности. Москва, «Искусство», 1974
4. Ванслов В.В. Что такое искусство. М., 1988
5. Титов С.Н. Искусство: объект, предмет, содержание. Воронеж, 1987
6. Barnet S., Berman M., Burto W. Dictionary of Literary, Dramatic and Cinematic Terms.
7. Гегель Г.В.Ф. Эстетика: В 4 т. Т. 3. С. 342-359 (начало гл. 3 “Поэзия”).
8. По книге Ж. Делёза «Кино» (пер. Б. Скуратов) Издательство «Ад Маргинем», 2004
9. Юрий Лотман «Семиотика кино и проблемы киноэстетики» Издательство "Ээсти Раамат" Таллин, 1973
10. По материалам сайта http://www.ref.by/ на основе доклада неизвестного автора.
11. Антонио Менегетти «Кино, театр, бессознательное» том 1
12. Даниэль Арижон «Грамматика киноязыка»
13. Авторский курс лекций М. В. Нелюбова «Психология цвета»
14. «Основы фотографических процессов» М, Лань, 1999
15. "Цветная киносъемка" А.В. Редько
16. Фишер Б. Витторио Стораро «Управление светом»
17. По материалам сайта www.videodata.ru
18. Из невошедшего в роман «Золотой теленок». Сборник «Осторожно овеяно веками» И. Ильф и Е. Петров
19. Муратов С. А. «Пристрастная камера» М.: Аспект Пресс 2004г
20. Архив журнала «Звукорежиссер» 2002: №4
21. Сидни Люмет. Как делается кино.
22. Майк Фиггис. Звук - это эмоциональный мир фильма.
23. Лекции А. Тарковского о кинорежиссуре.
[1]
Эстетика. Под ред. Радугина А.А., М., 2002
[2]
Бореев Ю.Б. Эстетика. М.,1988, с. 112.
[3]
Зигфрид Кракауэр. Природа фильма. Реабилитация физической реальности. Москва, «Искусство», 1974
[4]
Ванслов В.В. Что такое искусство. М., 1988
[5]
Титов С.Н. Искусство: объект, предмет, содержание. Воронеж, 1987
[6]
Barnet S., Berman M., Burto W
. Dictionary of Literary, Dramatic and Cinematic Terms.
[7]
Гегель Г.В.Ф.
Эстетика: В 4 т. Т. 3. С. 342-359 (начало гл. 3 “Поэзия”).
[8]
По книге Ж. Делёза «Кино» (пер. Б. Скуратов) Издательство «Ад Маргинем», 2004
[9]
Юрий Лотман «Семиотика кино и проблемы киноэстетики» Издательство "Ээсти Раамат" Таллин, 1973
[10]
По материалам сайта http://www.ref.by/ на основе доклада неизвестного автора.
[11]
Антонио Менегетти «Кино, театр, бессознательное» том 1
Итальянский психолог, философ, художник, основатель онтопсихологической школы, продолжающего гуманистическую ветвь психологии. В молодости был священником, теологом, отказавшись от священного сана, изучил и стал практиковать психотерапию.
[12]
G. Debord. La società dello spettacolo. — Bari: De Donato, 1978.
[13]
Даниэль Арижон «Грамматика киноязыка»
[14]
А. Каминский в предисловии к авторскому курсу лекций М. В. Нелюбова «Психология цвета»
[15]
«Основы фотографических процессов» М, Лань, 1999
[16]
"Цветная киносъемка" А.В. Редько
[17]
Фишер Б. Витторио Стораро «Управление светом»
[18]
По материалам сайта www.videodata.ru
[19]
Из невошедшего в роман «Золотой теленок». Сборник «Осторожно овеяно веками» И. Ильф и Е. Петров
[20]
Муратов С. А. «Пристрастная камера» М.: Аспект Пресс 2004г
[21]
Архив журнала «Звукорежиссер» 2002: №4
[22]
Сидни Люмет. Как делается кино / Часть 9: Звуки музыки: звуки звуков
[23]
Майк Фиггис. Звук - это эмоциональный мир фильма / Часть 2
[24]
Из лекции А. Тарковского о кинорежиссуре.
[25]
Уильям Мартел сценарист