Русская живопись первой половины ХХ века

МОРДОВСКИЙ ГОСУДАРСТВЕННЫЙ УНИВЕРСИТЕТ им. Н.П. Огарева ИСТОРИКО-СОЦИОЛОГИЧЕСКИЙ ИНСТИТУТ

Реферат Русская живопись первой половины ХХ века

Выполнил: Ганюшкина Т.В. зачетная книжка № 98/476 студент 3-го курса 303 группы з/о специальность регионоведение Проверил Газина Г.М.

Саранск, 2001

СОДЕРЖАНИЕ:

Введение

1. На рубеже веков

2. Русский авангард

3. Живопись советской эпохи. Социалистический реализм

Заключение

История отечественной культуры - наше духовное богатство. В культуре заключена память народа, через культуру каждое новое поколение, вступая в жизнь, ощущает себя ча­стью этого народа.

Культура развивается непрерывно, и каждое поколение людей опирается на то, что было создано предшественниками.

Время и пренебрежение потомков привели к утрате многих памятников культуры. Но история отечественной культуры свидетельствует о том, что кроме потерь были и находки, и открытия. Так, спустя много веков в нашу культуру вернулось “Слово о полку Игореве”, возродилось духовное значение русской литературы. Так, восстанавливались древнерусские иконы, открытые под несколькими слоями поздней живописи. Вновь осваивается отечест­венная немарксистская философия, и приходя в нашу культуру литература и искусство рус­ского зарубежья 20 в.

История отечественной культуры не ограничивается национальными рамками. Гро­мадный вклад в русскую культуру внесли представители других народов, так же как и рус­ские по происхождению деятели отдавали свои силы и талант культурному развитию наро­дов СССР и других стран.

Русская культура формировалась как одна из ветвей могучего дерева мировой обще­человеческой культуры. Ее вклад в мировой культурный прогресс бесспорен: это и культур­ные научные открытия, и шедевры литературы и искусства, и, может быть самое важное, верность гуманистическим идеалам.

Одна из самых ярких страниц истории культуры России - живопись первой половины 20 века.

1. На рубеже веков

В истории русской культуры конец XIX - начало XX в. получил название “серебряного века” русской культуры, который начинается “Миром искусства” и заканчива­ется символизмом. “Мир искусства” - это организация, возникшая в 1898 г. и объединив­шая мастеров самой высокой художественной культуры, художественную элиту России тех вре­мен. В этом объединении участвовали почти все известные художники - А. Бенуа, К. Сомов, Л. Бакст, Е. Лансере, А. Головин, М. Добужинский, М. Врубель, В. Серов, К. Коро­вин, И. Левитан, М. Нестеров, Н. Рерих, Б. Кустодиев, К. Петров-Водкин, Ф. Малявин, М. Ларионов, Н. Гончарова и др.

Огромное значение для формирования “Мира искусств” имела личность С. Дягилева, мецената и организатора выставок, а впоследствии - импресарио гастролей русского балета и оперы за границей, так называемых “Русских сезонов”. Благодаря деятельности Дягилева русское искусство получает широкое международное признание. Организованные им “Русские сезоны” в Париже относятся к числу этапных событий в истории отечественной музыки, живописи, оперного и балетного искусства. В 1906 г. парижанам была представлена выставка “Два века русской живописи и скульптуры”, которая экспонировалась затем в Бер­лине и Венеции. Это был первый акт всеевропейского признания “Мира искусства”, а также открытия русской живописи XVIII - начала XX в. в целом для западной критики и настоя­щий триумф русского искусства.

Под редакцией Дягилева с 1899 по 1904 г. издавался журнал “Мир искусства”, состо­явший из двух отделов: художественного и литературного. Можно сказать, что “серебряный век” русской культуры - это век культуры высокого ранга и виртуозности, культуры воспо­минания предшествующей отечественной культуры. Русская культура этого времени пред­ставляет собой синтез старой дворянской и разночинной культур. Значительный вклад “Мира искусства” состоит в организации грандиозной исторической выставки русской жи­вописи за границей - от иконописи до современности.

Рядом с “мирискусниками” виднейшим направлением рубежа века был символизм - многогранное явление, не вмещающееся в рамки “чистой” доктрины.

Конец XIX - начало XX века - важный период в развитии русского искусства, сов­павший с тремя революциями - 1905-1907 гг., февральской буржуазно-демократической и революцией 1917 года, время крушения старого мира. Окружающая жизнь, события этого необычайного времени определили судьбы искусства: оно претерпело в своем развитии много сложностей и противоречий. В то время еще плодотворно работали ведущие мастера реализма - И.Е. Репин, В.И. Суриков, В.М. Васнецов, В.Е. Маковский. В 1890-е годы их тра­диции нашли свое развитие в ряде произведений молодого поколения художников-пере­движников, например, Абрама Ефимовича Архипова (1862-1930 гг.), творчество которого также связано с жизнью народа, с жизнью крестьян. Его картины правдивы и просты, ранние - лиричны (“По реке Оке”, 1890; “Обратный”, 1896), в поздних, ярко живописных, живет буйная жизнерадостность (“Девушка с кувшином”, 1927; все три в ГТГ). В 1890-е годы Ар­хипов написал картину “Прачки”, рассказывающую об изнурительном женском труде.

К молодому поколению передвижников относятся также Сергей Алексеевич Коровин (1858-1908) и Николай Алексеевич Касаткин (1859-1930). Десять лет трудился Коровин над своей центральной картиной “На миру” (1893, ГТГ). Он отразил в ней сложные процессы расслоения крестьянства в современной ему капитализировавшейся деревне. Важнейшие стороны жизни России сумел выявить в своем творчестве и Касаткин. В его изображениях шахтеров, угадывается та мощная сила, которая в недалеком будущем разрушит старый мир.

Но в искусстве этого периода обнаружилась и иная тенденция. Многие художники стремились отыскать в жизни, прежде всего, ее поэтические стороны, поэтому даже в жанро­вые картины они включали пейзажи. Часто обращались и к древнерусской истории. Эти вея­ния в искусстве отчетливо прослеживаются в творчестве таких художников, как А.П. Рябуш­кин, Б.М. Кустодиев и М.В. Нестеров.

Излюбленным жанром Андрея Петровича Рябушкина (1861-1904) был исторический жанр, но он писал и картины из современной ему крестьянской жизни. Однако художника привлекали лишь отдельные стороны народной жизни: обряды, праздники. В них он видел проявление исконно русского, национального характера (“Московская улица XVII века”, 1896, ГРМ). Большинство персонажей не только для жанровых, но и для исторических кар­тин были написаны Рябушкиным с крестьян - художник почти всю свою жизнь провел в де­ревне. В свои исторические полотна Рябушкин привносил некоторые характерные черты древнерусской живописи, как бы подчеркивая этим историческую достоверность изображе­ний (“Свадебный поезд в Москве (XVII столетие)”, 1901, ГТГ).

Другой крупный художник этого времени - Борис Михайлович Кустодиев (1878-1927) изображает ярмарки с разноцветными ложками и грудами пестрых товаров, русские масле­ницы с ездой на тройках, сцены из купеческой жизни.

В раннем творчестве Михаила Васильевича Нестерова наиболее полно раскрылись лирические стороны его дарования. В его картинах всегда большую роль играл пейзаж: ху­дожник стремился найти отрадное в тишине вечно прекрасной природы. Он любил изобра­жать тонкоствольные березки, хрупкие стебельки трав и луговых цветов. Его герои - худень­кие отроки - обитатели монастырей, или добрые старички, находящие мир и покой в при­роде. Глубоким сочувствием овеяны картины, посвященные судьбе русской женщины (“На горах”, 1896, Музей русского искусства, Киев; “Великий постриг”, 1897-1898, ГРМ).

К этому времени относится творчество пейзажиста и анималиста Алексея Степано­вича Степанова (1858-1923). Художник искренне любил животных и безупречно знал не только внешний вид, но и характер каждого зверя, его навыки и повадки, а также специфиче­ские особенности различных видов охоты. Лучшие картины художника, посвящены русской природе, проникнуты лиризмом и поэзией - “Журавли летят”(1891), “Лоси” (1889; обе в ГТГ), “Волки” (1910, частное собрание, Москва).

Глубокой лирической поэзией проникнуто и искусство Виктора Эльпидифоровича Борисова-Мусатова (1870-1905). Прекрасны и поэтичны его образы задумчивых женщин - обитательниц староусадебных парков - и вся его гармоническая, похожая на музыку живо­пись (“Водоем”, 1902, ГТГ).

Дарование К.А. Коровина одинаково ярко раскрылось как в станковой живописи, в первую очередь в пейзаже, так и в театрально-декорационном искусстве. Очарование коро­винского искусства заключается в его теплоте, солнечности, в умении мастера непосредст­венно и живо передавать свои художественные впечатления, в щедрости его палитры, в ко­лорическом богатстве его живописи (“У балкона”, 1888-1889; “Зимой”, 1894 - обе в ГТГ).

“Мир искусства” во главе с А.Н. Бенуа и С.П. Дягилевым, оказало большое влияние на художественную жизнь страны. Деятельность этой группы была очень разносторонней. Художники вели активную творческую работу, издавали художественный журнал “Мир ис­кусства”, устраивали интересные художественные выставки с участием многих выдающихся мастеров. Мирискусники, как называли художников “Мира искусства”, стремились приоб­щить своих зрителей и читателей к достижениям национального и мирового искусства. Их деятельность способствовали широкому распространению в русском обществе художествен­ной культуры. Но вместе с тем она имела и свои минусы. Мирискусники искали в жизни лишь красоту и осуществление идеалов художника видели лишь в вечной прелести искус­ства. Их творчество было лишено боевого духа и социального анализа, свойственных пере­движникам, под знаменем которых шли самые прогрессивные и самые революционные ху­дожники.

Александр Николаевич Бенуа (1870-1960) по праву считается идеологом “Мира ис­кусства”. Он был широко образованным человеком и обладал большими познаниями в об­ласти искусства. Он занимался главным образом графикой и много работал для театра. Как и его товарищи, Бенуа разрабатывал в своем творчестве темы из прошлых эпох. Он был по­этом Версаля, его творческая фантазия загоралась, когда он снова и снова посещал парки и дворцы петербургских пригородов. В своих исторических композициях, населенных малень­кими, словно бы неживыми фигурами людей, он тщательно и любовно воспроизводил па­мятники искусства и отдельные детали быта (“Парад при Петре 1”, 1907, ГРМ).

Ярким представителем “Мира искусства” был Константин Андреевич Сомов (1869-1939). Он получил широкую известность как мастер романтического пейзажа и галантных сцен. Его обычные герои - словно пришедшие из далекой старины дамы в высоких пудрен­ных париках и пышных кринолинах и изысканные томные кавалеры в атласных камзолах. Сомов прекрасно владел рисунком. Особенно это сказалось в его портретах. Художник соз­дал галерею портретов представителей художественной интеллигенции, в том числе поэтов А.А. Блока и М.А. Кузмина (1907, 1909; оба в ГТГ).

В художественной жизни России начала 20 века значительную роль сыграла также художественная группировка “Союз русских художников”. В нее входили художники К.А. Коровин, А.Е. Архипов, С.А. Виноградов, С.Ю. Жуковский, Л.В, Туржанский, К.Ф. Юон и другие. Главным жанром в творчестве этих художников был пейзаж. Они являлись преемни­ками пейзажной живописи второй половины 19 века.

В конце 19 века формируется творчество выдающихся русских художников Ильи Ре­пина (1844-1930) Константина Алексеевича Коровина (1861-1939), Михаила Александровича Врубеля (1896-1902). В их искусстве с наибольшей полнотой отразились художественные достижения эпохи. Один из наиболее прославленных русских художников этого периода Илья Репин добился славы и почестей своими картинами на библейские сюжеты и из жизни рабочих.

В конце прошлого века в русской живописи начинает пробуждаться интерес к натюр­морту. Расцвет натюрморта наступил в 1910-х годах. Характер новых тенденций можно оп­ределить, как стремление художников связать натюрморт - сюжетно и живописно - с окру­жающей средой. "Мертвую натуру" выносят на пленэр, то есть на воздух, под открытое небо, связывают с пейзажем или же, напротив, органически соединяют с интерьером комнаты. Одно из ранних полотен Коровина “За чайным столом” прекрасно иллюстрирует эти новые тенденции. Особенно связь натюрморта с пейзажем прослеживается в творчестве К.А. Коро­вина и Э. Грабаря. И.Э. Грабарь - художник не только другого поколения, но и несколько другого направления, чем К. Коровин, но его также причисляют к лучшим и типичным пред­ставителям русского импрессионизма. Вспоминая свои работы, Грабарь рассказывает, что большинство из них было почти целиком "увидено" им в реальной бытовой обстановке. Там были созданы "Цветы и фрукты на рояле" (1904, Русский музей), "Сирени и незабудки" (1904, Русский музей). Очень интересны полотна "Утренний чай" (1904, Национальная гале­рея, Рим). "За самоваром" (1905, ГТГ). Тесное соединение специфически натюрмортных за­дач с задачами пленэрной живописи, наметившееся, как нечто новое, еще в коровинском по­лотне "За чайным столом", находит место в "Дельфиниуме" (1908, Русский музей). Харак­терно, что даже созданное в закрытом помещении большое полотно "Неприбранный стол " (1907, ГТГ) кажется написанным в саду - так много в нем света и воздуха. Один из наиболее значительных натюрмортов Грабаря - "Хризантемы" (1905, ГТГ). Здесь внутренняя объеди­ненность всех предметов, создающая единое настроение и единое эмоциональное состояние, решена с блестящим мастерством. Художник ставит натюрморты с целью специального ана­лиза цвета, формы, материальности предмета. Об этом свидетельствуют работы "На синей скатерти", "На голубом узоре" (обе 1907). Натюрморты этого года вообще отмечены разно­образием и сложностью поставленных задач, поисками новых художественных приемов. Это не случайно. Все здесь говорит о близости нового этапа в борьбе за новые художественные формы, которой проникнута живопись 1900-х годов, натюрморт становиться одним из веду­щих жанров, ареной творческого эксперимента.

То понимание натюрморта, которое мы находим у Грабаря и Коровина, отнюдь не было единственным. В числе немногих, прежде всего, следует назвать П. Боннара, творче­ство которого времени 1900-х годов можно рассматривать как заключительную фазу им­прессионистического видения предметного

Мир Врубеля - эпоха в истории не только русской, но и мировой культуры. Врубель оставил более 200 произведений. Среди них - портреты, картины, декоративные панно, ил­люстрации, эскизы театральных занавесей, скульптурные произведения, проекты зданий, по­ражающие по размаху и широте творческого диапазона. Врубель, вдохновляясь памятниками прошлого, творил во многом по-своему, и нередко творил как равный великим мастерам прошлого. Врубель не придерживался официального церковного канона, и именно поэтому его Моисей своей одухотворенностью, даже самим типом лица с огромными глазами ока­зался созвучен подобным образам из подлинных произведений византийского искусства. В религиозной композициях Врубеля, как бы возвращается подлинная внутренняя сущность древних прототипов: большое человеческое содержание, эмоциональная выразительность. Если сопоставить изображения Моисея Врубеля с фрагментом древней фрески, найденным в Киеве при раскопках на месте Десятинной церкви Х века, то при этом обнаруживается их внутренняя, духовная близость. Моисей Врубеля не столько библейский пророк, сколько существо, полное затаенной страсти и зарождающегося сомнения. Моисей Врубеля - мятеж­ник в потенции. Именно этим он вызывает ассоциации и с его Демоном, самим своим суще­ствованием, бросающим вызов людям. "Демон поверженный" (1902) - самое трагическое произведение Врубеля. И если в раннем холсте мы ощущаем хаос рождения, в котором жи­вет надежда, то в поверженном Демоне царит крушение. Никакое богатство красок, никакие узоры орнаментов не скрывают трагедии сломленной личности, его изломанная фигура, со­рвавшаяся с заоблачных высот, уже зримо агонизирует, заражая весь мир вокруг себя фос­форесцирующей красотой последнего заката.

Редчайший дар колориста проявил Врубель в своей картине "К ночи", созданной в 1900 году. Лирическое откровение пейзажа, как бы обволакивающего зрителя своим красоч­ным маревом, особенно впечатляет в "Сирени" 1901 год.

Еще одни художник, чье творчество тесно связано с женским образом. Это Борисов-Мусатов, выгодно возвышающийся над обозначившейся к началу XX века односторонно­стью петербургского графического и московского - преимущественно живописного направ­лений. Его лучшие картины, такие как “Водоем” (1902), “Призраки” (1903), “Изумрудное ожерелье” (1903-1904), “Реквием” (1905), трудно безоговорочно причислить к модерну, если понимать под последним искусство с твердой преднамеренностью определенных стилевых установок. В своих произведениях художник шел не от “стиля”, а от “настроения”, от жела­ния воплотить гармонию и красоту природы и возвышенной женской души.

Еще один художник из “Мира искусств” - Билибин иллюстрировал русские народные сказки и сказки А.С. Пушкина. Можно сказать, что он, являясь продолжателем дела Васне­цова и Поленовой, представлял то направление в русском искусстве, которое искало опоры в национальных духовных традициях, поэтическом мире сказок и былин, в образно-пластиче­ской системе народного ремесла. Но вместе с тем с графикой Билибина в русский модерн вошло влияние японской цветной гравюры. Особенно сильно это влияние сказалось в соз­данных в 1905 году известных иллюстрациях к “Сказке о царе Салтане” А.С. Пушкина.

Практические его ровесник Рерих много размышлял о национальной духовной тради­ции. Для него она связывалась с историческими событиями древности, с нераскрытыми тай­нами природных сил и верований. Все это ему хотелось воплотить в станковых картинах и в больших декоративных панно, в сценическом оформлении спектаклей на историческую темы, и в мозаиках, призванных войти в идейно-пластический образ храма-памятника. В не­которых отношениях Рерих был близок здесь к Врубелю - оба они шли навстречу модерну в желании облечь свои романтические идеи в декоративную систему устойчивых пластиче­ских образов, оба видели путь к решению своих художественных проблем в синтезе различ­ных видов искусства. Монументальные работы Рериха в Талашкине - один из примеров на­глядно характеризующий и творческие помыслы художника и те компромиссные резуль­таты, которые можно было достигнуть в этой сфере в пределах нового стиля.

Выше шла речь о художниках, чьи произведения формировали русский модерн, опре­деляли его характерные черты. Врубелю, одному из творцов русского модерна, новый стиль казался средством обретения свободы для собственного творческого волеизъявления, формат выражения своей художественной индивидуальности. В то же время Серов в своих поздних работах (“Похищение Европы”, “Портрет Иды Рубинштейн”, все 1910 года) шел к модерну, усматривая в нем наоборот, дисциплинирующие стилевые установки, способ “самообузда­ния” личности.

Сильное и устойчивое воздействие Врубеля испытали почти все крупные русские ху­дожники XX века. Его манера писать "разноцветными кубиками" (по словам Ф.И. Шаля­пина) иной раз трактовалась как преддверие кубизма. Однако Врубель, доказавший своим творчеством, что глубинное постижение натуры закономерно предполагает переход по ту сторону ее внешних видимостей, стоит у истоков не одного какого-то направления, а прак­тически всех авангардных поисков русского искусства XX века.

2. Русский авангард

Нет сомнения, что “путь в XX в.” был противоречив. Модерн частично принадлежал и прошлому и будущему. Как и предварившее направление модернизма, авангард был нацелен на радикальное преобразование человеческого сознания средствами искусства, на эстетиче­скую революцию, которая разрушила бы духовную косность существующего общества, при этом его художественно-утопические стратегия и тактика были гораздо более решитель­ными, анархически-бунтарскими.

Не удовлетворяясь созданием изысканных “очагов” красоты и тайны, противостоя­щих низменной материальности бытия, авангард ввел в свои образы грубую материю жизни, “поэтику улицы”, хаотическую ритмику современного города, природу, наделенную мощной созидательно-разрушительной силой, он не раз декларативно подчеркивал в своих произве­дениях принцип “антиискусства”, отвергая тем самым не только прежние, более традицион­ные стили, но и устоявшееся понятие искусства в целом.

Спектр направлений велик. Преобразования охватили все виды творчества, но изоис­кусство постоянно выступало инициатором новых движений. Мастера постимпрессионизма предопределили важнейшие тенденции авангарда; его ранний фронт наметился групповыми выступлениями представителей фовизма и кубизма. Футуризм укрепил интернациональные контакты авангарда, ввел новые принципы взаимодействия искусств (изоискусства, литера­туры, музыки, театра, фотографии и кинематографа). В 1900-10-е годы новые направления рождаются одно за другим в широком географическом диапазоне от России до Нового Света (с Москвой, Берлином, Нью-Йорком и другими центрами, которые все решительнее оспари­вают ведущую роль Парижа как законодателя художественных мод). Экспрессионизм, дада­изм, сюрреализм с их чуткостью к бессознательному в человеческой психике обозначили ир­рациональную линию авангарда, в конструктивизме же, напротив, проявилась его рацио­нальная, строительная воля.

В период войн и революций 1910-х годов политический и художественный авангарды активно взаимодействуют. Левые силы в политике пытались использовать авангард в своих агитационно-пропагандистских целях, позднее тоталитарные режимы (прежде всего, в Гер­мании и СССР) стремились подавить его строгой цензурой, загоняя авангард в подполье.

В условиях же политического либерализма авангард с 1920-х годов утрачивает преж­ний пафос противостояния, вступает в союз с модерном, устанавливает контакт с массовой культурой. Кризис авангарда, к середине 20 века в значительной мере растратившего свою былую “революционную” энергию, явился стимулом для формирования постмодернизма как основной ему альтернативы.

Один из самых ярких представителей авангарда, Василий Кандинский, принадлежит к числу открывателей нового художественного языка XX столетия и не только потому, что именно он “изобрел” абстрактное искусство - он смог придать ему масштаб, цель, объясне­ние и высокое качество.

Другой яркий представитель - Казимир Малевич (1878-1935), о котором по настоя­щему о заговорили в кругах не только художественных, но и в широкой прессе после сле­дующей выставки, на которой он показал уже так называемые супрематические полотна, иначе говоря геометрические абстракции. С тех пор Малевича, к сожалению, стали считать только художником супрематизма и даже художником одной картины "Черного квадрата". Эту славу отчасти Малевич поддерживал сам. Он считал, что "Черный Квадрат" - это вер­шина всего. Малевич был разносторонним живописцем. В 20-30-е годы он написал крестьян­ский цикл, незадолго до смерти стал писать портреты в духе старых мастеров, пейзажи в духе импрессионизма.

Малевич, российский художник, основатель супрематизма, один из немногих в Рос­сии, работавших в направлениях кубизма, футуризма. Был незаслуженно забыт в Советском Союзе, хотя его творчество одна из самых ярких страниц в мировом изобразительном искус­стве первой половины ХХ века. Казимир Малевич участник знаменитых выставок "Бубно­вый валет" (1910), "Ослиный хвост" (1912), один из столпов русского, а затем и советского авангарда. Супрематизм основан на комбинировании на плоскости простейших геометриче­ских фигур, окрашенных в контрастные цвета. Знаменитый "Черный квадрат" (1913) стал манифестом беспредметного, нонфигуративного искусства, отправной точкой абстракцио­низма. В 1919-м состоялась Х Государственная выставка под названием "Беспредметное творчество и супрематизм", а в декабре 1919 - январе 1920-го XVI Государственная выставка с ретроспективой "Казимир Малевич. Его путь от импрессионизма к супрематизму". На вы­ставках показывались и концептуальные подрамники с чистыми холстами, и загадочно ме­дитативный цикл картин "Белое на белом" с "Белым квадратом на белом".

Творения русских художников - авангардистов начала века взорвало художественное сознание. И в то же время супрематизм Малевича появился как закономерная стадия в разви­тии русского и мирового искусства. Сам Казимир Малевич выводил супрематизм из ку­бизма. На выставке, где были представлены его первые супрематические картины, он рас­пространил брошюру, которая называлась "От кубизма к супрематизму". Позднее он стал обращать внимание на еще более ранние истоки этого направления. Практически вся живо­пись, которая предшествовала искусству 20 века, была включена в этот поток, и Малевич считал, что венчает это мощное мировое движение именно искусство геометрической абст­ракции.

Идеями супрематизма были увлечены И.А. Пуни, И.В. Клюн и др. Клюн, в отличие от Малевича, уже через несколько лет яростно восставшего против эстетических принципов новой эпохи символизма и модерна, не только задержался дольше, но и вынес из нее значи­тельно больше, чем Малевич: тяготение к линейности, к декоративной организации плоско­сти, к ритму. В композициях Клюна формы никнут, как цветы, царит покой или элегическая печаль; по-восточному изогнутые, замедленно движущиеся фигуры, точно пребывают

в со­стоянии медитации ("Семья"). Малевич кажется рядом грубым, неловким, его символистские опусы подчас выглядят нелепо - у Клюна они вполне "нормальны", в русле живописных тен­денций общества "Московский салон", одним из учредителей которого он был.

В начале 1910-х годов, сблизившись с кругом М. Ларионова, Малевич создает свои варварские, резко деформирующие натуру жанровые картины. Клюн остается в стороне от неопримитивизма. Период кубофутуризма - пожалуй, лучший в творчестве Клюна. Его куби­стические картины, экспонировавшиеся на выставке "Союза молодежи" в 1913 году. Клю­новский кубизм "правовернее", чем у Малевича. Малевич часто пользовался открытиями других, но умел преображать чужое до неузнаваемости. Так он поступил и с кубизмом, сна­чала сочетав его с иконной традицией, затем - с футуризмом, еще позже - с начатками су­прематизма. Клюн же подошел к новой концепции, как к незнакомому механизму: разобрал устройство, посмотрел, что внутри, собрал заново и заставил работать.

Композиции Клюна тщательно отделаны, построены, слажены. Тема - бытовые при­боры, посуда: озонатор, граммофон, кувшин. Предмет расчленен, но бережно и деликатно, он вполне узнаваем, иногда даже вступает в несложный сюжет: Кубизм Клюна эстетичен, цель автора - сделать качественное произведение искусства; кубизм Малевича скорее кон­цептуален, в нем превалирует идея. Его лучшие вещи похожи на работы Малевича, но нико­гда их не превосходят. Ощущение знаковости форм, его прямоугольники и овалы не полны той значительности, той "энергетики", которую излучает живопись Малевича. Сам художник утверждал, что в его натуре преобладает аналитическое, а у Малевича - мистическое начало.

На рубеже десятилетий супрематизм становится если не тотальной модой, то очень заметным увлечением в художественных кругах, каждый мастер, так или иначе причисляю­щий себя к современности, стремился сделать что-то "супрематическое" в порыве полемики, самоутверждения, восхищения, наконец. В искусстве того времени легко было обнаружить где угодно если не черные квадраты (Чехонин, Шагал), то обязательный геометрический ак­цент (Филонов, Кандинский).

В раннем творчестве Кандинского натурные впечатления служили основой для созда­нии ярких красочных пейзажей, иногда с романтически-символической нагруженностью сюжетов (“Синий всадник”, 1903). Середина и вторая половина 1900-х гг. прошли под зна­ком увлечения русской стариной; в картинах “Песня Волги” (1906), “Пестрая жизнь” (1907), “Рок” (1909) художник совмещал ритмико-декоративные черты русского и немецкого мо­дерна (югендстиля) с приемами пуантилизма и стилизацией под народный лубок. В части работ Кандинский развивал ретроспективные фантазии, свойственные мастерам круга “Мир искусства” (“Дамы в кринолинах”, масло, 1909, Третьяковская галерея).

Ранний период творчества художника не прошел бесследно. Как ни парадоксально, свое искусство он рассматривал как развитие великих традиций прошлого. Символизм и тео­софия помогли Кандинскому открыть романтическую традицию, в 1911 г. написал картину “Романтический пейзаж”. С романтической традицией “совокупного художественного про­дукта” (“gesamtkunstwerk”), отредактированной позже в духе поисков синтеза искусств эпохи модерна, связаны представления художника о синтетичности искусств, иначе говоря, об их глубокой внутренней связи и взаимопроникновении. Его знаменитые “Звуки” (1913) - син­тез поэтического, музыкального и живописного (это 38 поэм с 12 цветными и 54 черно-бе­лыми гравюрами).

Его живописные работы предреволюционных и революционных лет обладали широ­ким стилистическим диапазоном: продолжая создавать экспрессивно-абстрактные полотна (“Смутное”, Третьяковская галерея, “Сумеречное”, Русский музей, обе 1917; “Белый овал”, 1920, Третьяковская галерея, и др.), художник писал и обобщенно-реалистические натурные пейзажи (“Москва. Зубовская площадь”, “Зимний день. Смоленский бульвар”, обе ок. 1916, Третьяковская галерея), не оставлял занятий живописью на стекле (“Амазонка”, 1917; “Дамы в кринолинах”, ок. 1918, обе в Третьяковской галерее), а также создавал картины, со­четавшие фигуративные элементы и декоративно-беспредметное начало (“Москва. Красная площадь”, Третьяковская галерея; “Москва II”, частное собрание, Мурнау, Германия, обе 1916).

Кандинский, как все крупные мастера нового времени, был универсален в своей ху­дожественной деятельности. Он занимался не только живописью и графикой, но и музыкой (с ранних лет), поэзией, теорией искусства. Художник оформлял интерьеры, делал эскизы росписей по фарфору, проектировал модели платьев, создавал эскизы аппликаций и мебели, занимался фотографией, интересовался кинематографом. Поражает необыкновенная органи­заторская деятельность Кандинского на всех этапах его жизненного пути. Она видна уже по организации им первого объединения - “Фаланга” (лето 1901 г.).

Филонов Павел Николаевич (1883-1941), российский живописец и график. В симво­лических, драматически напряженных произведениях стремился к выражению общих ду­ховно-материальных закономерностей хода мировой истории (“Пир королей”, 1913). С сер. 1910-х гг. отстаивал принципы “аналитического искусства”, основанного на создании слож­нейших, способных к бесконечному калейдоскопическому развертыванию композиций (“Формула пролетариата”, 1912-13, “Формула весны” 1928-29). Ученики Филонова соста­вили группу “Мастера аналитического искусства”.

Глубинные философско-культурологические размышления Филонова определили ху­дожественно-пластический строй картин “Запад и Восток”, “Восток и Запад” (обе 1912-13), “Пир королей” (1913) и др. Тема современной городской цивилизации, в противовес герои­зации ее европейскими футуристами, была представлена русским мастером как источник зла, уродующий людей; антиурбанистический пафос определял смысловое звучание многих кар­тин, в том числе работ “Мужчина и женщина” (1912-13), “Рабочие” (1915-16), рисунка “По­стройка города” (1913) и др. В иной группе произведений холстах “Крестьянская семья (Святое семейство)” (1914), “Коровницы” (1914), цикле “Ввод в мировый расцвет”, вторая половина 1910-х, рисунках “Георгий Победоносец” (1915), “Мать” (1916) и др. художник воплотил свои утопические мечтания о будущем воцарении справедливости и добра на земле.

Татлин Владимир Евграфович (1885-1953) российский художник, дизайнер, сцено­граф, один из крупнейших представителей новаторского движения в искусстве 20 в., родона­чальник художественного конструктивизма. Самыми значительными работами стали холсты “Матрос (Автопортрет)” (1911, Русский музей), “Продавец рыб” (1911, Третьяковская гале­рея). Татлин быстро выдвинулся в среде русских авангардистов; участвовал в иллюстриро­вании футуристических книг, в 1912 организовал в Москве собственную студию, в которой занимались живописью многие “левые художники”, ведя аналитические исследования формы. С этого времени и до конца 1920-х гг. Татлин был одной из двух центральных фигур русского авангарда, наряду с К.С. Малевичем, в соперничестве с которым развивал свои ху­дожественные открытия, легшие в основу будущего движения конструктивистов.

В искусстве рубежа XIX-XX вв. зрели предпосылки для становления многих крупных “измов” последующих десятилетий, для фовизма, экспрессионизма, кубизма, абстрактного искусства и сюрреализма.

Отсчет новых направлений в русской живописи начинается с группировки "Голубой розы. Программа входивших в нее мастеров определялась идеями символизма. М.С. Сарьян нашел свою "землю обетованную", путешествуя по странам Ближнего Востока. Характерный представитель московского символизма, Н.Д. Милиоти тяготел к музыкальному звучанию колорита. С.Ю. Судейкиным было написано немало натюрмортов, картин на мотивы эпохи романтизма, исполненных в стилистике “лубочного гротеска”. Свои особенные краски внес в русский живописный символизм В.И. Денисов. Мастера “Бубнового валета” (И. Машков, П. Кончаловский, А. Лентулов, В. Рождественский, А. Куприн), их друзья и оппоненты М. Ла­рионов и Н. Гончарова сделали следующий шаг к созданию поэтики искусства нового вре­мени. В своем творчестве они ориентировались с одной стороны на творчество французских мастеров: П. Сезанна, фовистов, с другой - на российский городской фольклор: городская вывеска, народная игрушка.

В 1920-е гг. возникают многочисленные новые группировки, объединяющие как ху­дожественную молодежь, так и маститых мастеров. Многие из живописцев старших поколе­ний переживают своеобразную смену приоритетов. Так, П.В. Кузнецов, ведущий мастер “Голубой розы”, отходит от отрешенной, почти надмирной гармонии ранних полотен, но не изменяет своему стремлению к поэтизации сцен простого труда. Чертами тонкой гармонии, органического единства реальности и поэтического обобщения отмечена картина “Табачницы”, 1926, из цикла “Крымские табачницы”, над которым художник работал в 1925-1928 гг.

Мастера "Бубнового валета" организовали объединение "Московские живописцы", которое поддерживало идею синтеза современного содержания и современной реальной формы". В их декларации было заявлено: "В социалистическом обществе не найдет себе места искусство, лишенное лучших традиций и культурных завоеваний". Новой чертой в творчество Кончаловского, Лентулова, Куприна, не порывающих с былым "сезанизмом", входит классическое наследие русской и европейской культуры.

В 1921 была создана рабочая группа конструктивистов (К.К. Медунецкий, А.М. Род­ченко, В.Ф. Степанова, В.А. и Г.А. Стенберги). В первые годы конструктивизм формиро­вался в тесном взаимодействии с левыми течениями в изобразительном искусстве (супрема­тизмом, кубофутуризмом), формально-эстетические поиски его приверженцев протекали на стыке живописи, дизайна и архитектуры. Главным лозунгом конструктивистов стало рево­люционное преобразование жизни, поиск новых принципов конструирования жизненной среды. Они утверждали эстетические идеалы простоты, утилитарной целесообразности предметного мира.

А.Н. Самохвалов, ученик К.С. Петрова-Водкина, пришел в искусство уже после рево­люции, активно включившись в художественную жизнь. В середине 1920-х годов он был за­нят поисками собственного творческого почерка, в котором живописная система его настав­ника обогащалась бы уроками древнерусской монументальной живописи.

Новейшие течения русского искусства 1910-х годов вывели Россию в авангард интер­национальной художественной культуры того времени. Уйдя в историю, феномен великого эксперимента так и был назван - Русский авангард. Это понятие подразумевает и более ран­ние сезаннистские, фовистские тенденции, и зарождение абстрактного искусства в "лучизме" М. Ларионова, и продвинутые системы беспредметного творчества: кубофутуризм, супрема­тизм К. Малевича и его школы, конструктивизм во главе с А. Родченко и В. Татлиным, рус­ско-немецкий экспрессионизм В. Кандинского. Мир узнал о начале эры не скованного пред­метностью и натурой самовыражения творческой личности из произведений русских худож­ников едва ли не раньше, чем из шедевров великих французов и немцев. Второе десятилетие нашего века поставило Малевича и Кандинского вровень с Пикассо, Браком или Клее.

1917 год изменил все. Это стало очевидно не сразу. Первые 5 лет - героическое пяти­летие 1917-1922 - еще оставляли почву для надежд. Но вскоре иллюзии рассеялись. Началась драма разрушения грандиозного бастиона модернистского искусства, созданного в России гением и трудом, манифестами и бурными дискуссиями всемирно известных мастеров. К ру­бежу 1920-1930-х годов нереалистические направления были запрещены полностью; некото­рые художники уехали в другие страны; иные были репрессированы или, поддавшись жесто­кой неизбежности, оставили авангардные поиски. В 1932 году были окончательно закрыты многочисленные художественные объединения; властями был создан единый Союз худож­ников..

3. Живопись советской эпохи. Социалистический реализм

До 30-х гг. сохранялись еще некоторые различия между направлениями и эстетиче­скими системами. После 1932 в СССР разделение искусства на “официальное” и “неофици­альное” окончательно закрепилось после разгона всех художественных группировок и нача­лом образования единого Союза художников, поставленного под строгий идеологический контроль. В “подполье” оказались все направления, не отвечающие канонам социалистиче­ского реализма: как авангардистские, так и более традиционные, но неприемлемые в “идейно-тематическом” отношении.

“Тихое искусство”, тенденции в искусстве 20 в., подверженных строгой цензуре и идеологическому давлению, когда изо-творчество, оставаясь “легальным”, участвуя в вы­ставках, намеренно сужало круг мотивов, предпочитая помпезным официальным темам ли­рические пейзажи, сцены семейного быта, незаказные портреты друзей и близких. От собст­венно “неофициального искусства” отличается обычно своей стилистической “умеренно­стью”, относительным традиционализмом. Эти тенденции характерны для многих художни­ков советского периода, таких, как Л.А. Бруни, Л.Ф. Жегин, Н.П. Крымов, М.К. Соколов, Н.А. Тырса, В.А. Фаворский, Р.Р. Фальк, А.В. Фонвизин и др.

Бруни Лев Александрович (1894-1948), российский художник, в 1910-начале 1920-х гг. примыкал к футуризму и конструктивизму, создавая контррельефы и беспредметные композиции. Виртуоз рисунка, легкого цветового пятна, позднее перешел к более традици­онной живописи и графике (в т.ч. пейзажам Оптиной пустыни) в духе “тихого искусства”. Был также мастером монументальной живописи (в 1935-48 возглавлял соответствующую студию при Академии архитектуры), развивая и здесь принципы чуждого официозу воль­ного, ритмически-изысканного творчества.

Жегин (настоящая фамилия Шехтель) Лев Федорович (1892-1969), российский ху­дожник и теоретик искусств. Сын Ф.О. Шехтеля. Активный член общества “Маковец”. В своей живописи и графике предпочитал простые пейзажные и жанровые мотивы в духе “ти­хого искусства”, насыщая их философски созерцательным настроением.

Крымов Николай Петрович (1884-1958), российский живописец, народный художник России (1956), член-корреспондент АХ СССР (1949). Мастер синтетического, гармонично построенного пейзажа-картины (“Утро”, 1916; “Речка”, 1926).

Соколов Михаил Ксенофонтович (1885-1947), российский художник, замечательный мастер русского “тихого искусства” 1920-30-х гг., своеобразный “поздний романтик”. Соз­давал артистически экспрессивную живопись и графику, полную исторических реминисцен­ций, тонкой, созерцательной поэзии (проявившейся, в частности, в цикле пейзажей-миниа­тюр, написанных в 1939-43 на станции Тайга в Сибири, где Соколов находился в концла­гере).

Фальк Роберт Рафаилович (1886-1958), российский живописец. Член “Бубнового ва­лета”. Натюрморты, пейзажи (“Бухта в Балаклаве”, 1927), портреты отмечены насыщенно­стью цвета, образной выразительностью.

Лианозовская группа, группа российских художников и поэтов, первоначально соби­равшаяся, в барачном доме на станции Лианозово, где в 1950-е гг. жил О.Я. Рабин. Ее духов­ным центром была семья Е.Л. Кропивницкого он сам, а также его жена, сын и дочь, тоже ху­дожники (О.А. Потапова, Л.Е. Кропивницкий, В.Е. Кропивницкая). В группу, ставшую од­ним из самых значительных очагов русского “неофициального искусства” периода “отте­пели”, входили также художники В.Н. Немухин, Л.А. Мастеркова, Н.Е. Вечтомов, поэты В. Некрасов, Г.В. Сапгир, И. Холин. Их творчество, разное по стилю, соединяло лирическую откровенность “черного юмора”, резкой социальной сатиры с веяниями возрождавшегося авангардизма.

Рабин Оскар Яковлевич (р. 1928), российский художник. Член лианозовской группы, один из лидеров русского “неофициального искусства”. В 1978 эмигрировал из СССР, обос­новавшись в Париже. Для него наиболее характерны минорные по настроению и колориту городские и сельские мотивы, написанные в тусклой гамме, а также натюрморты, сочетаю­щие черты “черного” гротеска с задушевным лиризмом. Эти произведения стали своеобраз­ным связующим звеном между “тихим искусством” и соц-артом.

Кропивницкий Евгений Леонидович (1893-1979), российский художник и поэт. Пат­риарх “неофициального искусства”, духовный лидер лианозовской группы. Для его творче­ства середины 20 в., как и для стихотворного, так и живописно-графического, характерны простые мотивы, задушевно-лирический экспрессионизм с вкраплениями печального гроте­ска.

С момента запрета группировок социалистический реализм был объявлен обязатель­ным методом отражения реальности, хотя во всех его описаниях невозможно было обнару­жить признаков структуры художественного языка. Социалистический реализм, термин, употреблявшийся в советском литературоведении и искусствоведении с 30-х гг. для обозна­чения “основного метода” литературы, искусства и критики, который “требует от художника правдивого, исторически конкретного изображения действительности в ее революционном развитии”, сочетающегося “с задачей воспитания трудящихся в духе социализма”. Эстетиче­ское понятие “реализм” было соединено с определением “социалистический”, что на прак­тике вело к подчинению литературы и искусства принципам идеологии и политики. Главным постулатом социалистического реализма стала партийность, социалистическая идейность. Попытки расширить “теоретическую базу” социалистического реализма идеями “народно­сти” (в кон. 30-х гг.), “социалистического гуманизма” (с 50-х гг.) не изменили официальный статус и идеологическую природу понятия.

Все художники были обязаны состоять в Союзе художников. Отдельные художники отказались вступить в Союз. Их творчество осталось за бортом выставочной, музейной и ка­кой-либо иной официальной жизни. Некоторые состояли в Союзе лишь формально, зараба­тывая на хлеб копированием или оформительской работой. Некоторые из них получили ме­ждународное признание.

Яркойпример - Родченко, в 1925 участвовал в Международной выставке декоратив­ного искусства и художественной индустрии в Париже по четырем разделам и по каждому из них получил серебряную медаль. Но уже в 1930-е гг., после декретирования социалистиче­ского реализма в качестве единственного стиля и метода, творчество Родченко все чаще и чаще подвергалось шельмованию. Травля закончилась исключением мастера из членов Союза советских художников в 1951, восстановлен в 1954. В середине 1930-х гг. возвратился к живописи, написав серию картин на тему цирка и циркачей, со второй половины 1930-х гг. и на протяжении 1940-х гг. создавал декоративно-беспредметные работы. С 1934 оформлял совместно со Степановой репрезентативные альбомы и фотоальбомы, выпускаемые по слу­чаю юбилеев и торжественных мероприятий (“10 лет Узбекистана”, 1934; “Первая Конная”, 1935-37; “Красная Армия”, 1938; “Советская авиация”, 1939, и др.).

Существует мнение, что: "Высшее достижение русского искусства ХХ века - это не революционный авангард, как считалось на протяжении многих лет, а искусство социали­стического реализма". Таково мнение британского ученого Мэтью Куллерна Боуна, который является общепризнанным авторитетом в области русского и советского искусства.

Приведем несколько цитат из статей зарубежных искусствоведов, посвященных этому периоду. "Искусство эпохи социалистического реализма можно разделить на две состав­ляющие: искусство официозной иконографии, прославляющее режим и его вождей, и парал­лельное искусство, которое выше по качеству, поэтичнее, свободнее и ближе к повседневной жизни обычного человека. Оно гармонично и свободно от схем, особенно в пейзажной жи­вописи". "Эуропео" (Испания) - "Лица славянской души".

"В политическом государстве, которое требует единообразия, схожесть картин пока­залась бы неудивительной. Но вы будете, тем не менее, удивлены разнообразием, заключен­ным внутри этой схожести, мастерством художников, которые, несмотря на диктуемые госу­дарством ограничения, в своих произведениях по генерируемой ими энергии и степени выра­зительности выходят далеко за пределы предписанной им тематики".

Академия Художеств СССР была основана в 1947 году, когда могущество сталинской империи достигло зенита. Сталин лично назначил первых 28 членов Академии, выбрав их из более чем полутора тысяч советских художников того времени. Членство в Академии явля­лось последним и наиболее почетным этапом профессиональной карьеры художника и обес­печивало множество финансовых и общественных привилегий. Советские академики обра­зовывали художественную элиту на протяжении всего советского периода. Они создали славу советскому искусству. Их картины входят в золотой фонд многих российских государ­ственных музеев, включая Третьяковскую Галерею в Москве и Русский Музей в Петербурге. Однако картины прославленных мастеров эпохи, сталинских академиков: таких как Дмитрий Налбандян, некоторое время пребывали в забвении.

Дмитрий Налбандян известный в 30-гг художник. В 1933 году художник получает приглашение поехать в Ленинград для работы над картиной "Выступление С.М. Кирова на XVII съезде партии". Осенью1935 года картина экспонировалась на выставке московских живописцев в Государственном музее Изобразительных искусств и вызвала широкий обще­ственный резонанс: она воспроизводилась в газетах "Правда" и "Известия", распространя­лась в репродукциях. Первый серьезный успех окрылил художника. Однако трагическая смерть Кирова несколько приостановила поступательный ход его карьеры. В конце 1930-х и в начале 1940-х годов Налбандян много работает в основном в жанре портрета, пейзажа и натюрморта и создает множество прекрасных лирических работ. В 1944 Дмитрий Налбандян начинает работать над своим знаменитым "Портретом И.В. Сталина", который стал его трамплином к головокружительной славе.

В наши дни возрождается интерес к произведениям той поры. Эксперты уверены, что "Искусство эпохи Ленина и Сталина становится новой областью инвестиций. Одно из став­ших наиболее популярных имен - Налбандян. Как только это искусство станет хорошо из­вестно на Западе, цены на работы удвоятся или утроятся в течение нескольких лет".

Для работ многих известных художников советской эпохи характерны как выдаю­щееся стилистическое мастерство - продукт одной из лучших академических школ в Европе, так и то, что во многих отношениях они продолжают традиции великих импрессионистов XIX столетия.

Новейшие течения русского искусства 1910-х годов вывели Россию в авангард интер­национальной художественной культуры того времени. Уйдя в историю, феномен великого эксперимента так и был назван - Русский авангард. Это понятие подразумевает и более ран­ние сезаннистские, фовистские тенденции, и зарождение абстрактного искусства в "лучизме" М. Ларионова, и продвинутые системы беспредметного творчества: кубофутуризм, супрема­тизм К. Малевича и его школы, конструктивизм во главе с А. Родченко и В. Татлиным, рус­ско-немецкий экспрессионизм В. Кандинского.

Второе десятилетие нашего века поставило Малевича и Кандинского вровень с Пи­кассо, Браком или Клее. 1917 год изменил все. Это стало очевидно не сразу. Первые 5 лет - героическое пятилетие 1917-1922 - еще оставляли почву для надежд. Но вскоре иллюзии рас­сеялись. Началась драма разрушения грандиозного бастиона модернистского искусства, соз­данного в России гением и трудом, манифестами и бурными дискуссиями всемирно извест­ных мастеров.

К рубежу 1920-1930-х годов нереалистические направления были запрещены полно­стью; некоторые художники уехали в другие страны; иные были репрессированы или, под­давшись жестокой неизбежности, оставили авангардные поиски. В 1932 году были оконча­тельно закрыты многочисленные художественные объединения; властями был создан еди­ный союз художников. До тех пор сохранялись еще некоторые различия между направле­ниями и эстетическими системами. С момента запрета группировок социалистический реа­лизм был объявлен обязательным методом отражения реальности.

Теперь на расстоянии десятилетий мы воспринимаем культовые картины социалисти­ческого реализма сквозь призму современности. С другой стороны, давно уже открыв завесу над умышленно скрытыми сторонами художественной истории, мы узнали, как параллельно официальной теплилась почти никому из современников не ведомая "вторая культура" - скромный прообраз андеграунда 1960-1980-х годов, не смевший открыто противостоять дес­потическому режиму, но сохранивший для новых поколений так до конца и не сломленную творческую свободу Художника.

ЛИТЕРАТУРА:

1. Алпатов М.
Искуство - М.: Просвещение, 1969.

2. Борисова Е.А, Стернин Г.Ю.
Русский модерн - М.: Советский художник, 1990.

3. История русского и советского искусства - М.: Высшая школа, 1989.

4. Крусанов А.В
. Русский авангард 1907-1932: Исторический обзор. Т.1. - СПб., 1996.

5. Культурология: Учеб. для Вузов /Под ред. Н.Г. Багдасарьяна. - М.: Высшая школа, 1998.

6. Манин В.
Шедевры русской живописи - М.: Изд-во Белый Город, 2000.

7. Мислер Н., Боулт Дж.
Филонов. Аналитическое искусство. М., 1990

8. Наков А.
Русский авангард: Пер. с франц. М., 1991.

9. Неизвестный русский авангард в музеях и частных собраниях /Сост. А.Д. Сарабь­янов - М., 1992.

10. Неклюдова М.Г.
Традиции и новаторство русских художников ХIХ века - М.: Ис­кусство, 1991.

11. Поликарпов В.С.
Лекции по культурологии - М.: Гардарика, 1997.

12. Русские художники - Самара: Изд-во АГНИ, 1997.

13. Русские художники XII-XX веков: Энциклопедия - М.: Изд-во Азбука, 1999.

14. Турчин В.С.
По лабиринтам авангарда - М., 1993.