Московский Государственный Областной Университет
Реферат по истории искусств
на тему:
Итальянское искусство 17 века.
Выполнила:
студентка заочного отделения
33 группы факультета ИЗО и НР
Минакова Евгения Юрьевна.
Проверила:
Москва 2009
Содержание
Италия в 17 веке
Архитектура. Стиль барокко в архитектуре.
Архитектура. Раннее барокко.
Архитектура. Высокое, или зрелое, барокко.
Архитектура. Архитектура барокко вне Рима.
Изобразительное Искусство. Общая характеристика.
Изобразительное Искусство. Раннее барокко.
Изобразительное Искусство. Реалистическое течение.
Изобразительное Искусство. Второе поколение художников болонской школы.
Изобразительное искусство. Высокое, или зрелое, барокко.
Изобразительное искусство. Позднее барокко.
Уже с середины 16 века историческое развитие Италии характеризуется наступлением и победой феодально-католической реакции. Экономически слабая, раздробленная на отдельные самостоятельные государства, Италия оказывается не в силах противостоять натиску более могущественных стран — Франции и Испании. Длительная борьба этих государств за господство в Италии закончилась победой Испании, закрепленной мирным договором в Като-Камбрези (1559). С этого времени судьба Италии оказывается тесно связанной с Испанией. За исключением Венеции, Генуи, Пьемонта и Папской области, Италия в течение почти двух столетий была фактически на положении испанской провинции. Испания вовлекала Италию в разорительные войны, которые часто шли на территории итальянских государств, содействовала распространению и укреплению в Италии феодальной реакции, как в экономике, так и в культурной жизни.
Господствующее положение в общественной жизни Италии занимали аристократия и высшее католическое духовенство. В условиях глубокого экономического упадка страны лишь крупные светские и церковные феодалы еще располагали значительными материальными богатствами. Итальянский народ — крестьяне и горожане — находился в крайне тяжелом положении, был обречен на нищету и даже на вымирание. Протест против феодального и иноземного гнета находит выражение в многочисленных народных восстаниях, вспыхивавших на протяжении 17 века и принимавших порой грозный размах, как, например, восстание Мазаньелло в Неаполе.
Общий характер культуры и искусства Италии в 17 веке был обусловлен всеми особенностями ее исторического развития. Именно в Италии зарождается и получает наибольшее развитие искусство барокко. Однако, будучи господствующим в итальянском искусстве 17 века, это направление не было единственным. Кроме него и параллельно с ним развиваются реалистические течения, связанные с идеологией демократических слоев итальянского общества и получающие значительное развитие во многих художественных центрах Италии.
Монументальная архитектура Италии 17 века удовлетворяла почти исключительно запросы католической церкви и высшей светской аристократии. В этот период строятся главным образом церковные сооружения, дворцы и виллы.
Тяжелое экономическое положение Италии не давало возможности возводить очень крупные сооружения. Вместе с тем церковь и высшая аристократия нуждались в укреплении своего престижа, своего влияния. Отсюда — стремление к необычным, экстравагантным, парадным и острым архитектурным решениям, стремление к повышенной декоративности и звучности форм.
Строительство импозантных, хотя и не столь крупных сооружений способствовало созданию иллюзии социального и политического благополучия государства.
Барокко достигает наибольшего напряжения и экспрессии в культовых, церковных сооружениях; его архитектурные формы как нельзя лучше отвечали религиозным принципам и обрядной стороне воинствующего католицизма. Строительством многочисленных церквей католическая церковь стремилась укрепить и усилить свой престиж и влияние в стране.
Стиль барокко, вырабатывавшийся в архитектуре этого времени, характеризуется, с одной стороны, стремлением к монументальности, с другой — преобладанием декоративного и живописного начала над тектоническим.
Подобно произведениям изобразительного искусства, памятники архитектуры барокко (особенно церковные сооружения) рассчитаны были на усиление эмоционального воздействия на зрителя. Рациональное начало, лежавшее в основе искусства и архитектуры Ренессанса, уступило свое место началу иррациональному, статичность, спокойствие — динамике, напряжению.
Барокко — стиль контрастов и неравномерного распределения композиционных элементов. Особое значение в нем получают крупные и сочные криволинейные, дугообразные формы. Для сооружений барокко характерны — фронтальность, фасадность построения. Здания воспринимаются во многих случаях с одной стороны — со стороны главного фасада, нередко заслоняющего объем сооружения.
Барокко уделяет большое внимание архитектурным ансамблям — городским и парковым, однако ансамбли этого времени основаны на иных началах, чем ансамбли Ренессанса. Барочные ансамбли Италии строятся на декоративных принципах. Для них характерны изолированность, сравнительная независимость от общей системы планировки городской территории. Примером может служить самый крупный ансамбль Рима — площадь перед собором св. Петра.
Колоннады и декоративные стенки, замыкающие пространство перед входом в собор, прикрыли беспорядочную, случайную застройку, находящуюся за ними. Между площадью и примыкающей к ней сложной сетью проулков и случайных домов нет связи. Отдельные здания, входящие в состав барочных ансамблей, как бы утрачивают свою самостоятельность, всецело подчиняясь общему композиционному замыслу.
Барокко по-новому поставило проблему синтеза искусств. Скульптура и живопись, играющие в зданиях этого времени очень большую роль, переплетаясь между собой и нередко заслоняя или иллюзорно деформируя архитектурные формы, способствуют созданию того впечатления насыщенности, пышности и великолепия, которое неизменно производят памятники барокко.
Огромное значение для формирования нового стиля имело творчество Микеланджело. В своих произведениях он разработал ряд форм и приемов, которые были использованы позже в архитектуре барокко. Архитектор Виньола также может быть охарактеризован как один из непосредственных предшественников барокко; в его произведениях можно отметить целый ряд ранних признаков этого стиля.
Новый стиль — стиль барокко в архитектуре Италии — приходит на смену Ренессансу в 80-х годах 16 века и развивается на протяжении всего 17 и первой половины 18 столетия.
Условно, в пределах архитектуры этого времени, могут быть выделены три этапа: раннее барокко — с 1580-х до конца 1620-х годов, высокое, или зрелое, барокко — до конца 17 века и позднее — первая половина 18 века.
Первыми мастерами барокко принято считать архитекторов Джакомо делла Порта и Доменико Фонтана. Они принадлежали к следующему поколению по отношению к Виньоле, Алесси, Амманати, Вазари и закончили свою деятельность в начале 17 века. Вместе с тем, как ранее отмечалось, в творчестве этих мастеров продолжали еще жить традиции позднего Ренессанса.
Джакомо делла Порта. Джакомо делла Порта (1541—1608) был учеником Виньолы. Раннее его сооружение — церковь Сайта Катарина в Фунари (1564) — по своему стилю принадлежит еще Ренессансу. Однако фасад церкви дель Джезу, которую этот зодчий заканчивал после смерти Виньолы (с 1573 г.), значительно барочнее первоначального проекта его учителя. Фасад этой церкви с характерным делением на два яруса и боковыми волютами, план сооружения явились образцом для целого ряда католических церквей в Италии и других странах. Джакомо делла Порта завершил после смерти Микеланджело постройку большого купола собора св. Петра. Этот мастер явился также автором известной виллы Альдобрандини во Фраскати близ Рима (1598—1603). Как обычно, главный корпус виллы расположен на склоне горы; к главному входу подводит двухсторонний закругляющийся пандус. С противоположной стороны к зданию примыкает сад. У подножия горы расположен полукруглый в плане грот с арками, над ним находится водяной каскад в обрамлении лестниц. Само здание очень простой призматической формы завершено огромным разорванным фронтоном.
В композиции виллы, в составляющих ее парковых сооружениях и в характере пластических деталей ясно проявляется стремление к нарочитой красивости, рафинированности архитектуры, столь характерной для барокко в Италии.
В рассматриваемое время окончательно складывается система итальянского парка. Она характеризуется наличием единой оси парка, расположенного на склоне горы с многочисленными спусками и террасами. На этой же оси располагается и главное здание. Характерным примером подобного комплекса и является вилла Альдобрандини.
Доменико Фонтана. Другим крупным архитектором раннего барокко явился Доменико Фонтана (1543—1607), который принадлежал к числу римских преемников Микеланджело и Виньолы. Наиболее крупной его работой является Латеранский дворец в Риме. Дворец в том виде, который придал ему Фонтана, представляет собой почти правильный квадрат с заключенным внутри квадратным же двором. Фасадное решение дворца полностью основано на архитектуре палаццо Фарнезе — Антонио Сангалло Младшего. В целом дворцовое строительство Италии 17 века основано на дальнейшем развитии того композиционного типа дворца-палаццо, который был выработан архитектурой эпохи Возрождения.
Совместно со своим братом Джованни Фонтана Доменико соорудил в Риме в 1585—1590 годах фонтан Аква Паоло (без аттика, выполненного позднее Карло Мадерна). Его архитектура основана на переработке форм античных триумфальных арок.
Карло Мадерна. Ученик и племянник Доменико Фонтана — Карло Мадерна (1556—1629) окончательно укрепил новый стиль. Творчество его является переходным к периоду развитого барокко.
Ранняя работа Мадерна — фасад раннехристианской базилики Сусанны в Риме (ок. 1601 г.). Созданный на основе схемы фасада церкви дель Джезу, фасад церкви Сусанны четко расчленен ордерами, оформлен статуями в нишах и многочисленными орнаментальными украшениями.
В 1604 году Мадерна был назначен главным архитектором собора св. Петра. По приказу папы Павла V Мадерна составил проект расширения собора путем пристройки передней, входной части. Духовенство настаивало на удлинении греческого креста до формы латинского, что соответствовало традиции церковного зодчества. Кроме того, габариты собора Микеланджело не охватывали полностью места, где находилась древняя базилика, что было недопустимо с точки зрения служителей церкви.
В результате при постройке нового переднего фасада собора Мадерна совершенно изменил первоначальный замысел Микеланджело. Последний задумал собор стоящим в центре большой площади, которая позволяла бы обойти здание вокруг и увидеть его со всех сторон. Мадерна же своей пристройкой закрыл от зрителя боковые стороны собора: ширина фасада превышает ширину продольной части храма. Удлинение здания привело к тому, что купол собора св. Петра воспринимается полностью лишь на очень большом расстоянии, по мере приближения к зданию он постепенно скрывается за фасадной стеной.
Второй период архитектуры барокко — период зрелости и расцвета стиля — связан с творчеством крупнейших мастеров: Л. Бернини, Ф. Борромини, К. Райнальди — в Риме, Б. Лонгена — в Венеции, Ф. Риккини — в Милане, Гварино Гварини — в Турине.
Лоренцо Бернини. Центральной фигурой зрелого барокко является Лоренцо Бернини (1598—1680). Он был не только архитектором, но и самым крупным скульптором 17 века в Италии.
С 1629 года Бернини, после смерти Мадерны, продолжал постройку собора св. Петра. В 1633 году он построил в соборе над главным куполом большую бронзовую сень, поддерживаемую четырьмя витыми деконструктивными в своей основе колоннами. Согласно традиции, эта сень считается условно первым произведением зрелого барокко. Выполненная Бернини внутренняя отделка собора была подсказана ему проектом Микеланджело. Эта отделка является замечательным образцом церковного интерьера барокко.
Самым крупным архитектурным произведением Бернини было оформление площади перед собором св. Петра (1655—1667). Архитектор создал две площади — большую эллиптическую, обрамленную колоннами, и непосредственно примыкающую к ней площадь в форме трапеции, ограниченную с противоположной стороны главным фасадом собора. В пределах овальной площади были установлены обелиск и два симметрично расположенных фонтана.
Бернини продолжил и развил замысел Мадерны: колоннады не дают возможности подойти к собору с боковых сторон. Для зрителя остается доступным лишь главный фасад.
Величественная архитектура площади Бернини являлась достойным фоном для церемонии съезда знати к торжественному богослужению, совершавшемуся в соборе. В 17—18 веках этот съезд представлял собой пышное и торжественное зрелище. Площадь собора св. Петра — самый крупный ансамбль итальянского-барокко.
В Ватикане Бернини была создана парадная Королевская лестница — «Скала Реджиа» («Скала Сайта»), в которой он использовал прием искусственного усиления перспективного сокращения. Вследствие постепенного сужения марша и уменьшения колонн создается впечатление большей глубины помещения и увеличения размеров самой лестницы.
К числу наиболее характерных произведений Бернини относится небольшая церковь Сан Андреа ин Квиринале (1678), главный фасад которой имеет вид портала с пилястрами и треугольным фронтоном. Этот портал как бы механически присоединен к основному объему здания, овальному в плане.
Главным произведением Бернини в области гражданского зодчества является палаццо Одескальки в Риме (1665), решенный по обычной ренессансной схеме. Композиционным центром здания является, как и обычно, двор, ограниченный в первом этаже аркадами. Распределение на фасадах окон и декоративное их убранство также напоминают палаццо 16 века. По-новому разработана только центральная часть главного фасада: два верхних этажа охвачены большим ордером в виде коринфских пилястр, первый этаж по отношению к этому ордеру играет роль пьедестала. Подобная разбивка фасадной стены получит позже, в архитектуре классицизма, большое распространение.
Бернини продолжил также начатую Мадерной постройку палаццо Барберини. Сооружение не имеет замкнутого двора, обычного для итальянских дворцов. Основной корпус ограничен с двух сторон выступающими вперед флигелями. Центральная часть главного фасада воспринимается как аппликация, наложенная, в декоративных целях, на поверхность стены. Центральный ризалит имеет очень широкие и высокие арочные, окна, в промежутках между ними помещены полуколонны; в первом этаже находится глубокая лоджия. Все это резко отличает центральную часть фасада от более массивных боковых частей, оформленных в традициях архитектуры 16 века. Подобный прием получил в архитектуре итальянского барокко также очень большое распространение.
Интересна овальная лестница палаццо Барберини со спиральными маршами, опирающимися на двойные тосканские колонны.
Франческа Борромшш. Не меньшее значение для итальянского барокко имеет творчество Франческо Борромини (1599—1667) — сотрудника Бернини, позднее — его соперника и врага. Произведения Борромини отличаются особой пышностью и «динамичностью» форм. Борромини довел стиль барокко до максимальной напряженности.
Главное произведение Борромини в области храмовой архитектуры — церковь Сан Карло «у четырех фонтанов» (1638—1667). Фасад ее воспринимается как самостоятельная архитектурная композиция, независимая от здания. Ему приданы изгибающиеся, волнообразные формы. В пределах этого фасада можно видеть весь арсенал барочных форм — разорванных дугообразных карнизов, овальных картушей и прочих декоративных деталей. Сама церковь имеет в плане сложную форму, напоминающую два колокола, сложенных вместе своими основаниями. Перекрытием служит овальный купол. Как и во многих других зданиях этого времени, композиция церкви строится на контрасте внешних и внутренних архитектурных объемов, на неожиданности того эффекта, который возникает при входе внутрь сооружения.
Одной из самых значительных работ архитектора является римская церковь Сан Иво, включенная в здание Сапиенции (университета, 1642—1660). Следует отметить сложные очертания плана церкви и полное несоответствие внешней и внутренней оболочек купола. Снаружи создается впечатление высокого барабана и плоской скуфьи купола, покрывающей этот барабан. Войдя же внутрь, убеждаешься в том, что пятовые части купольного покрытия расположены непосредственно у основания барабана.
Борромини спроектировал виллу Фальконьери во Фраскати. Кроме того, он перестраивал палаццо Спада и работал до Бернини над палаццо Барберини (см. выше).
Карло Райнальди. Карло Райнальди (1611—1691) является одним из главных строителей периода расцвета барокко. Важнейшие произведения Райнальди — церкви Сан Аньезе и Сайта Мариа ин Кампителли.
Церковь Сан Аньезе (начата в 1651 г.) расположена на оси площади Навона, сохранившей очертания находившегося здесь ранее античного цирка Домициана. Площадь украшают типичные для этого времени барочные фонтаны работы Бернини. Церковь имеет центрический план и завершена большим куполом; дугообразный, вогнутый фасад ее ограничен с двух сторон колокольнями. В отличие от большинства римских церквей этого времени купол не скрыт плоскостью фасада, а выступает в качестве основного композиционного центра всей площади.
Церковь Сайта Мариа ин Кампителли построена позже, в 1665—1675 годах. Двухъярусный фасад ее, решенный по системе церкви дель Джезу, и внутреннее оформление — типичный пример архитектуры зрелого барокко.
Райнальди принадлежит также задний фасад римской церкви Санта Мариа Маджоре (1673).
В 17 веке римская архитектура обогатилась несколькими новыми виллами, расположенными в окрестностях города. Помимо виллы Дориа-Памфили, построенной архитекторами Альгарди и Гримальди (ок. 1620 г.), были созданы в числе прочих вилла Мандрагоне и вилла Торлониа — обе находятся во Фраскати, а также вилла д'Эсте в Тиволи. В этих парадных поместьях — красивые бассейны, ряды кипарисов, вечнозеленые кустарники, разнообразно оформленные террасы с балюстрадами, гроты, многочисленная скульптура. Изысканность и пышность декоративного убранства сочетались нередко с вводимыми в искусственно созданный пейзаж элементами дикой природы.
Барокко вне Рима выдвинуло ряд крупных зодчих. В Генуе в 17 веке работал Бартоломео Бьянко. Главным его произведением является здание Университета в Генуе (с 1623 г.) с замечательным двором, ограниченным двухэтажными аркадами и примыкающими к ним красивыми лестницами. Вследствие того, что Генуя расположена на склоне гор, амфитеатром, спускающимся к морю, а отдельные здания построены на участках с большим уклоном, в последних преобладает размещение корпусов и дворов на различных уровнях. В здании Университета на одну композиционную горизонтально расположенную ось нанизаны в восходящем порядке парадный вестибюль, центральный двор и, наконец, находящиеся за ажурной двухъярусной аркадой лестницы, ведущие в сад.
В Венеции работал архитектор Бальтассаре Лонгена (1598—1682). Главным произведением его является самая большая, наряду с собором св. Марка, церковь Венеции Санта Мариа делле Салуте (1631—1682); она находится на стрелке между каналом Джиудекка и каналом Гранде. Церковь эта имеет два купола. За главным, восьмигранным объемом, увенчанным куполом, находится второй объем, заключающий в себе алтарь; он также наделен куполом, но уже меньшим по размеру. Вход в храм оформлен в виде триумфальной арки. Барабан главного купола объединяют с основными стенами церкви 16 спиралевидных волют с установленными на них скульптурами. Они обогащают силуэт здания, придают ему особую характерность. Несмотря на пышность убранства, во внешнем облике церкви отмечается известная дробность архитектуры и сухость деталей. Внутри церковь, облицованная светло-серым мрамором, просторна, но холодна и официальна.
На Большом канале Венеции расположены оба наиболее значительных палаццо, построенные Лонгеной, — палаццо Пезаро (ок. 1650 г.) и палаццо Реццонико (1680). По структуре своих фасадов последние во многом сходны с дворцами Венеции времен Ренессанса, в частности с палаццо Корнер Сансо-вино, но в то же время отличаются от них несравненно большей насыщенностью и декоративностью форм.
В Турине работал архитектор Гварино Гварини (1624—1683), бывший монахом ордена театинцев. Гварино Гварини — «самый барочный из всех зодчих барокко» — может быть сравнен по своему творческому темпераменту лишь с Франческо Борромини. В своих произведениях он нередко использовал в декоративных целях помимо обычных форм переработанные мотивы мавританской и готической архитектуры. Им возведены многие здания Турина, в том числе палаццо Кариньяно (1680), парадное и величественное, но сугубо декоративное по оформлению. Типично решение главного корпуса палаццо. В основной прямоугольный его объем как бы вставлена центральная часть с парадной сложно задуманной лестницей. Стены, ее ограничивающие, и марши имеют дугообразную в плане форму. Все это соответственно отражается и на фасаде. Если боковые его участки сохраняют прямоугольные очертания, то центр представляет собой изгибающуюся в противоположные стороны плоскость с прорезью посередине, куда вставлен в виде аппликации совершенно иной мотив — двухъярусная лоджия также изогнутой формы. Оконные наличники на фасадах имеют изломанную хрящевидную конфигурацию. Пилястры испещрены мелкими, графич-ными по характеру формами.
Среди церквей, построенных Гварини, должна быть выделена церковь Мадонна делла Консолата с овальным нефом, за которым находится шестигранный алтарь. Построенные Гварини церкви отличаются еще большей прихотливостью и сложностью форм, чем его гражданские сооружения.
В изобразительном искусстве, как и в архитектуре Италии, в 17 веке стиль барокко получает господствующее значение. Он возникает как реакция против «маньеризма», надуманным и сложным формам которого противопоставляет прежде всего большую простоту образов, почерпнутую как из творений мастеров Высокого Возрождения, так и обусловленную самостоятельным изучением натуры. Зорко вглядываясь в классическое наследие, нередко заимствуя у него отдельные элементы, новое направление стремится к возможно большей выразительности форм в их бурной динамике. Новым исканиям искусства соответствуют и новые живописные приемы: спокойствие и ясность композиции сменяются их свободой и как бы случайностью. Фигуры смещаются со своего центрального положения и строятся в группы преимущественно по диагональным линиям. Такое построение имеет важное для барокко значение. Оно усиливает впечатление движения и способствует новой передаче пространства. Вместо обычного для искусства Возрождения членения его на отдельные слои оно охватывается единым взглядом, создавая впечатление случайного фрагмента необъятного целого. Такое новое понимание пространства принадлежит к ценнейшим достижениям барокко, сыгравшим определенную роль в дальнейшем развитии реалистического искусства. Стремление к экспрессивности и динамике форм порождает еще одну черту, не менее типичную для барокко, — использование всевозможных контрастов: контрастов образов, движений, противопоставлений освещенных и теневых планов, контрастов цвета. Все это дополняется ярко выраженной тягой к декоративности. Вместе с тем меняется и живописная фактура, переходящая от линеарно-пластической трактовки форм к все более широкой живописности видения.
Отмеченные особенности нового стиля со временем приобретали все более определенные черты. Это оправдывает деление итальянского искусства 17 века на три неравномерно длящихся этапа: «раннее», «зрелое», или «высокое», и «позднее» барокко, господство которого длится много дольше остальных. Эти особенности, равно как хронологические пределы, будут отмечены далее.
Барочное искусство Италии обслуживает главным образом господствующую и утвердившуюся после Тридентского собора католическую церковь, княжеские дворы и многочисленное дворянство. Задачи, ставящиеся перед художниками, имели столько же идейный, сколько декоративный характер. Декорирование церквей, равно как дворцов знати, монументальные росписи куполов, плафонов, стен в технике фрески получают небывалое развитие. Этот вид живописи становится специальностью итальянских художников, работавших как у себя на родине, так и в Германии, Испании, Франции, Англии. Они сохраняют в данной области творчества неоспоримый приоритет до конца 18 века. Темами церковных росписей являются пышные сцены прославления религии, ее догматов или святых и их деяний. На плафонах дворцов господствуют аллегорические и мифологические сюжеты, служащие прославлением владетельных фамилий и их представителей.
Чрезвычайно распространенными являются по-прежнему большие алтарные картины. В них наряду с торжественно-величавыми образами Христа и Мадонны особенно распространены изображения, которые оказывали наиболее сильное воздействие на зрителя. Это сцены казней и мучений святых, равно как состояния их экстаза.
Светская станковая живопись наиболее охотно бралась за темы из Библии, мифологии и античности. Как самостоятельные ее виды получают развитие пейзаж, батальный жанр, натюрморт.
На грани 16 и 17 веков возникают как реакция против маньеризма два направления, из которых развивается вся последующая живопись Италии: болонский академизм и караваджизм.
Балансная школа. Братья Карраччи. Болонский академизм слагается в стройную художественную систему уже в середине 1580-х годов. Три болонских художника — Людовико Карраччи (1555—1609) и его двоюродные братья Агостино (1557—1602) и Аннибале (1560—1609), занимающий среди братьев первое место, — вырабатывают основы нового стиля, опираясь главным образом на изучение классического наследия 16 века. Воздействие венецианской школы, творчества Корреджо и позднее римского искусства 16 века обусловливает решительный поворот от маньеризма в сторону простоты, а вместе с тем величавости образов.
Первые работы братьев Карраччи по росписи дворцов Болоньи (Палаццо Фава, Палаццо Маньяни) еще не позволяют четко дифференцировать их стилистические особенности. Но станковые картины Аннибале Карраччи, в которых первоначально сильны реминисценции пармской школы, указывают на слагающуюся яркую художественную индивидуальность. В 1587 и 1588 годах он создает две алтарные картины, являющиеся как бы первыми произведениями нового стиля: «Вознесение Мадонны» и «Мадонна со св. Матвеем» (обе в Дрезденской галерее). Если в первой еще много манерности в движении фигур и в их экспрессии, то «Мадонна со св. Матвеем» характеризуется спокойной величавостью образов, показательной для начала нового этапа итальянской живописи.
В 1580-х годах братья Карраччи открыли в Болонье Академию, названную ими «Академиа-деи-инкаминати» (Академия, вступающая на новый путь). Вместо прежнего обучения будущих художников, предусматривающего приобрет
В 1595 году братья Карраччи, получившие уже большую известность, были приглашены в Рим кардиналом Фарнезе для росписи его дворца. На приглашение отозвался один Аннибале, покинувший навсегда Болонью . В Риме тесное соприкосновение с традициями местной школы и влияние античности открыли в искусстве мастера новую фазу. После сравнительно малозначительной росписи одного из зал Палаццо Фарнезе («Камерино», середина 1590-х гг.) Аннибале Карраччи создает там же знаменитый плафон галереи, явившийся как бы венцом его творчества и исходным пунктом большинства декоративных росписей 17 века. Помещение галереи (около 20Ч6 м), перекрытое невысоким коробовым сводом, Аннибале делит на ряд самостоятельных отрезков. Композиционное построение плафона напоминает роспись Сикстинской капеллы Микеланджело, от которой он заимствует помимо разбивки плоскости также иллюзионистический характер трактовки скульптуры, живых человеческих фигур и живописных картин. Обобщающей темой служат любовные истории богов Олимпа. В центре плафона помещается многолюдное и шумное «Триумфальное шествие Вакха и Ариадны». По сторонам расположены две другие мифологические композиции, а ниже тянется полоса, расчлененная написанными под мрамор гермами и атлантами, у ног которых сидят как бы живые юноши. Фигуры эти обрамляют то круглые медальоны, подражающие бронзовым, с античными сценами, то чисто живописные повествовательные композиции. По углам этот фриз как бы разрывается изображением балюстрад, над которыми на фоне неба написаны амуры. Эта деталь важна как ранняя, еще робкая попытка разрыва реального пространства, приема, ставшего в дальнейшем особенно характерным для барочных плафонов. Пластическая мощь фигур, разнообразие декоративных форм и красочное богатство создали ансамбль необычайной пышности.
Станковые картины, созданные Аннибале Карраччи в римский период творчества, посвящены главным образом религиозным сюжетам. Холодное совершенство форм оставляет в них мало места чувству. «Оплакивание Христа» (1599, Неаполь, Национальная галерея), где одинаково высоко и то и другое, принадлежит к исключениям. В манере живописи большинства картин преобладает стремление к четкому линеарно-пластическому выявлению фигур. «Жены-мироносицы у гроба Христа» (ок. 1605 г., Эрмитаж) принадлежат к характернейшим образцам этого типа работ художника.
Обращаясь часто к пейзажному жанру, Аннибале Карраччи становится родоначальником широко распространенного в дальнейшем так называемого «классического» пейзажа. Сущность последнего заключается в том, что его представители, используя иногда очень тонко наблюденные мотивы природы, стремятся в первую очередь к «облагораживанию» ее форм. Пейзажи строятся в мастерской художников с применением выработанных схем, в которых важнейшую роль играют уравновешивание масс, плавные линии контуров и использование в виде кулис групп деревьев или руин. «Пейзаж с поклонением волхвов» Аннибале Карраччи в Галерее Дория в Риме может быть назван одним из первых стилистически законченных образцов этого типа.
Караваджизм. Несколько лет спустя после сложения болонского академизма выдвигается другое, еще более оппозиционное по отношению к маньеризму художественное течение, отличающееся ярко выраженным исканием реалистичности образов и носящее в значительной мере демократический характер. Течение это, исключительно важное в общей истории развития реализма, обычно обозначается термином «караваджизм», происходящим от имени его главы — Микеланджело Меризи да Караваджо (1574—1610). Получивший широкую известность по имени места своей родины, Караваджо сложился как живописец под воздействием искусства Северной Италии. Еще молодым человеком он попадает в Рим, где привлекает к себе внимание рядом жанровых картин. Изображенные полуфигуры девушек и юношей, цыганок и шулеров наделены неизвестной дотоле материальностью. Столь же материально обрисованы детали композциий: корзины цветов и фруктов, музыкальные инструменты. Картина «Лютнист» (1594—1595, Эрмитаж), принадлежащая к лучшим произведениям этого круга, дает представление о типе подобных работ. Она характерна для раннего Караваджо и четкой линеарной манерой живописи.
Простой образ, лишенный всякой идеализации, решительно отличающийся от облагороженных образов Карраччи, дает Караваджо в своем «Вакхе» (1596—1597, Флоренция, Уффици),
В конце 1590-х годов Караваджо получает первый крупный заказ на создание трех картин для церкви Сан-Луиджи-деи-Франчези в Риме. В алтарной картине «Пишущий апостол Матвей, руку которого направляет ангел» (1597— 1598, картина погибла во время второй мировой войны) Караваджо отказался от какой бы то ни было идеализации апостола, изобразив его с неприкрашенной правдивостью в виде человека из народа. Подобный образ вызвал резкое осуждение заказчиков, потребовавших замены картины другим, более приемлемым для них вариантом. В одной из следующих композиций того же заказа, представляющей «Призвание апостола Матвея» (1598—1599), Караваджо дал первый пример так называемой «погребной» живописи. В этой картине преобладает темная тональность, противопоставленная резко освещенным деталям, особенно важным для композиции: головам, очертаниям фигур, жестам рук. Прием этот оказал особенно определенное влияние на европейскую живопись первой трети 17 столетия.
Первыми годами 17 века (1601—1603) датируется один из известнейших шедевров живописи Караваджо — «Положение во гроб» (Рим, Пинакотека Ватикана). Построенная по диагонали в высоту, композиция эта отличается чрезвычайной выразительностью и жизненностью образов; в частности, с предельным реализмом передана фигура наклонившегося ученика, поддерживающего ноги мертвого Христа. Тот же не допускающий никакой идеализации реализм отличает выполненное несколькими годами позже «Успение Марии» (1605—1606, Лувр). Над чуть тронутым тлением лежащим телом Мадонны в глубокой печали стоят ученики Христа. Жанрово-бытовой характер картины, в которой художник решительно отступил от традиционной передачи темы, снова вызвал нарекания церкви.
Мятежный темперамент Караваджо постоянно приводил его к столкновениям с окружающей средой. Случилось так, что во время ссоры он убил своего противника по игре в мяч и вынужден был бежать из Рима. В биографии мастера открылся новый этап, ознаменованный постоянной переменой места. После кратковременного пребывания в Неаполе он оказывается на острове Мальта, где на службе у гроссмейстера Мальтийского ордена имеет крупный успех, возводится в звание дворянина, но вскоре, после новой ссоры, попадает в тюрьму. Он появляется затем снова в Неаполе, после чего получает разрешение вернуться в Рим, но вследствие ошибки властей, принимающих его за другого, лишается имущества, попадает на безлюдный морской берег и умирает от лихорадки.
В этот поздний период творчества мастер создал несколько замечательных произведений. К наиболее выдающимся можно причислить поражающий силой реалистичности образа «Портрет гроссмейстера Мальтийского ордена Алофа де Виньякура» (1608), равно как и исключительное по простоте рассказа и глубокой человечности «Поклонение пастухов» (1609, Мессина).
Творчество мастера, отличающееся новизной отображения жизни и своеобразием живописных приемов, оказало сильнейшее влияние на многих художников, как итальянцев, так и работавших в Риме иноземцев. Тем самым оно явилось важнейшим стимулом развития реализма в общеевропейской живописи 17 века. В числе итальянцев к наиболее видным последователям Караваджо принадлежит Орацио Дшентилески (1565—до 1647).
Доменикино. Что касается ближайших учеников и продолжателей искусства Карраччи, то среди них особенно выдающимся является Доменикино. Доменико Зампиери, прозванный Доменикино (1582—1641), известен как крупнейший в 17 веке представитель монументальной повествовательной фресковой живописи. Он сочетает в ней величавость идеализированных, но сохраняющих естественность форм с серьезностью передачи содержания. Черты эти полнее всего сказываются в росписи римской церкви Сент-Андреа-делла-Валле (1624—1628), где в конце абсиды среди лепного, белого с золотом, орнамента Доменикино изобразил сцены евангельского повествования из жизни апостолов Андрея и Петра, а на парусах купола — четырех окруженных ангелами евангелистов. Из станковых картин мастера наиболее известно «Последнее причащение святого Иеронима» (1614, Рим, Ватикан). Классичность форм, вызванная отчасти увлечением Рафаэлем, сочетается в трактовке лиц с глубоким религиозным чувством. Работы Доменикино часто отмечены лирическим характером образов. Показательна в этом плане его ранняя «Девушка с единорогом», написанная над входной дверью галереи Палаццо Фарнезе, и особенно картина, условно называемая «Охота Дианы» (1620, Рим, Галерея Боргезе). Картина изображает соревнование спутниц Дианы в стрельбе из лука и эпизод появления среди них Актеона. Естественность инсценировки усиливается свежестью трактовки образов.
Франческа Алъбани. Франческо Альбани (1578—1660) был главным образом художником-станковистом и интересен, между прочим, введением нового типа полотен — небольших, так называемых «кабинетных» картин, рассчитанных на украшение помещений ограниченных объемов. В них Альбани изображал обычно идиллические пейзажи, на фоне которых резвятся и танцуют фигурки амуров.
Гвадо Рени. Гвидо Рени (1575—1642), явившийся после Карраччи главой болонской школы, в ранний период своего творчества испытал влияние искусства Караваджо. Оно проявляется в отсутствии идеализации образов и резкой контрастности светотени («Распятие апостола Петра», ок. 1605 г., Рим, Ватикан). Вскоре, однако, Рени вырабатывает свой стиль, представляющий наиболее яркое выражение одного из течений, наблюдаемых в искусстве Италии 17 века. Это так называемое «классицистическое» направление раннего барокко характеризуется сдержанностью художественного языка, равно как и строгостью идеализированных форм. Со всей полнотой манера Гвидо Рени раскрывается впервые в знаменитой «Авроре» (1613—1614, Палаццо Роспильози), написанной в технике фрески на плафоне римского Палаццо Роспильози. На фоне золотисто-желтого неба окруженный хороводом граций мчится Аполлон на колеснице. Летящая перед ним Аврора сыплет цветы на землю и свинцовое море, которого еще не коснулись лучи солнца. Линеарно-пластическая трактовка форм, уравновешенная композиция, построенная подобно станковой картине, равно как и противопоставление разных, но притушенных красок, делают эту фреску исключительно показательной для ранней стадии развития барочной декоративной живописи. Те же черты, но с большей надуманностью поз проявляются и в позднейшей станковой картине — «Аталанта и Иппомен»(ок. 1625 г., Неаполь). В свои религиозные картины Рени нередко вносит черты сентиментализма и слащавости. Эрмитажная картина «Юность Мадонны» (1610-е гг.) привлекает интимностью передачи занятых шитьем миловидных девушек. В ряде других работ идеализированность образов не исключает их естественности и глубины чувства («Оплакивание Христа», Болонья, Пинакотека, 1613—1614 гг.; «Мадонна с младенцем», Нью-Йорк, частное собрание, конец 1620-х гг.).
Третье десятилетие 17 века открывает новый этап барочного искусства, охватываемый понятием «высокое, или зрелое, барокко». Его существеннейшими особенностями представляются усиление динамизма и экспрессивности форм, живописность их передачи и чрезвычайное усиление декоративности. В живописи к отмеченным чертам присоединяется интенсивная красочность.
Джованни Ланфранко. Один из мастеров, утверждающих господство нового стиля, Джованни Ланфранко (1580—1641), опираясь главным образом на монументальное искусство Корреджо, уже к 1625 году создает свою роспись купола Сент-Андреа-делла-Валле, изображающую «Рай». Располагая концентрическими кругами бесчисленные фигуры — Мадонны, святых, ангелов, он уводит глаз зрителя в бесконечное пространство, в центре которого изображена светящаяся фигура Христа. Для данного художника характерно также объединение фигур в широкие массы, образующие живописные потоки света и тени. Те же приемы живописи повторяются и в станковых картинах Ланфранко, среди которых одной из показательнейших является «Видение святой Маргариты Кортонской» (Флоренция, Палаццо Питти). Состояние экстаза и построение групп по диагонали крайне характерны для искусства барокко.
Гверчино. Обычная для развитой фазы монументального искусства барокко иллюзия разрывающегося над головами зрителей пространства еще определеннее, чем у Ланфранко, выражена у его современника Франческо Барбьери, прозванного Гверчино (1591—1666). В плафоне Палаццо Людовизи в Риме (1621—1623), так же как и в упомянутом выше плафоне Гвидо Рени, изображена Аврора, на этот раз несущаяся на колеснице среди облачного неба. Изображенные по краю композиции вершины стен и вздымающиеся кипарисы при рассмотрении с определенной точки зрения создают иллюзию продолжения реальной архитектуры помещения. Гверчино, являющийся как бы связующим звеном между художественными манерами Карраччи и Караваджо, заимствует у первого характер своих фигур, у второго же — приемы его светотеневой живописи. «Погребение святой Петрониллы» (1621, Рим, Галерея Капитолия) является одним из наглядных примеров живописи раннего Гверчино, в которой естественность образов сочетается с широтой и энергией живописного выполнения. В «Казни св. Екатерины» (1653, Эрмитаж), как и в других поздних работах мастера, правдивость образов подменяется элегантностью композиции.
Доменико Фетти. Из других художников этого времени следует упомянуть также Доменико Фетти (1589—1624). В его композициях элементы реалистического бытового жанра уживаются с богатой красочной палитрой, на которую оказало свое воздействие искусство Рубенса. Его картины «Мадонна» и «Исцеление Товита» (1620-е гг., Эрмитаж). отличающиеся звучностью и мягкостью колорита, позволяют составить определенное представление о колористических исканиях художника.
Лоренцо Бернини. Центральной фигурой искусства высокого барокко является гениальный архитектор и скульптор Лоренцо Бернини (1599—1680). Скульптура мастера представляет неповторимое соединение всех характернейших черт стиля барокко. В ней органически слилась предельная острота реалистического изображения с безмерной широтой декоративного видения. К этому присоединяется непревзойденное владение техникой обработки мрамора, бронзы, терракоты.
Сын скульптора, Лоренцо Бернини принадлежит к мастерам, очень рано находящим свой художественный язык и чуть ли не с первых шагов достигающим зрелости. Уже около 1620 года Бернини создает несколько мраморных скульптур, принадлежащих к бесспорным шедеврам. 1623 годом датируется его статуя «Давид» (Рим, Галерея Боргезе). Она отличается необычайным мастерством реалистической передачи напряжения духовных и физических сил библейского героя, изображенного в момент бросания пращой камня. Двумя годами позднее выполняется группа «Аполлон, преследующий Дафну» (1620-е гг., Рим, Галерея Боргезе). Живописность форм бегущих фигур и исключительное совершенство обработки поверхностей дополняются редкой тонкостью выражения лиц Дафны, еще не чувствующей совершающейся метаморфозы (превращения ее в лавровое дерево), и Аполлона, понимающего, что настигнутая им жертва безвозвратно потеряна.
Двадцатые и тридцатые годы 17 века — время понтификата Урбана VIII — упрочивают положение Бернини как ведущего художника Рима. Помимо многочисленных архитектурных работ он создает в этот же период ряд монументальных скульптур, портретов, равно как произведений чисто декоративного характера. Из последних к наиболее совершенным принадлежит возвышающийся на одной из площадей Рима «Фонтан Тритона» (1637). Причудливые очертания огромной раковины, которую поддерживают дельфины, и возвышающегося над ней тритона гармонируют со струями ниспадающих вод.
Сильно выраженной декоративности большинства работ мастера могут быть противопоставлены относящиеся к тому же этапу деятельности Бернини изумительные по реалистической остроте характеристик относящиеся к 1630-м годам портреты Констанции Буонарелли (Флоренция, Национальный музей) и кардинала Сципионе Боргезе (Рим, Галерея Боргезе).
Вступление в 1640 году на папский престол Иннокентия X повлекло за собой временное отстранение Бернини от руководящей роли в строительстве и украшении Рима. За короткий промежуток, отделяющий его от вновь наступающего затем официального признания, Бернини выполняет ряд новых замечательных произведений. Имея в виду временное непризнание своих художественных заслуг, он создает иносказательную группу «Истина, которую раскрывает Время». Фигура времени осталась неисполненной, но сидящая аллегорическая женская фигура поражает чрезвычайной выразительностью реалистических форм.
Шедевром монументальной скульптуры барокко явилась знаменитая группа «Экстаз св. Терезы», украшающая капеллу Корнаро римской церкви Санта-Мария-делла-Виттория (1645—1652), Над склонившейся в состоянии экстаза святой является ангел со стрелой в руке. Чувства Терезы выражены со всей неумолимостью реалистической передачи. Трактовка ее широкого одеяния и фигуры ангела заключает в себе черты декоративности. Белый цвет мраморной группы, помещенной на фоне золотых лучей, сливается с красочными оттенками цветного мрамора архитектурного окружения в нарядный цветовой ансамбль. Тема и исполнение очень характерны для стиля итальянского барокко.
1628—1647 годами датируется еще одно из капитальнейших созданий Бернини — надгробие папы Урбана VIII в соборе св. Петра в Риме. По величавой выразительности замысла и мастерству пластического решения памятник этот принадлежит к замечательнейшим произведениям надгробной скульптуры. На фоне выложенной цветным мрамором ниши возвышается белый постамент с выразительной бронзовой фигурой папы. Его поднятая для благословения рука сообщает фигуре грозное величие. Ниже по сторонам зеленого мраморного саркофага стоят белые фигуры, олицетворяющие добродетели Урбана VIII — мудрую Справедливость и Милосердие. Вырастающая из-за саркофага бронзовая полуфигура крылатого скелета прикрепляет к постаменту доску с начертанным именем покойного.
Период временного непризнания Бернини сменяется вскоре при том же Иннокентии X признанием его официальным главой римской школы, и чуть ли не с большей славой, чем прежде. Из скульптурных работ второй половины деятельности Бернини можно отметить грандиозную бронзовую кафедру собора св. Петра в Риме, фигуру скачущего на коне императора Константина (там же) и в особенности создание нового типа портрета, лучшим образом которого представляется мраморный бюст Людовика XIV, исполненный мастером во время пребывания его в 1665 году (по приглашению французского двора) в Париже. При сохранении выразительности черт лица главное внимание сосредоточивается теперь на декоративности целого, достигаемой живописной трактовкой ниспадающих локонов огромного парика и как бы подхваченных ветром развевающихся драпировок.
Наделенное исключительной экспрессивностью, оригинальностью изобразительного стиля и совершенством технического мастерства, искусство Бернини нашло бесчисленных поклонников и подражателей, оказавших влияние на пластическое искусство Италии и других стран.
Пъетро да Нортона. Из живописцев наиболее показательным для стиля высокого барокко является Пьетро Берреттини да Нортона (1596—1669). Он выдвинулся первоначально своими многофигурными станковыми картинами («Победа Александра Македонского над Дарием», «Похищение сабинянок» — 1620-е годы, обе — Капитолийский музей, Рим), в которых обнаружил глубокое знание материальной культуры Древнего Рима, приобретенное в результате изучения памятников античности. Но главные завоевания Нортоны относятся к области монументально-декоративных росписей. Между 1633 и 1639 годами он исполняет грандиозный плафон в Палаццо Барберини (Рим), являющийся ярким образцом декоративной живописи барокко. Плафон прославляет главу дома Барберини папу Урбана VIII. В пространстве, охваченном тяжелой прямоугольной рамой, изображена окруженная множеством аллегорических персонажей фигура Божественной Премудрости. Слева над ней взлетает к небесам стройная девушка с венцом звезд в поднятых руках, олицетворяющая Бессмертие. Еще выше мощные фигуры Муз, служащие напоминанием о поэтической деятельности Урбана VIII, несут огромный венок, в центре которого летят три пчелы герба Барберини. По бокам рамы, на закруглении перехода к стенам, изображены мифологические сцены, в иносказательной форме рассказывающие о деятельности папы. Богатству живописных мотивов, разнообразию и жизненности образов отвечает звучная красочность целого.
Характерное для монументального стиля Нортоны органическое слияние в единую декоративную систему архитектоники композиций, живописи и пластической орнаментации нашло наиболее полное выражение в росписи ряда залов Палаццо Питти во Флоренции (1640-е гг.), обозначаемых именами богов Олимпа. Прославление на этот раз дома Медичи отличается необычайным разнообразием композиций. Наиболее интересен тот плафон, который украшает «Зал Марса» и гласит о воинских добродетелях владельцев Палаццо. Присущие этому изображению динамика, асимметрия построения, как и иррациональность композиции, выражающаяся в том, что легкие фигурки амуров поддерживают массивнейший каменный герб Медичи, принадлежат к крайним выражениям стиля барокко, достигшего полноты своего развития.
В то же время реалистические тенденции находят свое развитие в творчестве ряда итальянских мастеров, преимущественно работавших вне Рима.
Сальватор Роза. К числу наиболее оригинальных художников середины 17 века принадлежит Сальватор Роза (1615—1673), который был не только живописцем, но и поэтом, памфлетистом и актером. Уроженец Неаполя, где влияние школы Караваджо было особенно стойким, Роза близок к последнему реальностью образов и манерой живописи с темными тенями. Тематика творчества этого художника чрезвычайно разнообразна, но наиболее важными для истории искусства являются его многочисленные сцены сражений и пейзажи. В батальных композициях в полную силу проявился бурный темперамент художника. Подобный батальный жанр, подхваченный подражателями, получит широкое распространение во всем европейском искусстве. Пейзажи мастера, изображающие скалистые морские побережья, в силу мотивов изображенной природы, динамики композиции, резкой контрастности освещения и эмоциональности общего решения могут быть названы романтическими. Тем самым их можно противопоставить и классическим ландшафтам каррачиевской школы и острореалистическим пейзажам северных школ. Среди крупнофигурных картин Розы выделяются хранящиеся в Эрмитаже «Одиссей и Навсикая» (1650-е гг.) и «Демократ, удивляющийся ловкости Протагора» (того же времени). Они служат прекрасными примерами повествовательного стиля и живописной техники мастера.
С шестидесятых годов 17 века открывается последняя, наиболее длительная фаза развития барочного искусства Италии, так называемое «позднее барокко». Оно характеризуется меньшей строгостью построения композиций, большей легкостью фигур, особенно заметной в женских образах, нарастающими тонкостями колорита и, наконец, дальнейшим усилением декоративности.
Джованни Баттиста Гаули. Главнейшим выразителем новых тенденций живописи является Джованни Баттиста Гаули (1639—1709), известный и как станковист и как художник, создавший ряд фресок. Его искусство тесно примыкает к искусству позднего Бернини. К лучшим работам Гаули принадлежат его ранние, выдержанные в светлых тонах росписи парусов церкви Сант-Аньезе-ин-пьяцца-Навона в Риме (ок. 1665). Вместо евангелистов, наиболее распространенных в этих местах церковной архитектуры, Гаули изобразил отличающиеся легкостью форм аллегорические сцены христианских добродетелей. Особенно привлекательна та, в которой представлены две юные девушки, из которых одна возлагает венок цветов на другую. Произведениями зрелого стиля Гаули являются росписи плафона, купола и конхи абсиды главной церкви иезуитского ордена Иль-Джезу в Риме (1670-е—начало 1680-х гг.). Этот плафон, известный под названием «Поклонение имени Иисуса», очень показателен для стиля позднего барокко. Среди написанной архитектуры, продолжающей реальные формы церкви, представлено уходящее в глубину небесное пространство, заполненное неисчислимыми фигурами, как волны переливающимися от темных к все более светлым группам. Другим видом живописных работ мастера являются его лишенные всяких декоративных прикрас, психологически великолепно охарактеризованные портреты современников («Папа Климент IX», Рим, Галерея св. Луки; «Портрет Бернини», Рим, Галерея Корсини).
Андреа Поццо. Искание иллюзорности архитектонических построений достигает своего высшего развития в творчестве Андреа Поццо (1642—1709). Его капитальнейшее произведение — плафонная фреска церкви Сен-Иньацио в Риме, обозреваемая из центрального нефа, изображенными на ней ярусами террас, аркад, колоннад вздымающихся стен, над которыми среди множества фигур выделяется Игнатий Лойола, — создает иллюзию архитектурного пространства. Подобно другим аналогичным плафонам, стройность и правильность построения сразу же нарушаются, как только зритель отходит от точки, на которую она была рассчитана.
К наиболее известным мастерам декоративной живописи принадлежит также неаполитанец Лука Джордано (1632—1705). Талантливый и чрезвычайно плодовитый мастер, он был все же лишен внутренней силы и оригинальности и нередко подражал другим художникам. К лучшим его работам принадлежит прославляющий род Медичи плафон флорентийского Палаццо Рикарди.
В области станковой живописи из современников названных художников выделяется принадлежащий римской школе конца 17 века Карло Маратта (1625—1713). Он занял место крупнейшего представителя позднего барокко. Его алтарные картины отличаются плавностью линий и величавым спокойствием композиций. Столь же сильным художником он обнаружил себя и в области портрета. Среди его работ выделяется острый по характеристике и великолепный по живописи эрмитажный «Портрет папы Климента IX» (1669). Работавший в Неаполе Франческо Солимена (1657—1749) в своих библейских и аллегорических картинах резкими контрастами света и тени приводит на память приемы Караваджо, но использует их в чисто декоративных композициях. Поздний болонец Джузеппе Мария Креспи (1664—1747), являющийся одним из одареннейших художников рассматриваемого периода, оказал сильное влияние на живопись 18 века. Мастера характеризует сильно выраженная реалистическая направленность. Она проявляется как в религиозных композициях, так еще нагляднее в его бытовых картинах («Кончина святого Иосифа», ок. 1712 г., Эрмитаж; «Серия Таинств», 1710-е гг., Дрезденская галерея).